Tate Gallery je pojmenována po. Výběr reprodukcí obrazů z londýnské galerie
Budova muzea
Milý čtenáři, pravděpodobně vás ani nenapadne, že když pijete šálek čaje nebo kávy s kostkou cukru, dotýkáte se... historie vzniku galerie Tate! Ptáte se jak? A tady je návod, jak na to! Galerie je pojmenována po Henry Taitovi (1819–1899), jejím zakladateli. Není u nás zvykem ptát se (kromě „kompetentních úřadů“), kde ten či onen oligarcha vzal svůj obrovský kapitál a především onen tajemný „počáteční kapitál“. V Evropě je taková otázka možná, a co je nejdůležitější, odpověď na ni. Henry Tate, syn duchovního, vstoupil do obchodu s cukrem v 60. letech 19. století a založil velmi výnosný obchod s kostkami a balením. Podnikatel zbohatl a stal se filantropem: investoval do nemocnic, knihoven, vysokých škol a nakonec založil uměleckou galerii.
Interiér muzea
V sále muzea
Tate získal obrazy především z každoročních výstav Královské akademie umění. Zajímal se o díla současných umělců, průmyslník mnohé z nich osobně znal a finančně je podporoval. Nejen sbíral velká sbírka obrazy anglických mistrů, ale na své náklady pro něj postavil i budovu. Dá se říci, že Tate byl pro britské umění tím, čím byl Treťjakov pro ruské umění.
Tate Gallery - Stát národní muzeum v Londýně. Jedná se o největší světovou sbírku anglické malby, která se skládá ze tří velkých sekcí: anglické umění od roku 1550 do současnosti; sbírka děl Williama Turnera; umění 20. století. Obecný umělecký fond muzea byl rozdělen mezi několik „dceřiných“ galerií: Tate Britain, Clore Gallery a Tate Modern.
Galerie Tate Britain
Sbírka Tate Gallery se nemohla omezovat pouze na díla těch umělců, které sám podnikatel preferoval. Postupem času byla sbírka doplňována obrazy starých anglických mistrů.
V národním obraz XVI– Dominuje XVII století slavnostní portrét. Nejvíc brzká práce Tento žánr – John Betts „Muž s černým kloboukem“ (1545), uchovávaný v muzeu – nese otisk vlivu Hanse Holbeina mladšího a zároveň dává představu o anglickém umění Renesance.
Následující, 18. století zahrnuje díla velkých mistrů – Williama Hogartha, Joshuy Reynoldse, Thomase Gainsborougha, George Stubbse.
Umění 19. století je v galerii prezentováno ještě více. Kromě děl Prerafaelitů a Williama Turnera, o kterých bude řeč níže, jsou zde uložena díla Williama Blakea a Johna Constabla. Pozornost si zaslouží i krajiny jiných autorů.
Roky a desetiletí přinesly změny v distribuci scénických pokladů mezi Britská muzea. Řada impresionistických obrazů, které byly zpočátku v Tate Gallery, byly převedeny do Národní galerie v Londýně. Přesto má muzeum velmi působivou sbírku obrazů mistrů tohoto hnutí a také výtvory téměř každého, kdo stál u zrodu soudobé umění: Pierre Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec a další.
Galerie Tate Modern
Galerie Clore
Clore Gallery vystavuje nejúplnější sbírku děl jednoho z nejtalentovanějších a nejslavnějších britských umělců, Williama Turnera, odkázaných státu. Pozůstalost byla převedena v roce 1856, pět let po jeho smrti: asi 300 obrazů a 30 000 kreseb a skic, stejně jako Turnerovy sešity a díla považovaná za nedokončená, řada děl jiných autorů. Devět obrazů z této sbírky skončilo v Národní galerii v Londýně a dokládají odkaz velkého anglického mistra v kontextu světového umění. Stejný kus, který tvořil Tateovu pokladnici, je v současné době vystaven ve vyhrazené galerii Clore, otevřené v roce 1987.
Tate Modern
Tate Modern Gallery jako součást Tate Gallery je největší národní sbírkou světového současného umění, včetně angličtiny. Vznikl v roce 2000, jeho otevření bylo načasováno na oslavu příchodu třetího tisíciletí. Pro muzeum byla zrekonstruována monumentální budova bývalé elektrárny v centru Londýna na protějším břehu Temže od katedrály sv. Pavla. Při zachování exteriéru architekti kompletně změnili vnitřek budovy a přidali skleněnou a ocelovou střechu.
Expozice je umístěna ve čtyřech křídlech budovy. Tři jsou určeny pro hlavní směry umění 20. století: surrealismus, minimalismus, abstraktní umění a čtvrtý je pro úzce související kubismus a futurismus. Kolem jmenovaných hlavních trendů jsou seskupeny práce mnoha blízkých.
Galerie představuje významná díla Pabla Picassa a Henriho Matisse. Je domovem jedné z nejlepších sbírek surrealismu na světě, včetně obrazů Salvadora Dalího, Maxe Ernsta, Rene Magritte a Joan Miro, děl amerického abstraktního umění a pop artu.
Tate Gallery není jen muzejní sbírka, ale také centrum kulturní život. Zde můžete uspokojit všechny své umělecké zájmy. Bohatá a dobře organizovaná infrastruktura galerie poskytuje návštěvníkovi mnoho příležitostí ke studiu umění různé úrovně znalosti a zapojení do toho. Je to také skvělé místo k odpočinku, kde je příjemné sedět v kavárně po procházce výstavní síně, poslechněte si koncert děl skladatelů různé éry nebo si vyberte zábavu podle svého vkusu a věku.
Umění 17.–18. století
Johann Zoffany. paní Woodhullová. Kolem roku 1770
Britská škola. Dámy z rodiny Holmondeleyů. 1600–1610
Tento obraz neznámého anglického mistra 17. století je mimořádně zajímavý svým nápadem a v pravém slova smyslu jedinečný. Už jen proto, že ilustruje naprosto fantastický případ, který vypráví nápis vlevo dole: „Dvě dámy z rodiny v Holmondeley, narozené ve stejný den, vdané ve stejný den a porody ve stejný den.“
Když si představíme mentalitu středověkého Angličana, můžeme si být jisti, že ačkoliv se tato náhoda zdá nepravděpodobná, stala se a nebyla výplodem umělcovy fantazie. Zjevně jsou do jisté míry uměleckým ztělesněním obrazů dam, jejichž jména nejsou s jistotou známa. Dalo by se říci, že jde o slavnostní portrét sester s dětmi. Jako rodící matky jsou zobrazeny v posteli, jejich ratolesti zahalené do šarlatové látky. Umělec žil v Cheshire, nedaleko kterého je jmenované panství. Hrdinkami mohly být obyvatelky hradu Holmodel, který existuje dodnes.
Na první pohled se zdá, že ženy mají na sobě stejné šaty, jsou si velmi podobné, stejně jako jejich miminka. Ale právě zde se ukázala umělcova úžasná dovednost. Nejjemnější rozmanitost vnesl doslova do všech stejně důležitých detailů tohoto dvojitého (dokonce, dalo by se říci, čtyřnásobného) portrétu. Stojí za to porovnat krajky šatů, náhrdelníků atd. Těžkým úkolem bylo navíc zabránit tomu, aby divák (vzhledem k zjevné podobnosti postavení sester) nabyl dojmu větší či menší atraktivity jedné či druhé. Pravděpodobně teď nikdo nebude schopen dokázat, že jeden z těch dvou je krásnější.
Esteticky je malba nesmírně zajímavá: demonstruje úžasnou rozmanitost v rámci určité jednoty. Úplnou obdobou tohoto fenoménu v anglickém malířství je první vydaná sbírka národní panenské hudby „Parthenia“, vydaná ve stejné době, v roce 1611. Umělecká metoda je tu i tam založena na principu variace. Je snadné si představit další příklad této rozmanitosti obsažené v identitě: dvě dámy, sedící u dvou stejně podobných nástrojů, zahrají skladbu Gilis Farnaby „For Two Virginels“, v níž jsou si obě party rovny...
William Hogarth (1697–1764). Umělec a jeho mops. 1745
William Hogarth je skvělý anglický umělec, rytec a teoretik umění.
„Oficiální“ název díla není zcela přesný, správný je „Autoportrét umělce s jeho mopsem“. Tento obraz v obraze navazuje na barokní tradici takových autoportrétů. V popředí jsou objekty identifikující model jako výtvarníka (paleta) a literáta vzdělaný člověk(knihy, jejichž hřbety říkají „Shakespeare“, „Swift“, „Milton“). A to je pravda; později, v roce 1753, vyjde Hogarthovo vlastní pojednání „Analýza krásy“, ale jeho myšlenky se již odrážejí v tomto autoportrétu. Podívejme se blíže na paletu: ukazuje zakřivenou linii a je uvedeno vysvětlení: „Linie krásy a milosti.“ Tato myšlenka se stane hlavní v pojednání: „Linie krásy“ podle Hogarthova učení je linie ve tvaru S, která je hranicí dvou prostorů, které jsou navzájem nejharmoničtěji kombinovány. K tomu, abyste to nakreslili tím nejdokonalejším způsobem, je zapotřebí velké dovednosti. Když to Hogarth provedl, přirovnal se ke starořeckému umělci Apellesovi - zosobnění dokonalosti v umění malby, který nakreslil tak jemnou a dokonalou linii, že ji nikdo nemohl zopakovat. Ale pokud měl Apelles podle legendy rovnou čáru, pak Hogarth bral jako standard zakřivenou. V předmluvě k pojednání umělec připustil, že „ani jediný egyptský hieroglyf nezaměstnával mysl tak dlouho“ jako tento řádek. "Malíři a sochaři za mnou přišli, aby zjistili význam těchto slov, nebyli jimi o nic méně zmatení než kdokoli jiný, dokud nedostali vysvětlení."
Druhý důležitá postava Na obraze je autorův oblíbený pes – mops Trump. Podíváte-li se pozorně na oba vyobrazené, pak, jak se často stává, najdete v jejich vzhledu určité podobnosti. V tomto případě pes slouží jako ztělesnění bojovného charakteru majitele.
William Hogarth (1697–1764). Šest hlav Hogarthových služebníků. 1750–1755
William Hogarth měl negativní postoj ke stereotypním světským ceremoniálním portrétům, které jeho současníci vytvářeli v hojnosti. Obvykle psal svým příbuzným a blízkým lidem. Jednou z takových prací je skupinový portrét služebnictva. Je pozoruhodná nejen z estetického hlediska jako dílo velkého mistra, ale i z hlediska společenského – zprostředkovává lidská důstojnost lidé zaujímající nízké úrovně společenské hierarchie, ale zároveň disponující nepochybnou duchovní vznešeností.
Tento neobvyklý skupinový portrét původně visel v Hogarthově ateliéru. Mohli to vidět umělcovi patroni a zákazníci. Dílo posloužilo jako důkaz autorovy nepřekonatelné dovednosti zprostředkovat jednotlivé rysy modelu. Nebylo to na zakázku, malíř ho vytvořil pro své potěšení a možná pro své služebnictvo.
Obraz se skládá z několika nesouvisejících hlav. Jednoty kompozice dosáhl umělec pomocí jejich symetrického uspořádání a jednotného osvětlení ze zdroje umístěného mimo obraz, v levém horním rohu. Hogarthův nápad malovat portréty služebnictva mimo jejich každodenní práci se ukázal jako jedinečný. Postoj samotného mistra k nim je jasně viditelný - kompletní dispozice. Vybízí diváka, aby si představil umělcův klidný, spořádaný, umírněný život v jeho dobře udržovaném domě.
Studie díla zjistila, že jeho původní velikost byla větší a autor zamýšlel umístit sedm hlav. Ta poslední ale nebyla zpracována tak pečlivě jako ostatní, a pak umělce napadlo odříznout okraj, aby šest dokončených hlav vypadalo kompozičně uceleněji.
George Stubbs (1724–1806). Klisny a hříbata na pozadí krajiny s řekou. Kolem 1763-1768
George Stubbs je známý především tím, že byl jedním z prvních vynikajících anglických malířů, kteří se ve své práci věnovali koním. V 60. letech 18. století strávil Stubbs dva roky anatomickými studiemi těchto zvířat. Jeho četné náčrty byly vydány v roce 1766 jako samostatná kniha s názvem „Anatomie koní“. Umělec pracoval na každém svém plátně neobvykle dlouho, což bylo důsledkem jeho extrémní pečlivosti a naprostého pohlcení prací. Takový velký vědecký zájem by se v jistém smyslu mohl dokonce stát překážkou pro čistě realizaci umělecké úkoly, ale to se v případě Stubbse nestalo. Všechny jeho obrazy koní jsou neobvykle živé, krásné a energické.
Obraz dává divákovi opravdové potěšení ze své kompozice, designu a barevné palety. Vzdálený a široký horizont, velké rozlohy země a vody, vyvýšené místo, kde se pasou koně, absence jakýchkoli překážek pro ně - to vše vytváří náladu a pocit klidu a vůle, tak žádoucí v komunikaci s těmito zvířaty a tak. vzácné ve vztazích mezi lidmi.
Joshua Reynolds (1723–1792). Plukovník Acland a lord Sydney. Lukostřelci. 1769
Anglický malíř Joshua Reynolds byl prvním prezidentem Královské akademie umění.
Obraz je portrétem dvou anglických aristokratů – plukovníka Aclanda (vpravo) a lorda Sidneyho, irského politika a diplomata. Zde jsou ještě mladí, později se plukovník zúčastní války Spojených států amerických za nezávislost (na straně britské koruny), bude zraněn na nohách (? 777), přežije zajetí a vrátí se do své vlasti, kde bude zvolen poslancem. Zatím se ale neprojevil jako hrdina a Reynolds ho vykresluje jako obyčejného aristokrata, který spolu s lordem Sydney má zájem o lov – vždy považovaný za zábavu ve vysoké společnosti. Už se jim to podařilo: trofeje jim leží u nohou.
Reynolds představil scénu s mimořádnou živostí. Vzrušení lovců a jejich napětí jsou úžasně přenášeny. Mimochodem, to druhé je do značné míry vyjádřeno elasticky napnutými tětivami luků luků. V době, kdy byl obraz vytvořen, byl luk již zbraní minulých dob, lov byl prováděn se zbraněmi. Reynolds idealizoval moment a zasadil prostředí do romanticky pojímané renesance. Nasvědčuje tomu také skutečnost, že v postavě Aclanda je jasně patrný náznak jiného lovce, nebo spíše lovkyně - Diany - postavy z renesančního obrazu Tiziana „Smrt Actaeona“ (1562. národní galerie, Londýn).
Joshua Reynolds (1723–1792). Lady Bamfieldová. 1776–1777
Tento portrét si objednal mistr Charles Warwick Bamfield u příležitosti jeho sňatku s Catherine Mooreovou, lady Bamfieldovou. Obraz půvabné mladé ženy je vtipnou adaptací klasické sošky Venuše Medicejské (ze sbírky Medicejských), vždy považované za ztělesnění ženská krása. Reynoldsův obrat k estetickým ideálům starověku byl zcela organický: svého času, v roce 1749, odešel do Evropy, žil v Itálii, navštívil Florencii, kde v galerii Uffizi viděl mramorovou kopii ztracené antické sochy bohyně. Talent velkého portrétisty se velmi naplno projevil v této zručně vyzrálé práci. Podmanivý obraz Model je dán, jak je u Reynoldse zvykem, na pozadí přírody.
Je pozoruhodné, že současně s vytvořením tohoto portrétu další umělec, Johann Zoffany, namaloval dnes slavný slavný obraz"Tribuna Uffizi galerie“, zobrazující na něm umělecké poklady Galerie a tato socha. Dílo bylo v Anglii známé, protože bylo uchováváno ve Windsoru, v královském zámku.
Henry Robert Morland (1716–1797). Pokojská žehlení oděvů. 1765–1782
Henry Morland během svého života maloval idealizované obrazy sluhů, služebných a bardů. Všechny tyto obrazy, i tento, jsou provedeny takříkajíc ve stylu „imaginárního obrazu (imaginárních obrazů)“ – velmi sladkého, dojemného žánru malby z éry sentimentalismu. Vše v takových dílech je okouzlující, útulné, bezpečné, klidné a hřeje na duši. V určitých kruzích společnosti vždy byla a samozřejmě bude poptávka po tomto druhu práce. Řada mistrů, mezi nimi Morland, učinila tento styl praporem své práce. Jako každé umělecké hnutí má svá vlastní svítidla. Uznávaným mistrovským dílem je drážďanská „Čokoládka“ od J. E. Lyotarda. Taková malba má obdoby v hudbě (Carl Philipp Emmanuel Bach - jeden z nejstarších synů J. S. Bacha), literatuře (raný J. V. Goethe), architektuře (městské „rodinné“ domy po celé Evropě). Poptávka po takových obrazech byla tak velká, že stejný děj byl malíři replikován mnohokrát. Zdá se, že tento obraz mladé služebné zaneprázdněné žehlením existuje v pěti verzích, namalovaných v časovém úseku uvedeném v datu vzniku díla.
John Singleton Copley, americký a anglický umělec, představitel klasicismu, portrétu a historické malby, se narodil v Bostonu. Jeho nevlastní otec byl mistrem kartáčů a později pomáhal svému nevlastnímu synovi. V roce 1774, v předvečer americké revoluční války, Copley opustil Ameriku a usadil se v Londýně. Tady se otočil historický žánr. Mistr byl členem Královské akademie umění.
Snímek je známý také pod svým druhým názvem – „Jersey Assault“. Abyste pochopili bitevní malbu, musíte znát politickou a vojenskou rovnováhu sil, kdo bojoval as kým. Storming of Jersey byl pokus Francie napadnout ostrov a odstranit hrozbu, kterou představovala pro americkou lodní dopravu během války za nezávislost. Jersey byl používán Brity jako vojenská základna a Francie, věčný nepřítel Anglie, vstoupila do války jako spojenec Spojených států a chtěla nad nimi získat kontrolu.
Francouzi se vylodili v Jersey 5. ledna 1781. Guvernér se vzdal ostrova po pádu jeho hlavního města St. Helier, ale čtyřiadvacetiletý major Francis Pearson, velitel posádky, odmítl kapitulaci a vedl úspěšný protiútok. Ve skutečnosti byl major zabit krátce před bitvou, ale Copley ho zobrazuje, jak umírá pod britskou vlajkou v okamžiku vítězství. Pearsonův černý sluha střílí a pomstí smrt svého pána.
Francis Pearson se stal národním hrdinou ve Velké Británii a obraz přilákal davy, když byl poprvé vystaven. To je reprodukováno na deset Jersey librové bankovky.
Jindřich Fusli (1741–1825). Pastýřův sen ze ztraceného ráje. 1793
Henry Fusli je švýcarský a anglický umělec, grafik, historik a teoretik umění. Sloužil jako pastor, poté studoval malířství v Berlíně, od roku 1764 působil v Anglii, přátelil se s Williamem Blakem. Mistrovo dílo je jedním z prvních příkladů romantismu v Anglii.
Básně Johna Miltona Ztracené nebe“ a „Paradise Found“ přitahovaly pozornost Fusliho v jeho mládí, když žil ve Švýcarsku. Obracelo se na ně mnoho romantických umělců, kteří chtěli jednotlivé epizody ilustrovat. Tento obrázek zobrazuje řádky z 1. knihy básně, které vyprávějí o pohádkových skřítcích:
Malí skřítci o půlnoci
Na březích potoků a v lesích
Tančí na okrajích; pozdní chodec
Vidí je ve skutečnosti, nebo možná v deliriu,
Když nad ním měsíc kraluje, směrem k zemi
Snižují svůj bledý let, dovádějí,
Předení (...)
Místo zobrazení tančících skřítků, jak se to obvykle dělalo, si autor představuje, jak se drží za ruce a krouží nad spícím pastýřem, který to vidí ve svých fantaziích. Füsli mobilizuje veškerou svou fantazii, aby vytvořil nadpřirozená stvoření, která obývají obraz. Jsou zajímavé na pohled.
Dílo bylo napsáno pro velkou galerii obrázků Miltonovy básně vytvořené umělcem.
Philip James de Lauterburg (1740–1812). Vize bílého koně. 1798
Philip James de Lauterburg (známý jako Philippe-Jacques, také Philip Jacob mladší) je anglický umělec francouzského původu. Studoval ve Štrasburku, rodiče ho připravovali na luteránského kněze, ale mladík trval na tom, že bude umělcem, za tím účelem odjel do Paříže a tam se brzy proslavil. V roce 1771 se mistr přestěhoval do Londýna a přijal pozvání od herce Davida Garika, aby pracoval jako scénograf pro nejstarší londýnské divadlo Drury Lane. V této oblasti dosáhl vynikajících úspěchů.
Poslední desetiletí 18. století (období Velké francouzská revoluce, následné války a očekávání nového tisíciletí blížícího se poměrně brzy) daly podnět k další interpretaci apokalyptického tématu. Umělci začali vytvářet scény smrti světa, Poslední soud, konec lidstva. Lauterburgův obraz ukazuje první dva ze čtyř jezdců Apokalypsy – „Dobyvatele“ („Podíval jsem se, a hle, bílý kůň a jezdec na něm měl luk, byla mu dána koruna; a on vyšel zvítězit a zvítězit.“ - Zjevení , 6:2) a „Válka“ („A vyšel jiný kůň, červený; a tomu, kdo na něm seděl, byla dána moc, aby vzal ze země mír, a to měli by se zabíjet jeden druhého a byl mu dán velký meč.“ - Zj 6:4). Při interpretaci této zápletky se autor jasně opíral o slavnou Durerovu rytinu „Čtyři jezdci z Apokalypsy“ z jeho série „Apokalypsa“.
William Blake (1757–1827). Nabuchodonozor. 1795–1805
Anglický umělec, básník, mystik, vizionář William Blake studoval v Londýně na Royal Academy of Arts. Jeho formování bylo ovlivněno trendy národního romantismu. Pocházel z velmi věřící rodiny, od raného dětství pěstoval úctu k Bibli, jejíž obrazy ho ovládaly po celý život, a vytvořil k ní velké množství ilustrací, které byly velmi originální nápadem, kompozicí i technikou. Blakeův svět je zalidněný fantastické postavy, prezentované ve výjimečných obrazech a jevech v kontextu umění přelomu 18. a 19. století. Blake nemá ve své době obdoby. Ve skutečnosti se jen některé výtvory surrealistů mohou srovnávat s buřičstvím jeho představivosti. V Tate Gallery se nachází 175 umělcových děl.
Blakeovu obrázku můžete porozumět, pokud znáte příběh o Nabuchodonozorovi v biblické Knize Daniel (4:26–30): „Na konci dvanácti měsíců, když procházel královskými paláci v Babylóně, král řekl: „Není to majestátní Babylón, který jsem postavil jako dům?“ království silou své síly a ke slávě mé velikosti!“ Zatímco tato řeč byla v ústech krále, z nebe se ozval hlas: „Říkají ty, králi Nabuchodonozore, království od tebe odešlo!" A oddělí vás od lidí a váš příbytek bude s polní zvěří; Budou tě krmit trávou jako vůl a sedmkrát tě přejdou, dokud nepoznáš, že Nejvyšší vládne nad královstvím člověka a dává ho, komu chce! vyobcován z lidí, jedl trávu jako vůl a jeho tělo bylo zaléváno nebeskou rosou, takže jeho vlasy rostly jako lvu a jeho drápy jako ptačí."
Po sedmi letech zvedl oči k nebi, chválil Všemohoucího a okamžitě se vrátil do svého dřívějšího lidského stavu.
umění 19. století
Albert Moore. Květ. 1881
John Constable (1776–1837). Scéna na splavné řece. 1816–1817
Tento obraz anglického krajináře Johna Constabla je známý pod svým druhým názvem – „Fletford Mill“. Mlýn se nacházel v samém centru kraje, kde velké množství se pěstovala kukuřice, která mimochodem za války s Francií, kdy Anglie kvůli blokádě Napoleonem mohla počítat jen s vlastními zdroji potravin, byla ziskové podnikání. Umělcův otec byl úspěšný a tento živitel rodiny, stojící na břehu řeky Stour, v malé vesničce East Berghoult, kde se malíř narodil, se na jeho obrazech objevuje nejednou. V mládí Constable hodně cestoval po okolí a dělal náčrty a náčrty. Podle samotného autora z něj tyto skici „udělaly umělce, za což je velmi vděčný“.
Velká kláda v levém dolním rohu obrázku je samozřejmě jednou z podpěr mlýna, což vysvětluje animaci obyvatel na břehu. Člun se oddělí od koně, protože nyní musí vyrazit.
Constable v jednom ze svých dopisů přiznává, že své bezstarostné dospívání spojuje především s řekou Stour, protože právě díky ní se stal mistrem. V této krajině je tato dětská asociace vyjádřena výtvarnými prostředky. V obraze vládne vzácný klid, téměř arkádský klid existence, přístupný každému.
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Loch Buttermere, s výhledem na Cromacwater v Cumberland. Sprcha. 1798
Joseph Mallord William Turner je nepřekonatelný mistr romantické krajiny, v podstatě impresionista v duchu své malby. V roce 1871 Claude Monet a Camille Pissarro, kteří viděli jeho díla v Londýně, nemohli uvěřit, že britský umělec, několik desetiletí před pařížskými impresionisty, dokázal předvídat jejich stylistické rešerše. Tate Gallery má největší sbírku Turnerových děl se 4 187 kresbami, skicami a skicami.
Inspirací pro malbu byla báseň „Jaro“ od skotského básníka Jamese Thomsona:
Svažující se k západu se objevuje slunce
Tak brilantní - a rychlé vyzařování
Naráží přímo do hor – a ze žlutého oparu
Startuje, řítí se do nekonečna
Vzduchový oblouk, kvetoucí barvy.
Anglické malířství a literatura XVIII století poskytují mnoho důvodů pro srovnávání obrázků v nich oslavovaných. Britští filozofové vytvořili nový, originální koncept „vznešeného“: je heterogenní. V krajině lze rozlišit dva typy: první se běžně nazývá „děsivě vznešený“, spojený s bouřemi a katastrofami, druhý – „přirozený vznešený“ – je určen pro klidnější přírodní stavy. Turner zde změnil některé detaily a v podstatě pozměnil poetický obraz, u Thomsona je příkladem prvního, zatímco u malíře je velmi dramatický. Autor rád zobrazoval přírodu posedlou živly. na jeho přípravný výkres, pořízený během cesty na sever Anglie o rok dříve, zní: "Černý." Turner bude své obrazy i nadále zásobovat scénickými režiemi, jejichž smyslem je vzbudit v divákovi úžas a strach z velikosti a sil přírody.
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Blizzard Hannibal a jeho armáda překračující Alpy. 1812
Obraz pochází z počátku Turnerovy kariéry, je jedním z nejodvážnějších a nejodvážnějších významná díla mladý malíř. Děj je založen na příběhu starořímského historika Tita Livyho o bitvě kartáginského Hannibala s místními kmeny při přechodu přes Alpy do Itálie v roce 218 před naším letopočtem. E. Turner si jako dějiště akce zvolil údolí Aosta, které navštívil během své cesty v roce 1802. Bitva zobrazená z určitého vysokého bodu se rozprostírá po celém prostoru plátna, zasáhne ji neuvěřitelná bouře. v dálce je na obzoru vidět jeden z legendárních slonů Hannibalovy armády. Malíř je mistrem v zobrazování akcí ve velkém měřítku. Nejistota způsobená rozmazaným obrysem vytváří neobvykle vznešený obraz.
První představení obrazu na Královské akademii umění v Londýně bylo doprovázeno vydáním Turnerovy básně „The Deception of Hope“. Obsahuje tyto řádky:
<…>vypadá vůdce
S nadějí na slábnoucí západ slunce,
Kde je okraj italských větrů
Řez na okraji roku.
Co je čeká, krví nasáklé skály
A sesuvy půdy za kamennou pouští?
Představil si: bohaté pláně Kampánie.
Vítr zavyl: Capua pokušení jsou jed!
„Odpověď“ větru odkazuje na Liviin popis následného pádu Hannibalovy armády kvůli tomu, že bohatý život na italské náhorní plošině podkopal morální a fyzická síla válečníci
Obraz dává další narážku - na Napoleona Bonaparta: dva roky před vytvořením plátna viděl Turner dílo Jacques-Louis David„Napoleon v průsmyku Saint Bernard“, ve kterém je první konzul zastoupen jako novodobý Hannibal. Turnerovo dílo tedy odkazuje k Napoleonově invazi do tyrolských Alp, bylo napsáno v době vrcholící války s Francií. Spolu s poetickým varováním lze vyobrazenou sněhovou bouři vnímat jako symbol a předzvěst krachu ambicí Kartága i napoleonské Francie.
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Bay Bay s Apollónem a Sibylou. 1823
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Bay Bay s Apollónem a Sibylou. 1823 (fragment)
Turner ukázal tento obraz na Royal Academy of Arts v Londýně ve stejném roce, kdy jej dokončil. Mezitím se na něm pracovalo zřejmě již dříve a plátno se stalo jakýmsi výsledkem autorovy první cesty do Itálie na podzim roku 1819. Poté navštívil Benátky, Neapol, Florencii a Řím, kde pod patronát Canova, byl zvolen čestným členem Akademie sv. Lukáše.
Turner byl uchvácen pohledy na Itálii. Svědčí o tom nejen obraz samotný, ale i latinské motto, které je na něm vepsáno z Horácovy ódy „Na Calliope“: „Seu liquidae placuere Baiae“ („neboli Baia mě přitahuje moře“).
Přestože je zde podle názvu díla a vyjádření historiků umění vyobrazena právě Bay of Bay, je zcela zřejmé, že obraz představuje romantickou idealizovanou krajinu a připomíná obdobné krajiny C. Lorraina. Známý vtipný příběh: Turnerův mladší současník, umělec George Jones, mluvil o obraze s cestovatelem, který nedávno navštívil břehy Bay Bay. Uvedl, že „polovina scény byla jednoduše fiktivní“. Pak rozhořčený kolega napsal na rám: „Splendide mendax“ (z latiny - „brilantní lež“). Turner se bavil a na dlouhou dobu Tento nápis jsem nesmazal.
Na tomto plátně se zátoka Bay stala dějištěm příběhu o Apollónovi a kumské Sibyle. Děj se vrací k Ovidiovým Metamorfózám. Vypráví příběh o tom, jak se Apollo zamiloval do Sibyly z Cumae v severní Itálii. Bůh ji svedl a slíbil, že jeho objetí prodlouží její život na tolik let, kolik je zrnek prachu obsažených v hrsti prachu. A přestože ho odmítla, Apollo dodržel slovo a obdařil ji dlouhověkostí, ale nedal věčné mládí. Byla tak odsouzena existovat po staletí v podobě zchátralé stařeny. Sibyla, mladá žena, je zobrazena sedící před Apollónem. Její sevřené ruce jsou plné prachu. Bůh sedí před ní na kameni, jednu ruku má na lyře. Tato zápletka je poměrně pozdní, poprvé se objevila v 17. století.
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Bouře na moři. Kolem roku 1840
Ačkoli Turner byl jistě obyvatelem města, vždy ho to přitahovalo mořský prvek. Od počátku 30. let 19. století neustále navštěvoval Margate, pobřežní město v Kentu. Zde umělec vytvořil mnoho náčrtů pohledů na moře v různých okamžicích: klid, vlny, bouře, během dne, při západu slunce...
Na autorových obrazech ohromuje a těší jak samotný nápad, tak zručnost jeho realizace. Pokud jde o myšlenku, divák v jeho krajinách, zejména mořských, vždy „slyší“ jistý romantický motiv, který jako by se řinul ze samých hlubin a skrytých zákoutí. lidská duše. Zdá se, že Turnerova krajina doslova něco říká, inspiruje... Zaujme diváka, udělá z něj spolupachatele, vyslyší volání přírody.
Malířovu vášeň pro krajiny zobrazující bouřlivé počasí vysvětluje zájem o téma vznešenosti. Znovu a znovu připomíná sílu přírody, moře zobrazuje jako krásný a zároveň děsivý prvek. Pro Turnera byl oceán pozadím, na kterém se odehrávala akce a odehrávalo se drama. To je zvláště patrné, když se do obrazu skutečně vnese lidský faktor, například v podobě ztroskotání. Ale i na tomto plátně, kde jsou přenášeny pouze prvky, je možnost takové katastrofy cítit.
Pomocí téměř monochromatické škály tmavých tónů mistr zobrazuje hustou záclonu bouřkových mraků. Zdá se, že zde používá stejnou metodu, jakou použil při vytváření podobných kreseb na papíře: kreslí hřebeny bouřkových vln a konečky prstů odstraňuje malé množství barvy, aby křivky vln jasněji vyjádřil.
Konec prvního dílu
GPS souřadnice: 51° 29" 27" N, 0° 07" 38" W
Adresa: Millbank, Londýn SW1P 4RG
Národní Muzeum umění, obsahující nejvýznamnější světovou sbírku anglického umění 16. až 20. století. Hlavní tělo se nazývá Tate Britain a nachází se na severním břehu Temže jižně od, poblíž Vauxhall Bridge. Součástí muzea je i další galerie současného umění. Tate Modern, který se nachází na jižním břehu Temže naproti.
Galerii založil anglický cukrovarnický magnát Henry Tate na základě vlastní sbírky anglických umělců a otevřel ji 21. července 1897 v budově navržené Sidney Smithem. Zahrnovalo také muzejní obrazy z South Kensington, Vernonovu sbírku a několik obrazů George Fredericka Wattse, které poskytl sám umělec.
Postupem času byla budova opakovaně dostavována a byly otevřeny nové místnosti pro nově získaná díla. V roce 1917 začala vznikat expozice současných zahraničních autorů. V roce 1988 byla otevřena pobočka v Liverpoolu. A v roce 2000 byla v budově bývalé elektrárny na břehu Temže otevřena galerie Tate Modern, která ukrývala díla 20. století. Poté byla stará galerie přejmenována na Tate Britain.
V Galerie Tate Britain jsou prezentována díla autorů Anglická škola za celou dobu své existence, počínaje Johnem Bettsem ("Portrét muže v černé čepici" - 1545) a Hansem Holbeinem mladším. Dobře zastoupeni jsou autoři jako William Hogarth, Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough, William Blake, John Constable a také nejúplnější sbírka Josepha Mallorda Williama Turnera v samostatné galerii Clore.
Nejvýznamnější sbírka obrazů romantiků viktoriánské éry, zejména Prerafaelského bratrstva: John Everett Millais (Ophelia - 1850), Dante Gabriel Rossetti (Zvěstování - 1850, Beata Beatrix - 1864), William Holman Hunt ( „Claudio a Isabella“ – 1850). Z zahraničních autorů představili: Claude Monet, Vincent Van Gogh, Camille Pissarro, Paul Cezanne a další, dále sochy Augusta Renoira, Aristida Maillola.
Pokud jde o galerie současného umění Tate Modern, dále obsahuje jednu z nejlepších sbírek surrealismu na světě: Salvador Dalí, Max Ernst, Rene Magritte, Joan Miro. Významná sbírka amerického abstraktního expresionismu: Paul Jackson Pollock, Mark Rothko (Rothkova místnost s devíti nástěnnými malbami Seagram). Současné anglické malířství je zastoupeno díly Stanleyho Spencera, Bena Nicholsona, Paula Nashe, Francise Bacona, Andyho Warhola aj. Široké zastoupení mají i ruští umělci: Naum Gabo, Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich.
Obsah článku
GALERIE TATE(Tate Gallery) je státní národní muzeum v Londýně, které uchovává přes šedesát tisíc uměleckých děl: obrazy, sochy, kresby, rytiny. Rozděleno na dvě části: Britská galerie Tate Britain neboli stará galerie Tate, což je sbírka anglické malby 16. až 19. století. A zahraniční umění 19. století, a Tate Modern Gallery - European and americké umění od roku 1900 do současnosti.
Základem sbírky Tate Gallery je soukromá sbírka obrazů sira Henryho Tatea (1819–1899) anglických umělců. Galerie byla otevřena 21. července 1897.
Za druhé světové války byla budova galerie těžce poškozena v důsledku náletů. Sbírka byla předem evakuována. Muzeum se návštěvníkům plně otevřelo v roce 1949.
Galerie byla několikrát dokončena. V roce 1926 byla v nové budově umístěna sbírka zahraničních obrazů. V roce 1979 byly otevřeny místnosti pro sbírku současného umění. V roce 1987 - otevření Clore Gallery, speciálně postavené pro díla Turnera (1775–1851), který odkázal své obrazy Anglii pod podmínkou, že budou všechny zachovány jako jediná výstava. Sir Charles Clore (1904–1979) poskytl finanční prostředky na stavbu galerie.
Moderní Tate Gallery byla otevřena v květnu 2000. Budova byla přeměněna z elektrárny postavené ve 30. letech 20. století v centru města naproti katedrále sv. Jana. Pavel. Při zachování exteriéru elektrárny architekti kompletně předělali vnitřek budovy a přidali skleněnou a ocelovou střechu.
Moderní Tate Gallery ustoupila od tradičního umístění děl v časová posloupnost. Sbírka se skládá ze čtyř velkých částí: „Zátiší, objekt, reálný život“, „Krajina a životní prostředí», « Malování historie", "Akt, akce, tělo." Autoři výstavy kombinují různé směry: díla starých mistrů s moderními, malířství a sochařství s fotografiemi a videi. Galerie hostí mnoho dočasných výstav současných umělců.
MUZEJNÍ SBÍRKA
Anglická malba.
V sálech staré Tate Gallery si můžete udělat úplný obrázek o tom, co je anglická malba, jaké jsou hlavní fáze a směry umělecký život v zemi.
Nejranější práce národní školy je Portrét muže v černém klobouku(1545) John Betts († 1576), následovník umělce Severní renesance Hans Holbein mladší (asi 1498–1543).
William Hogarth (1697–1764): Žebrácká opera (1729), Autoportrét se psem (1745), Svatební ples(kolem roku 1745), Portrét sluhů(1750), Ach ten rostbíf staré Anglie(Brána Calais) (1748), četné portréty.
Joshua Reynolds (1723–1792): Tři Grácie zdobí herma Hymenu (1774), Portrét admirála Keppela (1780), Portrét Dr. Samuela Johnsona(1772), dva autoportréty, dětské portréty.
Thomas Gainsborough (1727–1788): Pohled na Dedham(kolem roku 1760), Západ slunce. Koně tažené ve vozíku, pitná voda z potoka(kolem roku 1760), Sir Benjamin Truman (1774), Umělcova dcera Mary (1777), Giovanna Baccelli (1782).
Richard Wilson (1713–1782): Temže poblíž Twickennm (1762).
George Stubbs (1724–1806): Koně v přírodě (1762–1768), Sklizeň sena (1785), Ženci (1785).
Práce Williama Blakea (1757–1827), který ilustroval akvarelem a rytinami, je plně zobrazena vlastní kompozice, stejně jako Shakespeare, Dante, Bible: Bůh stvořil Adama, Newton, Smrt Abela, Dobří a zlí andělé, Škoda (1795–1804).
Joseph Mallord William Turner (1775–1851): Rybáři na moři (1796), Temže Waltonský most(kolem roku 1807), Vrak(kolem roku 1805), Mrazivé ráno. Svítání (1813), Přechod přes potok (1815), Pohřeb na moři(1842). Plátna s výhledem na Benátky: Most vzdechů, Dóžecí palác a Celnice, Benátky: Canaletto u stojanu(1833) atd. Impresionistické krajiny umělce: Interiér v Petworth(kolem roku 1837), Hrad Norham. svítání(kolem roku 1840). Vánice. Parník u vjezdu do přístavu dává nouzový signál poté, co se dostal do mělké vody(1842) – dokonalé zobrazení bouře na moři. Galerie zobrazuje stovky náčrtů a jedinou Autoportrét Turner (1798).
John Constable (1776–1837): Malvern Hall (1809), Flatford Mill (1817), Hamstead Heath(cca 1820), Hrad Hadley(asi 1828–1829), Otevření mostu Waterloo (1832).
Prerafaelité Dante Gabriel Rossetti (1828–1882): Beata Beatrix(kolem roku 1863), Proserpina(1874); John Everett Millais (1829–1896): Ofélie(kolem roku 1850); William Holman Hunt (1827–1910): Claudis a Isabella (1850).
Sbírka zahraničního umění
se začala formovat v roce 1917. Tato část začíná chronologicky malbou francouzští impresionisté a postimpresionistů a má rozsáhlou sbírku mistrů těchto hnutí.
Claude Monet (1840–1926): Dáma sedí na lavičce(polovina 70. let 19. století), Seina poblíž Port-Villeuse (1894), Topoly na Epte (1890).
Camille Pissarro (1830–1903): Malý služka (1882), Autoportrét (1903), Piloti Jatt. Le Havre Zataženo ráno (1903).
Alfred Sisley (1839-1899): Most na Sèvres(kolem roku 1877), Cesta podél řeky. Jaro(1880) atd.
Sochy Auguste Renoira (1841-1919) Venuše Dobyvatelka(1914) a Edgar Degas Čtrnáctiletý tanečník (1880).
Georges Seurat (1859–1891): Le Bec dělat Hock (1885).
Paul Cézanne (1839–1906): Ulička v Jas de Bouffan(kolem roku 1874), Portrét zahradníka(1906); Paul Gauguin (1848–1903): Příprava na dovolenou nebo Tahitská pastorace (1898), Sklizeň. Le Pouldu (1890).
Vincent Van Gogh (1853–1890): Židle s dýmkou na tabák (1888), Gauguinovo křeslo při nočním osvětlení (1888).
Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901): Portrét umělce Emila Bernard(1885), Dva kamarádi(90. léta 19. století).
Sochy od mistrů přelomu 19.–20. století. Auguste Rodin (1840–1917): Polibek (1901–1904), Múza(1896) a Aristide Maillol (1861–1944): Omezený pohyb (1906), Tři nymfy (1930–1938).
Henri Matisse (1869–1954): Portrét Andreho Deraina (1905), Stojící nahá (1907), Hlemýžď(1953) – velká barevná nášivka, stejně jako série čtyř bronzových reliéfů – Nahá s záda (1909-1930).
Edvard Munch (1863–1944): Nemocná dívka(1907); Oskar Kokoschka (1886-1980): Pohled na Temži (1959).
Amedeo Modigliani (1884–1920): Malý rolník(1917), sochařství Hlava(kolem roku 1913).
Pablo Picasso (1881–1973): Žena v košili(kolem roku 1905) – odkazuje na „modré“ období; Sedící nahá(1909) - příklad kubismu; Tři tanečníci(1925) jsou psány v surrealistickém duchu. Vystavená socha: Stálý život (1914), Velký kohout (1932).
Tate Gallery (Londýn, Velká Británie) - výstavy, otevírací doba, adresa, telefonní čísla, oficiální stránky.
- Last minute zájezdy do Spojeného království
Předchozí fotka Další fotka
Osobní sbírka, kterou kdysi vlastnil průmyslník Sir Henry Tate, tvořila základ největší světové sbírky anglického umění 16. až 20. století – Tate Gallery. Její původní název byl Galerie britského umění.
Výstava v Tate Gallery
Výstava galerie je dokonale přizpůsobena: díla v ní prezentovaná jsou přísně chronologicky řazena od roku 1500 a v každém časovém období byly vytvořeny tematické sekce. Systematicky, přibližně jednou ročně, se okruh témat obměňuje, což zvyšuje zájem o zde prezentovaný sborník.
Mnoho portrétů si můžete prohlédnout v galerii slavní lidé a royalty, obrazy zobrazující život Britů z různých společenských vrstev, romantické krajiny, mystické obrazy, četné rytiny a akvarely. Hodně pozornosti je věnována malým návštěvníkům této velké galerie. Tematické přednášky, vzdělávací kurzy, hry rozvíjející smysl pro krásu – to vše probíhá systematicky, informace lze získat buď na webových stránkách nebo u vstupu do muzea.
Vstup do muzea je s výjimkou některých specializovaných výstav zdarma.
Galerie Tate Modern
Rok 2000 se stal v životě galerie velmi důležitým: sbírka Tate Britain se stala natolik rozsáhlou a rozmanitou, že byla logicky rozdělena do dvou expozic. Klasická díla zůstala ve staré budově na Trafalgar Square a část současného umění se přestěhovala na druhou stranu Temže do prostor bývalé elektrárny a velmi rychle se stala kultovním místem. moderní Londýn- a stala se známou jako galerie Tate Modern. Obrovská turbínová hala se ukázala jako vynikající prostor pro pořádání různých výstav, performancí a instalací. V nové místnosti jsou obrazy také prezentovány podle témat a v rámci témat jsou prezentovány různé styly a žánry umělecká díla. Můžete zde vidět všechna umělecká hnutí, která existují od 19. století, poslechnout si tematickou exkurzi a navíc si užít ohromující panorama Londýna, které se otevírá z oken kavárny umístěné v nejvyšším patře.
Zajímavostí je, že Henry Tate dokázal vydělat peníze na vytvoření kolekce, která položila základ slavné galerii, vynálezem cukrové vaty a širokým prodejem této oblíbené dětské pochoutky.
Umístění
Moderní Tate Gallery se nachází na jižním břehu Temže na Bankside, velmi blízko divadla Globe, poblíž Blackfriars Bridge a naproti katedrále svatého Pavla.
Adresa galerie Tate: SW1P 4RG, Londýn, Millbank, Tate Britain. Webové stránky: www.tate.org.uk.
Otevírací doba: denně 10:00-17:50, každý první pátek v měsíci je muzeum otevřeno do 21:00. Ve dnech 24., 25., 26. prosince je muzeum uzavřeno.
Mezi Tate Modern Gallery, London Eye a Tate Britain Gallery jezdí každých 40 minut vyhrazená loď. Metro: Muzeum se nachází 600 metrů od stanice metra Pimlico na lince Victoria nebo 850 metrů od stanice Vauxhall. Autobus: Oblast je obsluhována poměrně velkým počtem autobusových linek: 2, 3, C10, 36, 77A, 88, 159, 185, 436 a 507.
Železniční stanice Voxol se nachází 850 m od muzea, stanice Victoria je vzdálena 1500 m.
Galerie Tate Britain - Tate Britain. Součástí sítě státních národních (a tedy bezplatných!) galerií v Velká Británie, kde najdete přes šedesát tisíc uměleckých děl – obrazů, soch, kreseb a rytin. Tento " Londýn Treťjakov„založil cukrovarnický magnát Tate, a její první areál (otevřen v roce 1897) stojí na místě věznice. Zde je kompletní sbírka děl slavného Angličana Soustružník, stejně jako obrazy Gainsborough, Blake, Constable. Ve sbírce jsou také Prerafaelité a všichni nejvýznamnější evropští impresionisté a postimpresionisté, jako např. Pissarro, Cezanne, Lautrec, Van Gogh, Munch, Matisse, Kokoschka, Kandinsky, Chagall atd.
Zmíněná síť galerií (od roku 2010) se skládá ze čtyř „buněk“. Tento Tate Britain PROTI Londýn, je to stará galerie Tate, kde se nachází sbírka anglických obrazů z 16. - 19. století a sbírka zahraničních umění 19. století století. Dále, Tate Modern, moderní galerie Tate (Tate Modern), ona je také v Londýn, kde se od roku 2000 vystavuje evropské a americké umění od roku 1900 do současnosti. V roce 1988 byla také otevřena pobočka galerie v Liverpoolu. Také funguje Tate St Ives PROTI Cornwall, od roku 1993. A nakonec je tu webová stránka, skutečná. virtuální muzeum na internetu - Tate Online. Základem sbírky byla sbírka obrazů britských umělců, které kdysi patřily Sirovi Henry Tate(Vážený pane Henry Tate, 1819–1899), mimochodem cukrovarnický magnát. Začátek byl vytvořen třemi plátny - jedním z nich je „Thursday“ od W.D. Sadler. Galerie byla postavena na místě bývalé věznice a otevřena 21. července 1897. Dnes je to největší světová sbírka anglického umění 16. až 20. století. V mnoha ohledech má stejný význam jako Treťjakovská galerie my máme. V roce 1926 bylo k hlavní budově přistavěno oddělení zahraniční malby. Za druhé světové války byl objekt poškozen nálety. Sbírka byla ale prozíravě evakuována. Muzeum bylo obnoveno a plně otevřeno pro návštěvníky v roce 1949. V roce 1979 byly otevřeny místnosti pro sbírku současného umění. A v roce 1987 tzv Galerie Clore, která vystavuje nejúplnější sbírku děl Soustružník. Své obrazy odkázal Anglii pod podmínkou, že budou všechny zachovány jako jediná výstava. Dobře, pane Charles Clore(1904–1979) na to poskytl prostředky. Například neměl rád fotbal, takže... kam jinam by měl dát peníze? V galerii tedy především najdete díla anglických malířů: John Betts († asi 1576), William Hogarth (1697–1764), Joshua Reynolds (1723–1792), Thomas Gainsborough (1727–1788 ), Richard Wilson (1713-1782), George Stubbs (1724-1806), William Blake (1757-1827), John Constable (1776-1837). Perlou výstavy „místních umělců“ je samozřejmě soubor děl Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Také v galerii si můžete prohlédnout díla prerafaelitů - Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), John Everett Millais (1829-1896), William Holman Hunt (1827-1910). Zahraniční umělci jsou zastoupeny především obrazy francouzských impresionistů a postimpresionistů. Jsou to Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Paul Cézanne (1839-1906), Vincent Van Gogh (1853-1890), Henri de Toulouse-Lautrec (1864 – 1901), Henri Matisse (1869–1954), Edvard Munch (1863–1944), Oskar Kokoschka (1886–1980), Amedeo Modigliani(1884-1920), Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963), Fernand Leger (1881-1955), Kandinsky V.V. (1866–1944), Kazimir Malevich (1878–1935), Marc Chagall (1887–1985), Max Ernst (1891–1976), Salvador Dalí (1904–1989). Jsou zde také sochy Auguste Renoira (1841–1919), Edgara Degase (1834–1917), Georgese Seurata (1859–1891), Auguste Rodina (1840–1917) a Aristida Maillola (1861–1944). Galerie začala pořádat dočasné výstavy - s retrospektivou děl dadaisty Marcel Duchamp (1887-1968) krátce před svou smrtí, v roce 1966. Každý rok galerie uděluje tzv Turnerova cena- Turnerova cena. Uděluje se umělcům, kteří tvoří ve Velké Británii. Výstava je otevřena od pondělí do soboty od 10 do 18 hodin, ale vstup je uzavřen v 17:45 (buď Angličané věří, že na to všechno stačí 15 minut, nebo je to doba, během které můžete doběhnout do nejzapadlejšího kouta galerie a zpět). Nemusíte ale běhat každý první pátek v měsíci – sály jsou otevřené do 22:00. Galerie je 24., 25., 26. prosince zavřená, ale 1. ledna funguje, jako by se nic nestalo! O víkendech jsou nabízeny bezplatné výlety. Vstup do galerie je zdarma, pokud se nekonají speciální výstavy. V galerii je prodejna suvenýrů včetně reprodukcí a pohlednic vystavených děl, dále kavárna a restaurace. Restaurace má dokonce i vegetariánská jídla!
