Japonská klasická malba: nejslavnější jména. Vývoj japonské malby

Monochromatická malba Japonska je jedním z jedinečných fenoménů východního umění. Bylo tomu věnováno mnoho práce a výzkumů, ale často je vnímán jako velmi konvenční, někdy i dekorativní. Není tomu tak, duchovní svět japonského umělce je velmi bohatý a nezáleží mu ani tak na estetické složce jako na té duchovní. Umění Východu je syntézou vnějšího a vnitřního, explicitního a implicitního.

V tomto příspěvku bych chtěl věnovat pozornost nikoli historii monochromní malby, ale její podstatě. O tom si budeme povídat.

obrazovka "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

To, co vidíme na monochromatických obrazech, je výsledkem umělcovy interakce se základní triádou: papír, štětec, inkoust. Proto, abyste správně pochopili dílo, musíte pochopit samotného umělce a jeho postoj.

"Krajina" Sesshu, 1398

Papír pro japonského mistra to není jen materiál po ruce, který podřizuje svému rozmaru, ale naopak - je to „bratr“, a proto se k němu odpovídajícím způsobem vyvíjel postoj. Papír je součástí okolní přírody, ke které se Japonci vždy chovali s úctou a snažili se ji nepodrobit, ale v míru s ní koexistovat. Papír je strom v minulosti, který stál určitou dobu v určité oblasti, něco kolem sebe „viděl“ a vše si to uložil. Japonský umělec tak materiál vnímá. Často se řemeslníci před zahájením práce dlouho dívali Prázdná stránka(přemýšleli o tom) a teprve potom začali malovat. I nyní moderní japonští umělci, kteří praktikují techniku ​​Nihon-ga (tradiční japonská malba), pečlivě vybírají papír. Kupují to na zakázku z papíren. Každý umělec má určitou tloušťku, propustnost vlhkosti a texturu (mnoho umělců dokonce uzavírá s majitelem továrny dohodu, že tento papír nebude prodávat jiným umělcům) – proto je každý obraz vnímán jako něco jedinečného a živého.

„Čtení v bambusovém háji“ Xubun, 1446

Když už mluvíme o významu tohoto materiálu, stojí za zmínku následující slavných památek Japonská literatura jako „Notes at the Bedside“ od Sei Shonagona a „Genji Monogotari“ od Murasaki Shikibu: v „Notes“ i „Genji“ můžete najít zápletky, když si dvořané nebo milenci vyměňují zprávy. Papír, na kterém byly tyto vzkazy napsány, byl vhodného ročního období, odstínu a způsob psaní textu odpovídal jeho textuře.

"Murasaki Shikibu ve svatyni Ishiyama" Kyosen

Štětec- druhá složka je pokračováním mistrovy ruky (opět je to přírodní materiál). Štětce se proto vyráběly také na zakázku, nejčastěji však samotným umělcem. Vybral chloupky požadované délky, zvolil velikost kartáče a nejpohodlnější rukojeť. Mistr maluje pouze vlastním štětcem a žádným jiným. (Z osobní zkušenost: Byl jsem na mistrovské třídě čínského umělce Jiang Shiluna, publikum požádalo, aby ukázal, co jeho studenti, kteří byli přítomni na mistrovské třídě, dokážou, a každý z nich, zvedl mistrův štětec, řekl, že výsledek nebude co očekávali, protože kartáč ne oni, nejsou na něj zvyklí a nevědí, jak ho správně používat).

"Fuji" inkoustová skica od Katsushika Hokusai

Řasenka- třetí důležitý prvek. Řasenka se stane odlišné typy: po zaschnutí může dát lesklý nebo matný efekt, možná s příměsí stříbrných nebo okrových odstínů, proto správná volbařasenka také není nedůležitá.

Yamamoto Baitsu, konec XVIII- XIX století.

Hlavním námětem monochromní malby jsou krajiny. Proč v nich nejsou žádné barvy?

Spárovaná obrazovka "Pines", Hasegawa Tohaku

Za prvé, japonského umělce nezajímá objekt samotný, ale jeho podstata, určitá složka, která je společná všemu živému a vede k harmonii mezi člověkem a přírodou. Obraz je tedy vždy náznakem, je adresován našim smyslům, nikoli zraku. Podcenění je podnětem k dialogu, a tedy spojení. Linie a skvrny jsou v obraze důležité – tvoří se umělecký jazyk. To není svoboda mistra, který zanechal tučnou stopu, kde chtěl, ale na jiném místě naopak podkreslil - vše na obrázku má svůj význam a význam a není náhodné.

Za druhé, barva v sobě vždy nese nějakou emocionální konotaci a je vnímána různými lidmi v různých stavech odlišně, proto emoční neutralita umožňuje divákovi co nejpřiměřeněji vstoupit do dialogu, umístit ho pro vnímání, kontemplaci a myšlení.

Za třetí, jedná se o interakci jin a jang; jakýkoli monochromatický obraz je harmonický z hlediska poměru inkoustu k nedotčené ploše papíru.

Proč je většina papírového prostoru nevyužita?

"Krajina" Xubun, polovina 15. století.

Za prvé, prázdný prostor ponoří diváka do obrazu; za druhé vzniká obraz, jako by na okamžik vyplaval na povrch a chystal se zmizet – to souvisí se světonázorem a světonázorem; za třetí, v těch oblastech, kde není inkoust, vystupuje do popředí textura a odstín papíru (ne vždy je to na reprodukcích vidět, ale ve skutečnosti jde vždy o interakci dvou materiálů - papíru a inkoustu).

Sesshu, 1446

Proč krajina?

„Kontemplace o vodopádu“ Gayami, 1478

Podle japonského světonázoru je příroda dokonalejší než člověk, proto se z ní musí poučit, všemožně ji chránit a neničit a nepodrobovat. Proto v mnoha krajinách můžete vidět malé obrazy lidí, ale vždy jsou bezvýznamné, malé ve vztahu ke krajině samotné, nebo obrazy chat, které zapadají do prostoru kolem nich a nejsou ani vždy patrné - to vše jsou symboly světonázor.

"Roční období: Podzim a zima" Sesshu. "Krajina" Sesshu, 1481

Závěrem chci říci, že monochromní japonská malba není chaoticky rozstříknutý inkoust, není to rozmar vnitřního ega umělce - je to celý systém obrazů a symbolů, je to úložiště filozofického myšlení, a co je nejdůležitější, způsob komunikace a harmonizace sebe a světa kolem nás.

Zde jsou, myslím, odpovědi na hlavní otázky, které se v divákovi vynořují, když čelí monochromní japonské malbě. Doufám, že vám pomohou to nejsprávněji pochopit a vnímat, když se potkáte.

Má velmi bohatá historie; jeho tradice je rozsáhlá a jedinečná pozice Japonska ve světě výrazně ovlivňuje dominantní styly a techniky japonských umělců. Je známou skutečností, že Japonsko bylo po mnoho staletí zcela izolované, a to nejen kvůli geografii, ale také kvůli dominantní japonské kulturní tendenci k izolaci, která poznamenala historii země. Během staletí existence toho, co bychom mohli nazvat „ Japonská civilizace“, kultura a umění se vyvíjely odděleně od těch ve zbytku světa. A to je v praxi dokonce patrné Japonská malba. Například obrazy Nihonga patří mezi hlavní díla japonské malířské praxe. Vychází z více než tisícileté tradice a malby jsou obvykle vytvářeny štětci buď na Vashi (japonský papír) nebo Egina (hedvábí).

Japonské umění a malba však byly ovlivněny zahraničními umělecké postupy. Za prvé to bylo čínské umění v 16. století a čínské umění a čínská umělecká tradice, která byla v několika ohledech zvláště vlivná. Od 17. století byla japonská malba také ovlivněna západními tradicemi. Zejména v předválečném období, které trvalo od roku 1868 do roku 1945, byla japonská malba ovlivněna impresionismem a Evropský romantismus. Japonci přitom významně ovlivnili i nová evropská umělecká hnutí umělecké techniky. V dějinách umění se tento vliv nazývá „japonismus“ a je významný zejména pro impresionisty, kubisty a umělce spojené s modernismem.

Dlouhou historii japonské malby lze chápat jako syntézu několika tradic, které tvoří součásti uznávané japonské estetiky. Za prvé, buddhistické umění a malířské metody, stejně jako náboženská malba, zanechala výraznou stopu na estetice Japonské malby; malba krajiny vodou tuší v tradici čínské literární malby je dalším důležitým prvkem uznávaným v mnoha slavných japonských malbách; malování zvířat a rostlin, zejména ptáků a květin, je to, co je běžně spojováno s japonskými kompozicemi, stejně jako krajiny a výjevy z Každodenní život. Konečně, velký vliv Japonské malířství mělo starověké představy o kráse z filozofie a kultury Starověké Japonsko. Wabi, což znamená přechodnou a drsnou krásu, sabi (krása přirozené patiny a stárnutí) a yugen (hluboká milost a jemnost) nadále ovlivňují ideály v praxi japonského malířství.

Na závěr, když se soustředíme na výběr deseti nejslavnějších japonských mistrovských děl, musíme zmínit ukiyo-e, které je v Japonsku jedním z nejpopulárnějších uměleckých žánrů, i když patří ke grafice. Dominovalo japonskému umění od 17. do 19. století, přičemž umělci spadající do tohoto žánru vytvářeli dřevoryty a malby námětů jako např. krásné dívky, herci Kabuki a zápasníci sumo, stejně jako scény z historie a lidových příběhů, cestovatelské scény a krajiny, flóra a fauna a dokonce i erotika.

Sestavit seznam je vždy těžké nejlepší obrazy z uměleckých tradic. Mnoho úžasných děl bude vyloučeno; tento seznam však obsahuje deset nejznámějších japonských obrazů na světě. Tento článek představí pouze obrazy vytvořené od 19. století do současnosti.

Japonské malířství má mimořádně bohatou historii. Japonští umělci během staletí vyvinuli velké množství jedinečných technik a stylů, které jsou nejcennějším příspěvkem Japonska do světa umění. Jednou z těchto technik je sumi-e. Sumi-e doslova znamená „kresba tuší“ a spojuje kaligrafii a malbu tuší, aby vytvořila vzácnou krásu štětcem kreslených kompozic. Tato krása je paradoxní – starověká, ale moderní, jednoduchá a přitom složitá, odvážná a přitom tlumená, nepochybně odráží duchovní základ umění v zen buddhismu. Buddhističtí kněží zavedli do Japonska pevné inkoustové bloky a bambusové štětce z Číny v šestém století a za posledních 14 století Japonsko rozvinulo bohaté dědictví malby tuší.

Přejděte dolů a prohlédněte si 10 mistrovských děl japonského malířství

1. Katsushika Hokusai „Sen rybářovy ženy“

Jedním z nejznámějších japonských obrazů je „Sen rybářovy ženy“. Psal se rok 1814 slavný umělec Hokusai. Podle přísné definice nelze toto úžasné Hokusaiovo dílo považovat za malbu, neboť se jedná o dřevoryt žánru ukiyo-e z knihy Young Pines (Kinoe no Komatsu), což je třísvazková kniha šunga. Kompozice zobrazuje mladého potápěče ama sexuálně propleteného s párem chobotnic. Tento obraz byl velmi vlivný v 19. a 20. století. Dílo ovlivnilo pozdější umělce jako Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff a Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro píše nostalgickou báseň při sledování Měsíce“

Tessai Tomioka je pseudonym slavného japonského umělce a kaligrafa. Je považován za posledního velkého umělce v tradici bunjingu a za jednoho z prvních významných umělců Nihonga styl. Bunjinga byla škola japonského malířství, která vzkvétala v pozdní éře Edo mezi umělci, kteří se považovali za literáty nebo intelektuály. Každý z těchto umělců, včetně Tessayi, vyvinul svůj vlastní vlastní styl a technologie, ale všichni byli velkými fanoušky čínského umění a kultury.

3. Fujishima Takeji „Východ slunce nad východním mořem“

Fujishima Takeji byl japonský umělec známý svou prací na rozvoji romantismu a impresionismu v uměleckém hnutí jógy (západního stylu) v roce konec XIX- začátek 20. stol. V roce 1905 odcestoval do Francie, kde byl ovlivněn tehdejšími francouzskými hnutími, zejména impresionismem, jak je vidět na jeho obraze Východ slunce nad východním mořem, který byl namalován v roce 1932.

4. Kitagawa Utamaro „Deset typů ženských tváří, sbírka vládnoucích krás“

Kitagawa Utamaro byl významný japonský umělec, který se narodil v roce 1753 a zemřel v roce 1806. Určitě je nejlépe známý pro sérii s názvem „Deset typů ženských tváří. Sbírka dominantních krás, velká milostná témata klasické poezie“ (někdy nazývaná „Zamilované ženy“, obsahující samostatné rytiny „Nahá láska“ a „Promyšlená láska“). Je jedním z nejvýznamnějších umělců spadajících do žánru dřevoryt ukiyo-e.

5. Kawanabe Kyosai „Tiger“

Kawanabe Kyosai byl jedním z nejznámějších japonských umělců období Edo. Jeho umění bylo ovlivněno dílem Tohakua, malíře školy Kano ze 16. století, který byl jediný umělec své doby, který maloval obrazovky celé inkoustem na jemné pozadí práškového zlata. Přestože je Kyosai známý jako karikaturista, napsal některé z nich nejvíce slavné obrazy v japonské historii umění 19. století století. "Tiger" je jedním z těch obrazů, které Kyosai vytvořil akvarelem a inkoustem.

6. Hiroshi Yoshida „Fuji from Lake Kawaguchi“

Hiroshi Yoshida je známý jako jedna z hlavních postav stylu Shin-hanga (Shin-hanga je umělecké hnutí v Japonsku na počátku 20. století, během období Taisho a Showa, které oživilo tradiční umění ukiyo-e, které měl své kořeny v obdobích Edo a Meidži (XVII - XIX století)). Vyučil se v tradici západní olejomalby, která byla převzata z Japonska v období Meidži.

7. Takashi Murakami „727“

Takashi Murakami je pravděpodobně nejpopulárnější japonský umělec současnosti. Jeho díla se na velkých aukcích prodávají za astronomické ceny a jeho tvorba již inspiruje nové generace umělců nejen v Japonsku, ale i v zahraničí. Murakamiho umění zahrnuje celá řada prostředí a je obvykle popisován jako superplane. Jeho práce je známá tím, že používá barvy a zahrnuje motivy z japonské tradiční a populární kultury. Obsah jeho obrazů je často popisován jako „roztomilý“, „psychedelický“ nebo „satirický“.

8. Yayoi Kusama „Dýně“

Yaoi Kusama je také jedním z nejznámějších japonských umělců. Tvoří v různé techniky, včetně malby, koláže, scatové sochy, performance, environmentálního umění a instalace, z nichž většina demonstruje její tematický zájem o psychedelické barvy, opakování a vzory. Jeden z nejvíce slavný seriál tento velký umělec je série Pumpkin. Pravidelná dýně v jasně žluté barvě, pokrytá puntíkovaným vzorem, je prezentována na pozadí sítě. Všechny tyto prvky společně tvoří vizuální jazyk, který je neomylně věrný autorovu stylu a byl vyvíjen a zdokonalován po desetiletí pečlivé výroby a reprodukce.

9. Tenmyoya Hisashi „Japonský duch č. 14“

Tenmyoya Hisashi je současný japonský umělec, který je známý svými neo-nihongovými obrazy. Podílel se na oživení stará tradice Japonská malba, která je úplným opakem moderní japonské malby. V roce 2000 také vytvořil svůj nový styl butouha, který prostřednictvím svých obrazů demonstruje silný postoj k autoritativnímu uměleckému systému. "Japonský duch č. 14" byl vytvořen jako součást umělecké schéma"BASARA", vykládáno v japonská kultura jako vzpurné chování nižší aristokracie během období Válčících států s cílem zbavit úřady schopnosti dosáhnout ideální obrázekživot, oblékání do bujných a luxusních šatů a jednání ze svobodné vůle, ne v souladu s jejich společenskou třídou.

10. Katsushika Hokusai „Velká vlna z Kanagawy“

Konečně, Velká vlna z Kanagawy je pravděpodobně nejznámější japonský obraz, jaký byl kdy namalován. Tohle je vlastně nejvíc slavné dílo umění vytvořené v Japonsku. Zobrazuje obrovské vlny ohrožující lodě u pobřeží prefektury Kanagawa. Ačkoli je někdy mylně považována za tsunami, vlna, jak název obrazu napovídá, je s největší pravděpodobností prostě abnormálně vysoká. Obraz je vyroben v tradici ukiyo-e.

Japonská malba je jednou z nejkrásnějších na světě.

Japonská malba je jednou z nejstarších a nejúžasnějších forem kreativity. Jako každá jiná má své dlouhý příběh, které lze rozdělit do více období podle techniky a vlastností. Co je společné všem obdobím, je příroda, která dostala v obrazech hlavní místo. Na druhém místě v oblíbenosti v výtvarné umění V Japonsku jsou každodenní scény ze života.

Yamato

Yamato(VI–VII století) - první období japonského umění, které položilo základy psaní. Rozvoji umění daly impuls úspěchy Číny v oblasti náboženství a písma. Japonsko se snažilo zvednout na jeho úroveň, provádělo změny ve své struktuře a budovalo vše k obrazu Číny. K rozvoji malby bylo do Japonska přivezeno obrovské množství děl čínských mistrů, což inspirovalo Japonce, kteří se směle vrhli na vytváření podobných obrazů.

Malba v hrobce Takamatsuzuka

Toto období se skládá ze dvou dětských období:

• Kofun- doba japonské umění, zabírající první polovinu Yamato. Název období se překládá jako „mohylové období“. V těch dnech skutečně velkou roli byly přiděleny k mohylám a vytvořily je všude.
• Asuka- druhá část éry Yamato. Období bylo pojmenováno podle politického centra země působícího v těchto letech. Je spojena s příchodem buddhismu do Japonska a následně s aktivním rozvojem všech kulturních oblastí.

Nara

Buddhismus, který pocházel z Číny, se aktivně rozšířil v Japonsku, což přispělo ke vzniku náboženská témata v umění. Japonští umělci, fascinovaní tímto tématem, malovali stěny chrámů, které vytvořily vlivné osobnosti. Dnes se v chrámu Horyu-ji zachovaly nástěnné malby z té doby.

Azuchi-Momoyama

Toto období je úplným opakem svého předchůdce. Tma a monochromie opouštějí díla, nahrazují je jasné barvy a použití zlata a stříbra v obrazech.

Cypřiš. Obrazovka. Kano Eitoku.

Meidži

V 19. století začalo dělení japonské malby na tradiční a evropský styl, které mezi sebou energicky soupeřily. Během tohoto období došlo v Japonsku k obrovským politickým změnám. Vliv Evropy v těchto letech ovlivnil téměř každý kout planety a vnesl do každého státu své vlastní charakteristiky. Evropský styl umění byl aktivně podporován úřady a odmítal staré tradice. Ale brzy vzrušení kolem západního malířství rychle opadlo a zájem o tradiční umění se prudce vrátil.

Vývoj japonské malby aktualizováno: 15. září 2017 uživatelem: Valentina

Japonská malba je naprosto unikátní hnutí ve světovém umění. Existuje již od pradávna, ale jako tradice neztratila na oblibě a schopnosti překvapit.

Pozor na tradice

Východ není jen o krajině, horách a vycházejícím slunci. To jsou také lidé, kteří vytvořili jeho příběh. Právě tito lidé po mnoho staletí podporovali tradici japonské malby, rozvíjeli a zdokonalovali své umění. Ti, kteří se významně zapsali do historie, jsou japonští umělci. Díky nim si moderní zachovaly všechny kánony tradiční japonské malby.

Způsob provádění obrazů

Na rozdíl od Evropy japonští umělci preferovali malbu blíže grafice než malbě. V takových obrazech nenajdete hrubé, nedbalé olejové tahy, které jsou tak charakteristické pro impresionisty. Jaká je grafická povaha takového umění jako japonské stromy, skály, zvířata a ptáci - vše na těchto obrazech je nakresleno co nejjasněji, s pevnými a sebevědomými inkoustovými linkami. Všechny objekty v kompozici musí mít obrys. Vyplnění uvnitř obrysu se obvykle provádí vodovými barvami. Barva se vymyje, přidají se další odstíny a někde zůstane barva papíru. Dekorativnost je přesně to, co odlišuje japonské malby od umění celého světa.

Kontrasty v malbě

Kontrast je další charakteristickou technikou používanou japonskými umělci. Může to být rozdíl v tónu, barvě nebo kontrastu teplých a studených odstínů.

Umělec se k této technice uchýlí, když chce zvýraznit nějaký prvek předmětu. Může to být žíla na rostlině, samostatný okvětní lístek nebo kmen stromu proti obloze. Poté je znázorněno světlo, osvětlená část předmětu a stín pod ní (nebo naopak).

Přechody a barevná řešení

Při malování japonských obrazů se často používají přechody. Mohou být různé: například od jedné barvy k druhé. Na okvětních lístcích leknínů a pivoněk si můžete všimnout přechodu od světlého odstínu k syté, jasné barvě.

Přechody jsou také použity v obrazu vodní hladiny a oblohy. Plynulý přechod od západu slunce do tmavého, prohlubujícího se soumraku vypadá velmi krásně. Při kreslení mraků využívají i přechody z různé odstíny a reflexy.

Základní motivy japonské malby

V umění je vše propojeno se skutečným životem, s pocity a emocemi těch, kdo se na něm podílejí. Stejně jako v literatuře, hudbě a dalších formách kreativity, i v malbě existuje několik věčných témat. Jsou to historické náměty, obrazy lidí a přírody.

Japonské krajiny přicházejí v mnoha variantách. Na obrazech jsou často obrazy rybníků - oblíbený kus nábytku pro Japonce. Ozdobné jezírko, několik leknínů a bambus v okolí - tak vypadá typický obrázek 17.-18. století.

Zvířata v japonské malbě

Zvířata jsou také často se opakujícím prvkem v asijské malbě. Tradičně je to slídící tygr nebo kočka domácí. Obecně jsou Asiaté velmi rádi, a proto se jejich zástupci nacházejí ve všech formách orientálního umění.

Svět fauny je dalším tématem, kterým se japonská malba řídí. Ptáci - jeřábi, dekorativní papoušci, luxusní pávi, vlaštovky, nenápadní vrabci a dokonce i kohouti - to vše se nachází na kresbách orientálních mistrů.

Ryby - nic méně aktuální téma pro japonské umělce. Koi kapři jsou japonskou verzí zlaté rybky. Tito tvorové žijí v Asii ve všech rybnících, dokonce i v malých parcích a zahradách. Koi kapr je druh tradice, která patří specificky do Japonska. Tyto ryby symbolizují boj, odhodlání a dosažení vašeho cíle. Ne nadarmo jsou zobrazeny plovoucí proudem, vždy s ozdobnými hřebeny vln.

Japonské malby: zobrazení lidí

Lidé v japonské malbě jsou zvláštním tématem. Umělci zobrazovali gejši, císaře, válečníky a starší.

Gejši jsou zobrazovány obklopené květinami, vždy na sobě mají propracovaný hábit s mnoha záhyby a prvky.

Mudrci jsou zobrazeni, jak sedí nebo něco vysvětlují svým studentům. Obraz starého vědce je symbolem historie, kultury a filozofie Asie.

Válečník byl zobrazen jako impozantní, někdy děsivý. Ty dlouhé byly detailně nakreslené a vypadaly jako drát.

Obvykle jsou všechny detaily brnění objasněny pomocí inkoustu. Nazí válečníci jsou často zdobeni tetováním zobrazujícím východní drak. Je symbolem japonské síly a vojenské síly.

Panovníci byli zobrazováni pro císařské rodiny. Krásné oblečení a ozdoby v mužských vlasech jsou tím, čím taková umělecká díla oplývají.

Krajiny

Tradiční japonská krajina - hory. Asijským malířům se podařilo zobrazit různé krajiny: dokážou zobrazit stejný vrchol rozdílné barvy, s jinou atmosférou. Jediné, co zůstává nezměněno, je povinná přítomnost květin. Obvykle spolu s horami umělec znázorní nějakou rostlinu v popředí a detailně ji nakreslí. Hory a třešňové květy. A pokud malují padající okvětní lístky, obraz vzbuzuje obdiv k jeho smutné kráse. Kontrast v atmosféře obrazu je další nádhernou kvalitou japonské kultury.

hieroglyfy

Kompozice obrazu v japonské malbě je často kombinována s psaním. Hieroglyfy jsou uspořádány tak, aby kompozičně vypadaly krásně. Obvykle jsou nakresleny vlevo nebo vpravo od malby. Hieroglyfy mohou představovat to, co je na obraze zobrazeno, jeho název nebo jméno umělce.

Japonsko je jednou z nejbohatších zemí na historii a kulturu. Japonci jsou po celém světě obecně považováni za pedanty, kteří nacházejí estetiku naprosto ve všech projevech života. Japonské malby jsou proto vždy velmi harmonické v barvě a tónu: pokud tam jsou cákance nějaké světlé barvy, je to pouze v sémantických centrech. Na příkladu obrazů asijských umělců můžete studovat teorii barev, správnou reprezentaci formy pomocí grafiky a kompozici. Technika provádění japonských obrazů je tak vysoká, že může sloužit jako příklad pro práci s akvarelem a provádění „mytí“ grafických prací.

Umění a design

2702

01.02.18 09:02

Dnešní umělecká scéna v Japonsku je velmi rozmanitá a provokativní: při pohledu na díla mistrů ze Země vycházejícího slunce si budete myslet, že jste dorazili na jinou planetu! Domov pro inovátory, kteří změnili prostředí tohoto odvětví v celosvětovém měřítku. Zde je seznam 10 současných japonských umělců a jejich výtvorů, od neuvěřitelných stvoření Takashi Murakamiho (který dnes slaví narozeniny) až po barevný vesmír Kusama.

Od futuristických světů po tečkovaná souhvězdí: současní japonští umělci

Takashi Murakami: tradicionalista a klasik

Začněme hrdinou této příležitosti! Takashi Murakami je jedním z nejikoničtějších japonských současných umělců, pracuje na malbách, rozsáhlých sochách a módním oblečení. Murakamiho styl je ovlivněn mangou a anime. Je zakladatelem hnutí Superflat podporující japonštinu umělecké tradice a poválečná kultura země. Murakami povýšil mnoho svých kolegů současníků a s některými se dnes také setkáme. „Subkulturní“ díla Takashi Murakamiho jsou prezentována na uměleckých trzích módy a umění. Jeho provokativní My Lonesome Cowboy (1998) se v roce 2008 prodal v New Yorku v Sotheby's za rekordních 15,2 milionu dolarů. Murakami spolupracoval se světem slavných značek Marc Jacobs, Louis Vuitton a Issey Miyake.

Tiše Ashima a její neskutečný vesmír

Chicho Ashima, členka umělecké produkční společnosti Kaikai Kiki a hnutí Superflat (oba založil Takashi Murakami), je známá svými fantastickými městskými scenériemi a podivnými popovými stvořeními. Umělec vytváří surrealistické sny obývané démony, duchy, mladými kráskami, zobrazené na pozadí cizí přírody. Její díla jsou obvykle velkoplošná a tištěná na papír, kůži a plast. V roce 2006 se tento současný japonský umělec podílel na Art on the Underground v Londýně. Pro nástupiště vytvořila 17 na sebe navazujících oblouků – magická krajina se postupně proměnila z denní do noční, z městské na venkovskou. Tento zázrak vykvetl na stanici metra Gloucester Road.

Chiharu Shima a nekonečná vlákna

Další umělec, Chiharu Shiota, pracuje na rozsáhlých vizuálních instalacích pro konkrétní památky. Narodila se v Ósace, ale nyní žije v Německu – v Berlíně. Ústředními tématy její tvorby jsou zapomnění a paměť, sny a realita, minulost a přítomnost a také konfrontace úzkosti. Nejvíc slavných děl Chiharu Shiota - neprostupné sítě černé nitě, pokrývající mnoho domácích a osobních předmětů - jako jsou staré židle, Svatební šaty, spálený klavír. V létě 2014 Shiota svázala darované boty a holínky (kterých bylo více než 300) prameny červené příze a zavěsila je na háčky. První výstava Chiharu v německé metropoli se konala během Berlínského týdne umění v roce 2016 a vyvolala senzaci.

Hej Arakawa: všude, nikde

Hei Arakawa je inspirován stavy změn, obdobími nestability, prvky rizika a jeho instalace často symbolizují témata přátelství a týmové práce. Krédo současného japonského umělce je definováno performativním, neurčitým „všude, ale nikde“. Jeho výtvory se objevují na nečekaných místech. V roce 2013 byla Arakawova díla vystavena na Bienále v Benátkách a na výstavě Japonců soudobé umění v Mori Art Museum (Tokio). Instalace Hawaiian Presence (2014) byla společný projekt s newyorskou umělkyní Carissou Rodriguez a zúčastnila se Whitney Biennial. Také v roce 2014 Arakawa a jeho bratr Tomu, vystupující jako duo s názvem United Brothers, nabídli návštěvníkům Frieze London své „dílo“ „The This Soup Taste Ambivalent“ s „radioaktivní“ kořenovou zeleninou Fukushima daikon.

Koki Tanaka: Vztahy a opakování

V roce 2015 byl Koki Tanaka uznán jako „Umělec roku“. Tanaka zkoumá sdílené zkušenosti kreativity a představivosti, podporuje výměnu mezi účastníky projektu a obhajuje nová pravidla spolupráce. Jeho instalace v japonském pavilonu na Benátském bienále 2013 sestávala z videí objektů, které proměnily prostor v platformu pro uměleckou výměnu. Instalace Kokiho Tanaky (nezaměňovat s jeho úplným hereckým jmenovcem) ilustrují vztah mezi předměty a akcemi, například video obsahuje záznam jednoduchých gest prováděných pomocí běžné předměty(nožem krájení zeleniny, nalévání piva do sklenice, otevírání deštníku). Neděje se nic podstatného, ​​ale obsedantní opakování a pozornost do nejmenších detailů přimět diváka ocenit světské.

Mariko Mori a aerodynamické tvary

Další současná japonská umělkyně Mariko Mori „kouzlí“ multimediální objekty, kombinuje videa, fotografie a objekty. Vyznačuje se minimalistickou futuristickou vizí a uhlazenými surrealistickými formami. Opakujícím se tématem v Moriho díle je juxtapozice západní legendy se západní kulturou. V roce 2010 Mariko založila Fau Foundation, vzdělávací kulturní neziskovou organizaci, pro kterou vytvořila sérii uměleckých instalací na počest šesti obydlených kontinentů. Nejnověji byla nad malebným vodopádem v Resende poblíž Rio de Janeira vztyčena stálá instalace nadace „Ring: One with Nature“.

Ryoji Ikeda: syntéza zvuku a videa

Ryoji Ikeda je umělec a skladatel nových médií, jehož tvorba se zabývá především zvukem v různých „surových“ stavech, od sinusových vln až po hluk využívající frekvence na hranici lidského sluchu. Jeho pohlcující instalace zahrnují počítačem generované zvuky, které jsou vizuálně transformovány do videoprojekcí nebo digitálních vzorů. Audiovizuální umění Ikeda využívá měřítko, světlo, stín, hlasitost, elektronické zvuky a rytmus. Slavné umělcovo testovací zařízení se skládá z pěti projektorů, které osvětlují plochu 28 metrů dlouhou a 8 metrů širokou. Nastavení převádí data (text, zvuky, fotografie a filmy) na čárové kódy a binární vzory jedniček a nul.

Tatsuo Miyajima a LED počítadla

Současný japonský sochař a umělec instalací Tatsuo Miyajima používá ve svém umění elektrické obvody, video, počítače a další gadgety. Základní koncepty Mijadžimy jsou inspirovány humanistickými myšlenkami a buddhistickým učením. LED počítadla v jeho instalacích nepřetržitě blikají v opakování od 1 do 9, což symbolizuje cestu od života ke smrti, ale vyhýbají se definitivnosti, kterou představuje 0 (nula se v Tatsuově díle nikdy neobjevuje). Všudypřítomná čísla v mřížkách, věžích a diagramech vyjadřují Miyajimův zájem o myšlenky kontinuity, věčnosti, spojení a toku času a prostoru. Nedávno byla Mijadžimova „Šípka času“ uvedena na zahajovací výstavě „Unfinished Thoughts Visible in New York“.

Nara Yoshimoto a zlé děti

Nara Yoshimoto vytváří obrazy, sochy a kresby dětí a psů – předměty, které odrážejí dětské pocity nudy a frustrace a zuřivou nezávislost, která je pro batolata přirozená. Estetika Yoshimotova díla připomíná tradiční knižní ilustrace, je směsí neklidného napětí a umělcovy lásky k punk rocku. V roce 2011 hostilo Asia Society Museum v New Yorku Yoshimotovu první samostatnou výstavu s názvem „Yoshitomo Nara: Nobody's Fool“, která pokrývá 20letou kariéru současného japonského umělce. Exponáty úzce souvisely s globálními subkulturami mládeže a jejich odcizením. protest.

Yayoi Kusama a prostor rostoucí do podivných forem

Úžasný tvůrčí biografie Kusama's Yayoi trvá sedm desetiletí. Během této doby stihla úžasná Japonka vystudovat obory malba, grafika, koláž, sochařství, kino, rytina, environmentální umění, instalace, ale i literatura, móda a oděvní design. Kusama vyvinula velmi osobitý styl dot art, který se stal její obchodní značkou. Iluzorní vize zobrazené v díle 88leté Kusamy – kde se svět zdá být pokrytý rozlehlými, podivnými formami – jsou výsledkem halucinací, které prožívala od dětství. Místnosti s barevnými tečkami a „nekonečnými“ zrcadly odrážejícími jejich shluky jsou rozpoznatelné a nelze je zaměnit s ničím jiným.