Pintor ruso, fundador del arte abstracto. Composición abstracta (principios para mostrar sensaciones humanas)

(lat. abstracción, eliminación, distracción) forma de arte no objetiva y no figurativa Artes visuales, que no pretende imitar ni mostrar la realidad percibida visualmente. La pintura abstracta, los gráficos y la escultura excluyen las asociaciones con objetos reconocibles.

Orígenes pintura abstracta y no se ha establecido el momento de creación de la primera pintura abstracta. Sólo podemos decir con certeza que entre 1910 y 1915, muchos artistas europeos probaron composiciones no objetivas y no figurativas (pintura, dibujo, escultura). Entre ellos: R. Delaunay, M. F. Larionov, F. Picabia, F. Kupka, P. Klee, F. Mark, A. G. Yavlensky, U. Bocioni, F. Marinetti y otros. Los más originales y famosos V.V.Kandinsky, P.Mondrian. , K.S.Malevich. A Kandinsky se le suele llamar el “inventor” de la abstracción, en referencia a sus acuarelas de 1910-1912 y a su trabajos teóricos, que atestiguan objetivamente la autosuficiencia del arte, indican su capacidad para crear un cierto nueva realidad. Tanto en la práctica como en la teoría, Kandinsky fue el más decidido y consecuente de quienes en ese momento se acercaron a la línea que separaba la figuratividad de la abstracción. La pregunta poco clara de quién fue el primero en cruzar esta línea no es de fundamental importancia, ya que en los primeros años del siglo XX. Las nuevas tendencias del arte europeo se acercaron mucho a esta frontera, y todo indicaba que sería traspasada.

La abstracción, contrariamente a la creencia popular, no es una categoría estilística. Este forma específica Las bellas artes se dividen en varias direcciones. Abstracción geométrica, abstracción lírica, abstracción gestual, abstracción analítica y movimientos más particulares, como el Suprematismo, Aranformel, Nuageísmo, etc.

Los estilos de arte abstracto se componen de los mismos elementos formadores de estilo que los estilos de arte figurativo. Esto se evidencia, en particular, por el hecho de que la pintura monocromática, un lienzo pintado en un tono, tiene la misma relación neutral con el estilo que una imagen figurativa absolutamente naturalista. La pintura abstracta es tipo especial de actividad visual, cuyas funciones se comparan con las de la música en el espacio del audio.

El cambio acelerado de las actitudes estéticas en el arte se origina en las transformaciones revolucionarias en la cultura, la ciencia y la tecnología del siglo XX. En el arte, las nuevas tendencias se hicieron visibles ya en la primera mitad del siglo XIX. En este momento, en la pintura europea se puede ver simultáneamente la mejora de la técnica naturalista (J. Ingres, J.-L. David, T. Chasserio) y una creciente tendencia hacia el convencionalismo (C. Corot, E. Delacroix, F. Goya ); esto último se enfatiza especialmente en la pintura inglesa de R. O. Bonington y especialmente de W. Turner, cuyas pinturas Sol saliendo en la niebla… (1806), velada musical (18291839) y algunas otras obras representan las generalizaciones más atrevidas, rayanas en la abstracción. Prestemos atención a la forma, pero también al argumento de uno de sus últimos trabajos. Lluvia, vapor, velocidad, que representa una locomotora de vapor atravesando la niebla y un velo de lluvia. Esta pintura, pintada en 1848, es la mayor medida de convención en el arte de la primera mitad del siglo XIX v.

CON mediados del 19 v. la pintura, la gráfica y la escultura abordan lo que es inaccesible a la representación directa. La búsqueda de nuevos medios visuales, métodos de tipificación, mayor expresión, símbolos universales y fórmulas plásticas comprimidas es cada vez más intensa. Por un lado, esto tiene como objetivo mostrar el mundo interior de una persona, sus estados psicológicos emocionales y, por otro, actualizar la visión. mundo objetivo. En el siglo XX, el descubrimiento, primero en España y luego en Francia, del arte primitivo y, un poco más tarde, del tradicional (“primitivo”) cambió decisivamente la idea del significado de las formas convencionales en las artes visuales.

El estado en el que se encuentra el arte en este momento puede denominarse revolución estética permanente; Los principales acontecimientos tienen lugar en Francia. Universal exposición Internacional 1900 en París, en la avenida Nicolás II, tuvo lugar la primera exposición oficial, que incluyó obras de artistas todavía “escandalosos” en ese momento: E. Manet, C. Monet, O. Renoir y otros impresionistas, así como P. Gauguin y P. Cézanne. En 1904, la última pintura francesa, expuesta en Alemania, causó una impresionante impresión en artistas alemanes y sirvió de impulso para la creación de la Unión Juvenil, que incluía a futuros expresionistas famosos: E. L. Kirchner, K. Schmidt-Rottluff y otros.

De 1905 a 1910, se produjo en el arte de Europa occidental una "deconstrucción" constante del sistema pictórico clásico y un cambio radical en las actitudes estéticas. Después de que el impresionismo introdujo por primera vez en la historia del arte cambios estructurales (no estilísticos) en la pintura, los fauvistas franceses y los expresionistas alemanes cambiaron su actitud hacia el color y el dibujo, que finalmente emergieron de la subordinación a la naturaleza. El cubismo libera entonces a la pintura de la narratividad de una trama narrativa.

Si la pintura, como otras artes, no es tanto una demostración de habilidad, la creación de una obra, sino una forma de autoexpresión, entonces el arte abstracto debe ser reconocido como la etapa más avanzada de la actividad visual. Este “ascenso” queda demostrado por la evolución creativa del pionero del arte abstracto, Kandinsky, que atraviesa varias etapas, entre ellas el dibujo académico y la pintura realista. pintura de paisaje, antes de pasar al espacio libre de color y línea. La composición abstracta es el último nivel molecular en el que la pintura sigue siendo pintura. Mayor desintegración.

“Prueba de mi existencia”, dice uno de artistas contemporáneos“No es mi nombre, mi cuerpo desaparecerá en el océano del tiempo, sino una ficción, una creación de apariencia” (Francllin C. Jean Le Gac. Citado de: Millet K. . Minsk, 1995, pág. 235).

Creatividad de la manera más íntima y auténtica. autoafirmación, que una persona necesita con urgencia. Esta necesidad abarca masas cada vez mayores de personas (como lo demuestran, en particular, los métodos cada vez más frecuentes y violentos de afirmación colectiva e individual de la propia autenticidad).

El arte abstracto es la forma más accesible y noble de capturar la existencia personal, y en una forma similar a una impresión facsímil. Al mismo tiempo, es una realización directa de la libertad.

En Estados Unidos, el auge del arte abstracto comenzó ya a mediados de los años 40. Las primeras figuras notables en este momento, además del alumno de P. Mondrian, J. Pollock, fueron B. Diller, M. Tobey, B. W. Tomlin y A. Gorky. Entre aquellos cuyo trabajo influyó más tarde pintura europea, B. Newman, M. Rothko, F. Klin, R. Rauschenberg, W. Kuning, A. Reinhardt.

Uno de los primeros abstraccionistas franceses de la posguerra que aprendió las lecciones de la pintura estadounidense, P. Soulages. Que no es mejores trabajos que recuerda a las expresivas abstracciones de F. Klin. Las obras de G. Hartung están más cerca de la fuente original de la abstracción europea: Kandinsky. Entre artistas europeos quien llegó de forma independiente al abstraccionismo en años de posguerra, J. Fautrier, J. Mathieu, J.-P Riopelle, G. Capogrossi, M. Esteve, A. Lanskoy, S. Polyakov, R. Bissier y J. Bazin. J. Bazin y R. Bissier fueron especialmente influyentes en Francia en los años de la posguerra. El cuadro de N. de Stael ha sobrevivido a todos y sigue aumentando en precio y popularidad, fluctuando, como el cuadro de Bissières y en parte de Bazin, en delgada linea entre la abstracción total y un toque de figuratividad.

En 1950 apareció en París el primer taller, en el que los artistas J. Devagne y E. Pilet enseñaron a los jóvenes a deshacerse de la visión realista, crear un cuadro exclusivamente con medios pictóricos y no utilizar más de tres tonos en una composición, ya que “ el color determina la forma” (hay que esforzarse por encontrar el color exacto). A principios de los años 50, A. Matisse creó composiciones abstractas. Pintura abstracta de Devan Apoteosis de Marat(1951) fue recibido con gran entusiasmo. Los críticos escribieron que este no es sólo un retrato intelectual de una tribuna de fuego, sino, además, "una celebración del color puro, el juego dinámico de curvas y líneas rectas", "esto es una prueba de que la abstracción expresa no sólo valores espirituales, pero también el arte figurativo puede abordar acontecimientos históricos y políticos”.

A principios de los años 50, la “abstracción lírica” de J. Mathieu se hizo popular en Francia. Tiene una declaración que refleja nuevo enfoque al arte: “Las leyes de la semántica operan según el principio de inversión: dado que una cosa está dada, se le encuentra un signo; si se le da un signo, se afirma, si encuentra lo que está encarnado”. Es decir, primero se crea un signo y luego se encuentra su significado. EN arte clasico el significado busca encarnación (principalmente significado).

A principios de los años 50, aparecieron nuevos nombres en la galería Betty Parson de Nueva York, donde a finales de los años 40 se exhibieron por primera vez las obras de Hans Hofmann y J. Pollock: Barnett Newman y Robert Rauschenberg.

El estilo de la abstracción americana de los años 50 es diferente. geometría rectilínea: B. Diller, A. Reinhardt, W. Kuning, F. Klin, M. Rothko, B. Newman, R. Rauschenberg (excepto A. Gorki, en parte M. Tobey y A. Gottlieb). Este estilo está asociado con la escuela de Nueva York, que de repente está ganando fama internacional.

El arte siempre ha sido, en un grado u otro, un medio de autoexpresión. El individuo, que indirectamente se imprimió en las estructuras normativas de los Grandes Estilos, en los tiempos modernos crea tales estructuras para sí mismo.

Con la entrada en la abstracción, la persona creativa ganó libertad. Sin la corrección de otra persona, la línea, el color y la textura se convierten en la copia facsímil del autor. Teóricamente, nada impide la impresión de la personalidad en proyecciones plásticas, gráficas, pictóricas, en las que Cómo Y Jue o fusionarnos (“Mi dibujo es la encarnación directa y más pura de mis emociones”, dice Matisse. La aventura del siglo XX. París, 1998. pág. 511).

Por otro lado, la medida de alienación que permite la abstracción excede todo lo que existía antes. El diseñador pictórico del Suprematismo supone en sus capacidades una satisfacción de necesidades estéticas sin precedentes.

Como factor formador de estilo, la abstracción amplía infinitamente las posibilidades de encarnar dos esencias opuestas: lo único y lo universal. Textos y obras de arte de todos los tiempos indican que el autor, en un grado u otro, siempre habló de sí mismo, pero nunca de manera tan consciente, profunda y abierta como en el siglo XX.

En la suma de factores (la invención de la fotografía, teorías científicas y cuasi científicas del color y la luz, etc.) que determinaron el principal vector de cambios en el arte en los tiempos modernos: el movimiento del naturalismo a la abstracción, el primer lugar lo ocupa por la individualización de la creatividad: su transformación en una proyección directa de la personalidad.

Nace en América la proyección directa del temperamento de la pintura gestual. La victoria del nuevo arte en Estados Unidos puede parecer inesperada si recordamos la indignación de los estadounidenses que vieron por primera vez una gran exposición de la vanguardia europea en 1913. Durante la guerra y la posguerra, los estadounidenses pudieron ver que las inversiones en arte eran confiables y rentables. Cualquiera que con el tiempo se diera cuenta de la rentabilidad del arte contemporáneo tuvo la oportunidad de hacerse fabulosamente rico (Peggy Guggenheim, Betty Parson, etc.). Casi todos los clásicos de la vanguardia europea se encontraron en la posición de emigrantes durante la guerra en Estados Unidos. El más famoso de los artistas abstractos estadounidenses es Pollock, un alumno de Mondrian, y su éxito es el éxito de la Galería Betty Parson.

A principios de la década de 1960, el arte abstracto regresó de América a Europa en una forma actualizada. "Esto se convierte en un descubrimiento", escribe K. Millet, "para aquellos que aún no han desarrollado plenamente su credo artístico... En primer lugar, el arte abstracto (la mayoría de las veces estadounidense) se estudia a partir de reproducciones". “Devad señala con humor que, al tener acceso a la pintura estadounidense sólo a través de fotografías de la revista Artforum, eligió el formato para su obra. sello de correos, mientras que Vialla, por el contrario, pensando que Jackson Pollock utiliza un gran formato, ¡aumenta cada vez más el formato de sus obras! Sólo unos pocos, como Devade o Buren y Parmentier, pudieron ver la pintura americana con sus propios ojos" (Mille K. Arte contemporáneo de Francia.. Minsk, 1995, pág. 156).

Las primeras exposiciones de pintura americana en París se organizaron a principios de los años 60; la más representativa, “El arte de la realidad” (1968), inaugurada en el Grand Palais, estuvo dedicada íntegramente al arte abstracto americano. influencia americana en arte europeo cae durante la Guerra Fría. Durante estas décadas, la estructura democrática organizada horizontalmente se oponía estrictamente a la comunista organizada verticalmente. El arte abstracto antinormativo, en gran parte debido a su rechazo en la URSS, se convierte en un símbolo de la libre creatividad, que se opone a la figurativa normativa” realismo socialista" Durante la Guerra Fría, una estructura centralizada no necesariamente de izquierda o de derecha para el intelectual se asocia con la idea de reprimir al individuo. A nivel estatal, la encarnación de una estructura idealmente organizada son monstruos militares gigantes que se oponen entre sí y amenazan con la muerte de todos los seres vivos. Quizás aquí estén los orígenes subconscientes de las nuevas tendencias en el arte abstracto: una tendencia hacia la descomposición y la descentralización. Estos sentimientos se plasman en la pintura all-over americana, que elimina la composición del marco del cuadro, convirtiendo la pintura en un campo colorido o simplemente en una superficie pintada (Color Field, Hard Edge, Minimal Art).

Estado policéntrico espacio artístico presupone la existencia autónoma de un fuerte personalidad creativa, que a su vez es capaz de hacer valer su estilo individual, método, dirección (recordemos que en los años 50 todavía trabajaban los más grandes maestros del primer escalón de la vanguardia A. Matisse, A. Derain, J. Braque, P. Picasso, etc.).

En la segunda mitad de los años 50 apareció la primera escultura abstracta dotada de un “cerebro electrónico”, cisp yo Nicola Schöffer. Alexander Kalder, después de los “móviles” que tuvieron éxito, crea sus propios “establos”. Surge una de las direcciones separadas del abstraccionismo: el op art.

Al mismo tiempo, casi simultáneamente en Inglaterra y Estados Unidos, aparecieron los primeros collages, utilizando etiquetas de productos producidos en masa, fotografías, reproducciones y objetos similares del nuevo estilo pop art. En este contexto, el éxito del modesto expresionista Bernard Buffet parece inesperado. Su estilo (definición de formas, composición equilibrada) se correlaciona con fenómenos como Caída de Ícaro Picasso en el Palacio de la UNESCO, pinturas abstractas de F. Hundertwasser, el estilo monumental de K. Klapek, diseños monocromáticos de M.E. Viera da Silva.

Uno de los primeros intentos de análisis estructural del posclásico. creatividad artística pertenece a Umberto Eco. La pintura gestual de J. Pollock, según Eco, deja al espectador total libertad de interpretación. Comparando esta pintura con los “móviles”, juegos semánticos de poesía y composiciones musicales de finales de los años 50, Eco intenta identificar la estructura común de la “explosión libre”, en la que, según él, hay una “fusión de elementos similares a el que utiliza la poesía tradicional en su máxima expresión, cuando sonido y significado, el significado convencional de sonido y contenido emocional, se fusionan en uno. Esta aleación es lo que cultura occidental lo considera una característica del arte: un hecho estético”, escribe Eco (Eco U. La obra abierta. París, 1965. Cita. Por: L'Aventure de l'art au XX-e siecle. París, 1988. R. 597).

El arte de los años 60 es una explosión de innovación y el reconocimiento final por parte de los museos de diversos fenómenos no convencionales que aparecieron en los años 50.

La famosa escuela de pintura de Nueva York, que se convirtió en la máxima autoridad en su campo en los años 50, comenzó con una apelación a la abstracción por parte de sus fundadores: J. Pollock, M. Rothko, W. Kooning. Hasta la segunda mitad de los años 40, la pintura americana permaneció anodina. Su provincianismo y conservadurismo no contenían nada concreto, salvo cierta moderación, frialdad y ascetismo. Más tarde, este legado del puritanismo llegó al estilo del expresionismo abstracto.

Además de los mencionados, la pintura americana de los años 50 está representada por los nombres de B. Diller, A. Reinhardt, M. Tobey, B. W. Tomlin, K. Steele, F. Klin, A. Gottlieb, B. Newman, G. Hofmann, J. Albers, R. Crawford. Con una clara diferencia en direcciones y modales individuales, la pintura estadounidense de los años 50 demuestra claridad, certeza, falta de ambigüedad y confianza. A veces con cierta redundancia adquiriendo un carácter agresivo. Los artistas de esta generación saben lo que quieren, tienen confianza en sí mismos y afirman firmemente su derecho a la autoexpresión.

En la pintura de los años 60, lo que queda de este período es la forma estática menos agresiva: el minimalismo. El fundador de la abstracción geométrica estadounidense, Barnett Newman, y de forma aún más evidente, A. Lieberman, A. Held, K. Noland y, algo antes, B. Diller, desarrollaron con éxito las ideas del neoplasticismo y el suprematismo.

El nuevo movimiento de la pintura estadounidense, llamado abstracción “cromática” o “pospictórica”, surge en el horizonte del fauvismo y el postimpresionismo. El estilo duro, los contornos enfáticamente nítidos de las obras de E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella dan paso gradualmente a pinturas de carácter contemplativo y melancólico.

El estilo de Helen Frankenthaler y Maurice Louis se distingue por contornos suaves, matices de color sutiles y contornos vagos. La abstracción geométrica también pasa al registro de formas redondeadas (A. Liberman, A. Held).

La pintura americana de los años 70 vuelve a la figuratividad. Se cree que los años 70 son el momento de la verdad para la pintura americana, que se libera de la tradición europea que la alimentó y se convierte en puramente americano. Lo que está sucediendo se parece a esto, si consideramos que la abstracción es ajena al “espíritu nacional” estadounidense. Es significativo que la oposición al arte abstracto, que es esencialmente cosmopolita y pertenece a la civilización mundial, por regla general, surgió y proviene de ideologías colectivistas que reprimen al individuo.

Desde el punto de vista de la transformación en curso del estilo (del geométricoismo rígido al biomorfismo), los cambios que se están produciendo deben interpretarse, por el contrario, como un alejamiento de las virtudes puritanas fundamentales: ascetismo, determinación, firmeza, certeza.

Se cree que la pintura estadounidense de los años 70 es más "conmovedora" que "espiritual". “La pintura de los años setenta”, escribe Barbara Rose, “de hecho no sólo es más variada, más heterogénea y pluralista que la pintura de los años sesenta, sino que también es mucho más íntima, más poética y más personal. La pintura vuelve a estar llena de contenido único y subjetivo” (Rose B. La pintura americana del siglo XX.. París Zurich, 1992. P. 126).

En la pintura de los años 80 ven un “regreso a la estética” casi completo arte realista" Sin embargo, a pesar del retorno de las formas tradicionales, desde el retrato hasta el histórico y pintura de género, nada de lo que apareció en décadas anteriores desaparece. No es la abstracción lo que se ha superado, sino su canonización, las prohibiciones del arte figurativo, de los géneros “bajos”, de funciones sociales arte.

Al mismo tiempo, el estilo de la pintura abstracta y figurativa abstracta adquiere una suavidad previamente ausente: volúmenes estilizados, contornos borrosos, riqueza de medios tonos, matices de color sutiles (cf. obras de E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M Morley, L. Chese, A. Byalobroda). El estilo duro no desaparece por completo; pasa a un segundo plano y sigue existiendo en la obra de los geómetras y artistas expresionistas de la generación anterior (H. Buchwald, D. Ashbaugh, J. Gareth, etc.).

La pintura como medio de autoexpresión no es inferior a la música a la hora de encarnar lo “inexpresable” y, si es necesario, puede ser más específica que la palabra. Al poseer en su totalidad los medios del dibujo y las capacidades plásticas de la escultura, recrear la ilusión de un espacio real y fantástico, superando significativamente a la escultura en la capacidad de manipular volúmenes, la pintura tiene su propio medio único: el color.

Las posibilidades del color, reveladas por los impresionistas franceses, se ampliaron aún más con el surgimiento de la pintura en la abstracción. La opinión de que la pintura hoy es un anacronismo existe porque nuestro siglo es el siglo de la música, y también porque, cuando piensan en pintura, imaginan un lienzo imprimado, tensado sobre un bastidor, cubierto con una capa de pintura y barniz, una especie de museo. anexo. . Pero la pintura es un proceso, un mundo de posibilidades abiertas, momentos congelados, aparición de imágenes anheladas, aventura, confrontación, reflexión, liberación de redundancias, reposición de insuficiencias, acto de autoafirmación y proyección directa de la intuición. una demostración de dominio y la posibilidad de descubrimiento. Lo saben especialmente bien aquellos que tuvieron la suerte de aprovechar libremente esta oportunidad al entrar en el mundo de la pintura abstracta.

WASILY KANDINSKY. RETRATO DE LA ESPOSA DE NINA, WILLEM DE KUNING. ABSTRACCIÓN

Seuphor M. Diccionario de pintura abstracta. París, 1957
Poniente N. Pintura moderna. Tendencias contemporáneas. 19401960. Skira, 1960
Vallier D. L "arte abstracto. París, 1967
Arte 1998. Chicago en el muelle de la Marina. Chicago, 1998

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Arte abstracto (lat. abstracción– remoción, distracción) o arte no figurativo- una dirección de arte que abandonó la representación de formas cercanas a la realidad en la pintura y la escultura. Uno de los objetivos del arte abstracto es lograr la "armonización" mediante la representación de ciertas combinaciones de colores y formas geométricas, evocando en el espectador una sensación de integridad y plenitud de la composición. Figuras destacadas: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalya Goncharova y Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Historia

abstraccionismo(arte bajo el signo de “formas cero”, arte no objetivo) es una dirección artística que se formó en el arte de la primera mitad del siglo XX, abandonando por completo la reproducción de formas del mundo real visible. Se considera que los fundadores del arte abstracto son V. Kandinsky. , P. Mondrian Y K. Malevich.

V. Kandinsky creó su propio tipo de pintura abstracta, liberando las manchas impresionistas y "salvajes" de cualquier signo de objetividad. Piet Mondrian llegó a su no objetividad a través de la estilización geométrica de la naturaleza iniciada por Cézanne y los cubistas. Los movimientos modernistas del siglo XX, centrados en el abstraccionismo, se apartan por completo de los principios tradicionales, negando el realismo, pero al mismo tiempo permaneciendo dentro del marco del arte. La historia del arte experimentó una revolución con la llegada del arte abstracto. Pero esta revolución no surgió por casualidad, sino de forma bastante natural, ¡y fue predicha por Platón! En su última obra Filebo, escribió sobre la belleza de las líneas, las superficies y las formas espaciales en sí mismas, independientemente de cualquier imitación de objetos visibles, de cualquier mimesis. Este tipo de belleza geométrica, a diferencia de la belleza de las formas naturales "irregulares", según Platón, no es relativa, sino incondicional, absoluta.

Siglo XX y época moderna.

Después de la Primera Guerra Mundial, 1914-18, las tendencias del arte abstracto a menudo se manifestaron en obras individuales de representantes del dadaísmo y el surrealismo; Al mismo tiempo, existía el deseo de encontrar aplicaciones para las formas no figurativas en la arquitectura, las artes decorativas y el diseño (experimentos del grupo Style y la Bauhaus). Varios grupos de arte abstracto (" Arte concreto", 1930; "Círculo y cuadrado", 1930; “Abstracción y Creatividad”, 1931), que une a artistas de diversas nacionalidades y movimientos, surgió a principios de los años 30, principalmente en Francia. Sin embargo, el arte abstracto no se generalizó en ese momento, ni a mediados de los años 30. Los grupos se separaron. Durante la Segunda Guerra Mundial, de 1939 a 1945, surgió en los Estados Unidos una escuela del llamado expresionismo abstracto (pintores J. Pollock, M. Tobey etc.), que se desarrolló después de la guerra en muchos países (bajo el nombre de tachismo o “arte informe”) y proclamó como método el “automatismo mental puro” y la impulsividad subjetiva subconsciente de la creatividad, el culto a las combinaciones inesperadas de colores y texturas. .

En la segunda mitad de los años 50 surgieron en Estados Unidos las instalaciones y el arte pop, que un poco más tarde glorificaron a Andy Warhol con su interminable circulación de retratos de Marilyn Monroe y latas de comida para perros: el abstraccionismo collage. En las bellas artes de los años 60 se popularizó la forma de abstracción estática y menos agresiva: el minimalismo. Al mismo tiempo Barnett Newman, fundador del arte abstracto geométrico estadounidense junto con A. Liberman, A. Held Y K.Noland se comprometieron exitosamente mayor desarrollo ideas del neoplasticismo holandés y del suprematismo ruso.

Otro movimiento de la pintura estadounidense se llama abstraccionismo “cromático” o “pospictórico”. Sus representantes se inspiraron hasta cierto punto en el fauvismo y el postimpresionismo. Estilo rígido, contornos enfáticamente nítidos de la obra. E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella Poco a poco fue dando paso a pinturas de carácter contemplativo y melancólico. En los años 70 y 80, la pintura estadounidense volvió a la figuratividad. Además, se ha generalizado una manifestación tan extrema como el fotorrealismo. La mayoría de los historiadores del arte coinciden en que los años 70 son el momento de la verdad para arte americano, ya que durante este período finalmente se liberó de la influencia europea y pasó a ser puramente americana. Sin embargo, a pesar del retorno de las formas y géneros tradicionales, desde el retrato hasta pintura historica, el abstraccionismo tampoco ha desaparecido.

Las pinturas y obras de arte "no representativo" se crearon como antes, ya que el regreso al realismo en los Estados Unidos fue superado no por el abstraccionismo como tal, sino por su canonización, la prohibición del arte figurativo, que se identificaba principalmente con nuestro realismo socialista. , y por lo tanto no podía evitar ser considerado odioso en una sociedad "democrática libre", una prohibición de los géneros "bajos", de las funciones sociales del arte. Al mismo tiempo, el estilo de la pintura abstracta adquirió cierta suavidad de la que antes carecía: volúmenes estilizados, contornos borrosos, riqueza de medios tonos, sutiles combinaciones de colores ( E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. Morley, L. Chese, A. Bialobrod).

Todas estas tendencias sentaron las bases para el desarrollo del arte abstracto moderno. En la creatividad no puede haber nada congelado ni definitivo, ya que eso sería para ella la muerte. Pero no importa qué camino tome el abstraccionismo, no importa qué transformaciones sufra, su esencia siempre permanece sin cambios. Es que el abstraccionismo en las bellas artes es la forma más accesible y noble de capturar la existencia personal, y en la forma más adecuada, como una impresión facsímil. Al mismo tiempo, el abstraccionismo es una realización directa de la libertad.

Direcciones

En el abstraccionismo se pueden distinguir dos direcciones claras: la abstracción geométrica, basada principalmente en configuraciones claramente definidas (Malevich, Mondrian), y la abstracción lírica, en la que la composición se organiza a partir de formas que fluyen libremente (Kandinsky). También hay otros grandes movimientos independientes en el arte abstracto.

Cubismo

Un movimiento de vanguardia en las bellas artes que se originó a principios del siglo XX y se caracteriza por el uso de formas geométricas enfáticamente convencionales y el deseo de “dividir” objetos reales en primitivos estereométricos.

Regionalismo (rayismo)

Un movimiento de arte abstracto de la década de 1910, basado en el cambio de los espectros de luz y la transmisión de la luz. La idea del surgimiento de formas a partir de la “intersección de rayos reflejados de varios objetos” es característica, ya que lo que una persona realmente percibe no es el objeto en sí, sino “la suma de los rayos provenientes de una fuente de luz y reflejados desde el objeto."

Neoplasticismo

Designación del movimiento de arte abstracto que existió en 1917-1928. en Holanda y artistas unidos agrupados en torno a la revista “De Stijl” (“Estilo”). Son características las formas rectangulares claras en la arquitectura y la pintura abstracta en la disposición de grandes planos rectangulares, pintados en los colores primarios del espectro.

Orfismo

dirección a pintura francesa Década de 1910. Los artistas orfistas buscaron expresar la dinámica del movimiento y la musicalidad de los ritmos con la ayuda de "regularidades" de la interpenetración de los colores primarios del espectro y la intersección mutua de superficies curvas.

suprematismo

Un movimiento de arte de vanguardia fundado en la década de 1910. Malevich. Se expresó en combinaciones de planos multicolores de las formas geométricas más simples. La combinación de formas geométricas multicolores forma composiciones suprematistas asimétricas equilibradas impregnadas de movimiento interno.

tachismo

Movimiento del arte abstracto de Europa occidental de las décadas de 1950 y 1960, que se difundió más en los Estados Unidos. Se trata de pintar con manchas que no recrean imágenes de la realidad, sino que expresan la actividad inconsciente del artista. Trazos, líneas y manchas de tachismo se aplican al lienzo con rápidos movimientos de la mano sin un plan premeditado.

Expresionismo abstracto

El movimiento de los artistas que pintan rápidamente y sobre lienzos grandes, utilizando trazos no geométricos, pinceles grandes y, a veces, goteando pintura sobre el lienzo para revelar plenamente las emociones. El método de pintura expresivo aquí es a menudo tan importante como la pintura misma.

Abstraccionismo en el interior.

EN Últimamente El abstraccionismo comenzó a pasar de las pinturas de los artistas al acogedor interior de la casa, actualizándolo ventajosamente. Un estilo minimalista que utiliza formas claras, a veces bastante inusuales, hace que la habitación sea inusual e interesante. Pero es muy fácil exagerar con el color. Considere la combinación del color naranja en este estilo interior.

El blanco diluye mejor la rica naranja y, por así decirlo, la enfría. El color naranja hace que la habitación se sienta más cálida, un poco; no prevenir. Se debe hacer hincapié en los muebles o en su diseño, por ejemplo, una colcha naranja. En este caso, las paredes blancas ahogarán el brillo del color, pero dejarán la habitación colorida. En este caso, las pinturas de la misma escala servirán como una excelente adición; lo principal es no exagerar, de lo contrario habrá problemas para dormir.

La combinación de colores naranja y azul es perjudicial para cualquier habitación, a menos que se trate de una habitación infantil. Si elige tonos que no sean brillantes, armonizarán bien entre sí, agregarán humor y no tendrán un efecto perjudicial incluso en los niños hiperactivos.

El naranja combina bien con el verde, creando el efecto de un árbol de mandarina y un tinte chocolate. El marrón es un color que va del cálido al frío, por lo que idealmente normaliza la temperatura general de la habitación. Además, esta combinación de colores es adecuada para la cocina y el salón, donde es necesario crear una atmósfera sin sobrecargar el interior. Habiendo decorado las paredes en colores blanco y chocolate, puedes colocar con seguridad una silla naranja o colgarla. una imagen brillante con rico color mandarina. Mientras esté en una habitación así, tendrá buen humor y el deseo de hacer tantas cosas como sea posible.

Pinturas de artistas abstractos famosos.

Kandinsky fue uno de los pioneros del arte abstracto. Comenzó su búsqueda en el impresionismo y sólo entonces llegó al estilo del abstraccionismo. En su trabajo, explotó la relación entre color y forma para crear una experiencia estética que abarcaba tanto la visión como las emociones del espectador. Creía que la abstracción completa proporciona un espacio para una expresión profunda y trascendente, y copiar la realidad sólo interfiere con este proceso.

La pintura era profundamente espiritual para Kandinsky. Buscó transmitir la profundidad de las emociones humanas a través de un lenguaje visual universal de formas y colores abstractos que trascenderían las fronteras físicas y culturales. El vió abstraccionismo como un modo visual ideal que puede expresar la "necesidad interior" del artista y transmitir ideas y emociones humanas. Se consideraba un profeta cuya misión era compartir estos ideales con el mundo en beneficio de la sociedad.

Escondidos en colores brillantes y líneas negras claras se representan varios cosacos con lanzas, así como barcos, figuras y un castillo en la cima de una colina. Como muchas pinturas de esta época, imagina una batalla apocalíptica que conducirá a la paz eterna.

Para facilitar el desarrollo de un estilo de pintura no objetivo, como se describe en su obra Sobre lo espiritual en el arte (1912), Kandinsky reduce los objetos a símbolos pictográficos. Al eliminar la mayoría de las referencias a al mundo exterior, Kandinsky expresó su visión de una manera más universal, traduciendo la esencia espiritual del tema a través de todas estas formas a un lenguaje visual. Muchas de estas figuras simbólicas fueron repetidas y refinadas en su trabajos posteriores, volviéndose aún más abstracto.

Kazimir Malevich

Las ideas de Malevich sobre la forma y el significado en el arte de alguna manera conducen a una concentración en la teoría del estilo del arte abstracto. Malevich trabajó con diferentes estilos de pintura, pero se centró principalmente en el estudio de formas geométricas puras (cuadrados, triángulos, círculos) y su relación entre sí en el espacio pictórico. Gracias a sus contactos en Occidente, Malevich pudo transmitir sus ideas sobre la pintura a amigos artistas en Europa y Estados Unidos y, así, influir profundamente en la evolución del arte moderno.

"Cuadrado Negro" (1915)

Malevich mostró por primera vez el cuadro icónico "Cuadrado negro" en una exposición en Petrogrado en 1915. Esta obra encarna principios teóricos Suprematismo, desarrollado por Malevich en su ensayo “Del cubismo y el futurismo al suprematismo: nuevo realismo en la pintura”.

En el lienzo, frente al espectador, hay una forma abstracta en forma de un cuadrado negro dibujado sobre un fondo blanco: es el único elemento de la composición. Aunque la pintura parece simple, hay elementos como huellas dactilares y pinceladas visibles a través de las capas negras de pintura.

Para Malevich, el cuadrado significa sentimientos y el blanco significa vacío, la nada. Vio el cuadrado negro como una presencia divina, un icono, como si pudiera convertirse en una nueva imagen sagrada para el arte no figurativo. Incluso en la exposición, esta pintura se colocó en el lugar donde normalmente se coloca un icono en una casa rusa.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, uno de los fundadores del movimiento holandés De Stijl, es reconocido por la pureza de sus abstracciones y su práctica metódica. Simplificó radicalmente los elementos de sus pinturas para representar lo que veía no directamente, sino figurativamente, y crear un lenguaje estético claro y universal en sus lienzos. En su máxima expresión Pinturas famosas Desde la década de 1920, Mondrian ha reducido las formas a líneas y rectángulos, y la paleta a lo más simple. El uso del equilibrio asimétrico se volvió fundamental en el desarrollo del arte moderno, y sus icónicas obras abstractas siguen siendo influyentes en el diseño y son familiares en la cultura popular actual.

"El árbol gris" es un ejemplo de la transición temprana de Mondrian al estilo abstraccionismo. La madera tridimensional se reduce a las líneas y planos más simples, utilizando únicamente grises y negros.

Esta pintura forma parte de una serie de obras de Mondrian que fueron creadas con un enfoque más realista, donde, por ejemplo, los árboles están representados de forma naturalista. Mientras más trabajos tardíos se volvió cada vez más abstracto, por ejemplo, las líneas de un árbol disminuyen hasta que la forma del árbol se vuelve apenas perceptible y secundaria a la composición general de las líneas verticales y lineas horizontales. Aquí todavía se puede ver el interés de Mondrian por abandonar la organización estructurada de líneas. Este paso fue significativo para el desarrollo de la abstracción pura por parte de Mondrian.

Robert De Launay

Delaunay fue uno de los más primeros artistas estilo abstraccionismo. Su obra influyó en el desarrollo de esta dirección, basada en la tensión compositiva que provocaba la oposición de colores. Rápidamente cayó bajo la influencia colorista neoimpresionista y siguió muy de cerca la combinación de colores de las obras de estilo abstracto. Consideró que el color y la luz son las principales herramientas con las que se puede influir en la realidad del mundo.

En 1910, Delaunay hizo su propia contribución al cubismo en forma de dos series de pinturas que representaban catedrales y la Torre Eiffel, que combinaban formas cúbicas, movimiento dinámico y colores brillantes. Esta nueva forma de utilizar la armonía del color ayudó a separar este estilo del cubismo ortodoxo, recibiendo el nombre de orfismo, e influyó inmediatamente en los artistas europeos. La esposa de Delaunay, la artista Sonia Turk-Delone, continuó pintando con el mismo estilo.

La principal obra de Delaunay está dedicada a Torre Eiffel- el famoso símbolo de Francia. Esta es una de las más impresionantes de una serie de once pinturas dedicadas a la Torre Eiffel entre 1909 y 1911. Está pintada de rojo brillante, lo que la distingue inmediatamente del gris de la ciudad circundante. El impresionante tamaño del lienzo realza aún más la grandeza de este edificio. Como un fantasma, la torre se eleva sobre las casas circundantes, sacudiendo metafóricamente los cimientos mismos del antiguo orden. La pintura de Delaunay transmite este sentimiento de optimismo ilimitado, inocencia y frescura de una época que aún no ha sido testigo de dos guerras mundiales.

Frantisek Kupka

Frantisek Kupka es un artista checoslovaco que pinta al estilo abstraccionismo, se graduó en la Academia de las Artes de Praga. Como estudiante, pintó principalmente sobre temas patrióticos y escribió composiciones históricas. Sus primeros trabajos fueron más académicos, sin embargo, su estilo evolucionó con los años y finalmente pasó al arte abstracto. Escritas de una manera muy realista, incluso sus primeras obras contenían temas y símbolos místicos surrealistas, que continuaron al escribir abstracciones. Kupka creía que el artista y su obra participan en una actividad creativa continua, cuya naturaleza no es limitada, como absoluta.

“Amorfo. Fuga en dos colores" (1907-1908)

A partir de 1907-1908, Kupka comenzó a pintar una serie de retratos de una niña que sostenía una pelota en la mano, como si estuviera a punto de jugar o bailar con ella. Luego desarrolló imágenes cada vez más esquemáticas y finalmente recibió una serie de dibujos completamente abstractos. Fueron hechos en una paleta limitada de rojo, azul, negro y blanco. En 1912, en el Salón de Otoño, una de estas obras abstractas se exhibió públicamente por primera vez en París.

Artistas abstractos modernos

Desde principios del siglo XX, artistas como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Kazemir Malevich y Wassily Kandinsky han experimentado con las formas de los objetos y su percepción, y también han cuestionado los cánones existentes en el arte. Hemos preparado una selección de los artistas abstractos contemporáneos más famosos que decidieron traspasar los límites del conocimiento y crear su propia realidad.

artista alemán David Schnell(David Schnell) le encanta pasear por lugares donde una vez reinó la naturaleza, pero ahora están llenos de edificios humanos - desde parques infantiles a plantas y fábricas. Los recuerdos de estos paseos dan origen a sus brillantes paisajes abstractos. David Schnell da rienda suelta a su imaginación y a su memoria, más que a fotografías y vídeos, y crea pinturas que se asemejan a la realidad virtual informática o a ilustraciones de libros de ciencia ficción.

Al crear sus pinturas abstractas a gran escala, la artista estadounidense cristina panadero(Kristin Baker) se inspira en la historia del arte y las carreras de Nascar y Fórmula 1. Primero le da dimensión a su trabajo aplicando varias capas de pintura acrílica y cubriendo las siluetas con cinta adhesiva. Luego, Christine lo retira con cuidado, revelando las capas subyacentes de pintura y haciendo que la superficie de sus pinturas parezca un collage multicolor de varias capas. En la última etapa del trabajo, raspa todas las irregularidades, haciendo que sus pinturas parezcan una radiografía.

En sus obras la artista origen griego de Brooklyn, Nueva York Eleanna Anagnos(Eleanna Anagnos) explora aspectos La vida cotidiana que muchas veces escapan a la atención de la gente. Durante su “diálogo con el lienzo”, los conceptos ordinarios adquieren nuevos significados y facetas: el espacio negativo se vuelve positivo y las formas pequeñas aumentan de tamaño. Al tratar de dar “vida a sus pinturas” de esta manera, Eleanna intenta despertar la mente humana, que ha dejado de hacer preguntas y de estar abierta a algo nuevo.

Dando origen a brillantes salpicaduras y manchas de pintura sobre lienzo, el artista estadounidense Sara Spitler(Sarah Spitler) se esfuerza por reflejar el caos, el desastre, el desequilibrio y el desorden en su trabajo. Se siente atraída por estos conceptos porque están más allá del control humano. Por lo tanto, su poder destructivo hace que las obras abstractas de Sarah Spitler sean poderosas, enérgicas y emocionantes. Además. la imagen resultante sobre lienzo hecha de tinta, pinturas acrílicas, lápices de grafito y esmalte enfatiza lo efímero y relativo de lo que sucede a su alrededor.

Inspirándose en la arquitectura, el artista de Vancouver, Canadá, Jeff Dapner(Jeff Depner) crea pinturas abstractas de varias capas que consisten en formas geométricas. En el “caos” artístico que crea, Jeff busca la armonía en el color, la forma y la composición. Cada uno de los elementos de sus pinturas está conectado entre sí y conduce al siguiente: “Mis obras exploran estructura compositiva[pinturas] a través de las relaciones de colores en la paleta elegida...". Según el artista, sus pinturas son “signos abstractos” que deberían llevar al espectador a un nuevo nivel inconsciente.

¡Abstracción en el arte!

¡Abstraccionismo!

abstraccionismo- Esta es una tendencia en la pintura que se resalta con un estilo especial.

La pintura abstracta, el arte abstracto o el género abstracto, implica una negativa a representar cosas y formas reales.

El abstraccionismo tiene como objetivo evocar ciertas emociones y asociaciones en una persona. Para estos fines, las pinturas de estilo abstracto intentan expresar la armonía de colores, formas, líneas, manchas, etc. Todas las formas y combinaciones de colores que se ubican dentro del perímetro de la imagen tienen una idea, una expresión y un significado propios. No importa lo que le parezca al espectador, mirando una imagen donde no hay nada más que líneas y borrones, todo en la abstracción está sujeto a ciertas reglas de expresión, la llamada "composición abstracta".

¡Abstracción en el arte!

El abstraccionismo, como movimiento en la pintura, surgió a principios del siglo XX simultáneamente en varios países europeos.

Se cree que la pintura abstracta fue inventada y desarrollada por el gran artista ruso Wassily Kandinsky.

Los fundadores e inspiradores reconocidos del abstraccionismo son los artistas Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Frantisek Kupka y Robert Delaunay, quienes en sus trabajos teóricos dieron forma a enfoques para la definición del "abstraccionismo". Al diferir en metas y objetivos, su investigación estaba unida en una cosa: el abstraccionismo, como etapa más alta del desarrollo de la creatividad visual, crea formas inherentes únicamente al arte. El artista, “liberado” de copiar la realidad, piensa en imágenes pictóricas especiales del incomprensible principio espiritual del universo, las eternas “esencias espirituales”, las “fuerzas cósmicas”.

La pintura abstracta, que literalmente hizo estallar el mundo del arte, se convirtió en un símbolo del comienzo de una nueva era en la pintura. Esta era significa una transición completa de marcos y restricciones a una completa libertad de expresión. El artista ya no está atado a nada, puede pintar no sólo personas, escenas cotidianas y de género, sino también pensamientos, emociones, sensaciones y utilizar para ello cualquier forma de expresión.

Hoy en día, la abstracción en el arte es tan amplia y variada que ella misma se divide en muchos tipos, estilos y géneros. Cada artista o grupo de artistas intenta crear algo propio, algo especial que De la mejor manera posible podría alcanzar los sentimientos y sensaciones de una persona. Lograr esto sin utilizar figuras y objetos reconocibles es muy difícil. Por ello, los lienzos de artistas abstractos, que verdaderamente evocan sensaciones especiales y hacen maravillarse ante la belleza y expresividad de una composición abstracta, merecen un gran respeto, y el propio artista es considerado un auténtico genio de la pintura.

¡Pintura abstracta!

Desde la aparición del Arte Abstracto, en él han surgido dos líneas principales.

La primera es la abstracción geométrica o lógica, que crea espacio combinando formas geométricas, planos de colores, líneas rectas y quebradas. Está encarnado en el suprematismo de K. Malevich, el neoplasticismo de P. Mondrian, el orfismo de R. Delaunay, en la obra de los maestros de la abstracción pospictórica y el op art.

El segundo es la abstracción lírico-emocional, en la que las composiciones se organizan a partir de formas y ritmos que fluyen libremente, representados por la obra de V. Kandinsky, las obras de los maestros del expresionismo abstracto, el tachismo y el arte informal.

¡Pintura abstracta!

El arte abstracto, como pintura de especial expresión personal, en un principio por mucho tiempo estaba en el subsuelo. El arte abstracto, como muchos otros géneros en la historia de la pintura, fue ridiculizado e incluso condenado y censurado como arte sin significado alguno. Sin embargo, con el tiempo, la posición de la abstracción ha cambiado y ahora existe a la par con todas las demás formas de arte.

Como fenómeno artístico, el abstraccionismo tuvo una gran influencia en la formación y desarrollo del estilo arquitectónico moderno, el diseño y las artes industriales, aplicadas y decorativas.

Maestros reconocidos del Arte Abstracto: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka. Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Robber Delaunay, Mikhail Larionov, Lyubov Popova, Jackson Pollock, Josef Albers.

¡Abstraccionismo moderno en la pintura!

En las bellas artes modernas, el abstraccionismo se ha convertido en un lenguaje importante de profunda comunicación emocional entre el artista y el espectador.

EN arte abstracto moderno aparecen nuevos direcciones interesantes utilizando, por ejemplo, imágenes especiales de varias formas de color. Así, en las obras de Andrei Krasulin, Valery Orlov y Leonid Pelikh, el espacio blanco, la tensión más alta del color, generalmente está lleno de infinitas posibilidades variables, lo que permite el uso de ideas metafísicas sobre las leyes espirituales y ópticas de la luz. reflexión.

En el abstraccionismo moderno, el espacio comienza a desempeñar nuevos roles y forma diferentes cargas semánticas. Por ejemplo, hay espacios de signos y símbolos que surgen de lo más profundo de la conciencia arcaica.

En el abstraccionismo moderno, la dirección de la trama también se está desarrollando. En este caso, manteniendo la no objetividad, la imagen abstracta se construye de tal manera que evoca asociaciones específicas: niveles diferentes abstracción.

El abstraccionismo moderno es infinito en sus límites: desde la situación objetiva hasta el nivel filosófico de las categorías abstractas figurativas. Por otro lado, en la pintura abstracta moderna, la imagen puede parecer una imagen de algún tipo de mundo fantástico, por ejemplo, el surrealismo abstracto.

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Sucede que a menudo el espectador, al ver en el lienzo algo incomprensible, inexplicable y más allá de la lógica, declara audazmente: “Abstracción. Definitivamente". En cierto modo, por supuesto, tiene razón. El hecho es que esta dirección en el arte se ha alejado de la realidad existente de representar formas y da prioridad a la armonización del color, la forma y la composición en su conjunto. Los fundamentos del universo están más allá de la percepción habitual, son algo más profundo y filosófico. Lo que es digno de mención es que el número de fanáticos de la pintura abstracta crece cada año, y las pinturas escritas en este estilo ocupan las primeras posiciones en las principales listas. casas de subasta paz.

Primero trabajo abstracto el arte está en Museo Nacional Georgia y pertenece al pincel de Wassily Kandinsky. Es este artista quien es considerado el fundador del arte abstracto en la pintura.

Wassily Kandinsky “Pintar con un círculo”, óleo sobre lienzo, 100,0 × 150,0 cm,

Tiflis. Museo Nacional de Georgia

Los artistas abstractos más famosos y exitosos son Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich y Piet Mondrian. Cada uno de ellos es una figura legendaria del arte del siglo XX.

Wassily Kandinsky: pintor, artista gráfico y teórico de las bellas artes ruso, uno de los fundadores del arte abstracto.

Kazimir Malevich es un artista, teórico del arte y filósofo de vanguardia ruso y soviético. El fundador del suprematismo, uno de los más manifestaciones tempranas arte abstracto.

Piet Mondrian- artista holandés, uno de los fundadores de la pintura abstracta

Fue el abstraccionismo el que dio lugar al desarrollo de tendencias en el arte como el cubismo, el expresionismo, el op art y otros.
Por cierto, el cuadro más caro del mundo está pintado al estilo del expresionismo abstracto. Una pintura de gran tamaño del artista estadounidense Jackson Pollock "Número 5" se vendió en una subasta cerrada en Sotheby's por 140 millones de dólares.

Jackson Pollcock, No. 5, 1948, óleo sobre tablero de fibra, 243,8 × 121,9 cm, colección privada, Nueva York

Es interesante el sonido de un cuadro abstracto en un interior. Aporta rigor y concisión a la oficina, y en casa aportará energía y colores vivos. Este tipo de pintura encajará perfectamente en cualquier diseño de habitación; todo lo que necesitas hacer es elegirla sabiamente. esquema de colores, enfatizando estilo general. Quizás todavía haya un matiz: es mejor colocar el cuadro en una pared lisa de colores pastel.

Entre los jóvenes autores contemporáneos que trabajan en esta dirección, cabe destacar, y. En las pinturas de los artistas vemos notas de abstraccionismo lírico, donde la conexión entre las experiencias emocionales, los flujos suaves y las fantasías cromáticas del creador es muy orgánica.

Vladimir Ekhin “Summer Memories”, madera prensada, acrílico, óleo, 60 cm x 80 cm

Polina Orlova, “Mañana”, óleo sobre lienzo, acrílico, 60 cm x 50 cm, 2014

Danila Berezovsky “2”, óleo sobre lienzo, 55 cm x 45 cm, 2015

Ilya Petrusenko, “Puesta de sol”, óleo sobre lienzo, 40 cm x 50 cm, 2015

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El abstraccionismo es un movimiento artístico relativamente joven. El año de su nacimiento se reconoce oficialmente como 1910, cuando el artista Wassily Kandinsky expuso el primer lienzo en nueva tecnología, escrito en acuarela.

Los representantes del arte abstracto toman simples y formas complejas, líneas, planos y juego con el color. Lo que sale al final no tiene nada que ver con objetos reales. Este es un trabajo al que sólo es accesible el superconsciente a través del mundo sensorial del individuo.

Durante las décadas posteriores a la aparición de la primera obra de este estilo, el abstraccionismo sufrió varios cambios y se introdujo activamente en otros movimientos de vanguardia.

(Resumen de Carol Hein)

En el marco del arte abstracto, los artistas crearon numerosas pinturas, esculturas e instalaciones. Elementos individuales se han utilizado y se siguen implementando con éxito, incluso en los interiores de locales modernos.

Hoy en día, el movimiento abstracto en el arte se divide en abstracción geométrica y lírica. La dirección geométrica del abstraccionismo se caracteriza por líneas estrictas y claras y estados estables. La abstracción lírica se caracteriza por la forma libre y la demostración de la dinámica establecida por el maestro o artista.

Arte abstracto en pintura.

Fue con la pintura que el abstraccionismo inició su desarrollo. En lienzo y papel, se reveló al mundo a través del juego de colores y líneas, recreando algo que no tenía análogos en el mundo objetivo real.

(...y una abstracción más clara de Carol Hein)

Representantes destacados del arte abstracto son:

• Kandinski;
• Malevich;
• Mondrian.

Posteriormente tuvieron muchos seguidores, cada uno de los cuales hizo su propia contribución artística, utilizando nuevas técnicas para aplicar pintura y nuevos principios para crear una composición abstracta.

(Wassily Vasilyevich Kandinsky "Composición IV")

Los fundadores del movimiento, al crear sus obras maestras sobre lienzo, se basaron en nuevos conocimientos científicos y teorías filosóficas. Por ejemplo, Kandinsky, justificando sus propias creaciones artísticas, apeló a las obras teosóficas de Blavatsky. Mondrian fue un representante del neoplasticismo y lo utilizó activamente en sus obras. lineas limpias y colores. Sus pinturas fueron copiadas repetidamente por muchos representantes del campo de la pintura y el arte. Malevich fue un ferviente partidario de la teoría del suprematismo. El maestro dio primacía en el arte de pintar al color.

(Kazimir Malevich "Composición de figuras geométricas")

En general, el abstraccionismo en la pintura resultó ser una doble dirección para la gente corriente. Algunos consideraban que tales obras eran un callejón sin salida, mientras que otros admiraban sinceramente las ideas que los artistas pusieron en sus creaciones.

A pesar de la naturaleza caótica de líneas, formas y colores, las pinturas y obras de arte en el estilo del abstraccionismo crean una composición única que el público percibe de manera integral.

Movimientos artísticos arte abstracto.

Las obras de estilo abstracto son difíciles de clasificar claramente, ya que esta dirección tiene muchos seguidores, cada uno de los cuales contribuyó al desarrollo con su propia visión. En general, se puede dividir según el tipo de predominio de líneas o técnicas. Hoy hay:

• abstraccionismo del color. Dentro de estas obras, los artistas juegan con colores y matices, poniendo énfasis en sus obras en su percepción por parte de la mente del espectador;
• abstraccionismo geométrico. Esta tendencia tiene sus propias diferencias características estrictas. Son líneas y formas claras, la ilusión de profundidad y perspectivas lineales. Los representantes de esta dirección son suprematistas, neoplasticistas;
• abstraccionismo expresivo y tachismo. El énfasis en estas ramas no está en los colores, formas y líneas, sino en la técnica de aplicación de la pintura, a través de la cual se establecen dinámicas, se transmiten emociones y el inconsciente del artista trabaja sin ningún plan previo;
• abstraccionismo minimalista. Esta tendencia se acerca más a la vanguardia. Su esencia se reduce a la ausencia de referencias a asociaciones. Las líneas, formas y colores se utilizan de forma concisa y al mínimo.

El surgimiento del abstraccionismo como movimiento en el arte fue el resultado de los cambios que estaban en el aire a principios del siglo pasado, asociados con numerosos nuevos descubrimientos que comenzaron a hacer avanzar a la humanidad. Todo lo nuevo y aún incomprensible requería la misma explicación y solución, incluso a través del arte.