Renesanční zátiší. Zátiší v malbě: typy a popis

Zátiší v malbě je obrazem statických neživých předmětů spojených do jednoho celku. Zátiší může být prezentováno jako samostatný obraz, ale někdy se stává součástí kompozice žánrové scény nebo celého obrazu.

Co je to zátiší?

Taková malba je vyjádřena v subjektivním postoji člověka ke světu. To ukazuje mistrovo přirozené chápání krásy, která se stává ztělesněním společenských hodnot a estetického ideálu doby. Zátiší v malbě se postupně proměnilo v samostatný významný žánr. Tento proces trval stovky let a každá nová generace umělců chápala plátna a barvy podle dobových trendů.

Role zátiší v kompozici obrazu se nikdy neomezuje na prosté informace, náhodné doplnění hlavního obsahu. V závislosti na historických podmínkách a společenských požadavcích se předměty mohou více či méně aktivně podílet na vytváření kompozice nebo individuálního obrazu a zastiňují ten či onen cíl. Zátiší v malbě jako nezávislý žánr je navrženo tak, aby spolehlivě zprostředkovávalo krásu věcí, které člověka každý den obklopují.

Někdy samostatný detail nebo prvek náhle získá hluboký význam, obdrží svůj vlastní význam a zvuk.

Příběh

Malba zátiší jako starý a uctívaný žánr zaznamenala své vzestupy a pády. Přísný, asketický a minimalistický pomohl vytvořit nesmrtelné, monumentální, zobecněné, vznešeně hrdinské obrazy. Sochaři si užívali zobrazování jednotlivých předmětů s mimořádnou expresivitou. Typy zátiší v malbě a nejrůznější klasifikace vznikly během formování umělecké kritiky, ačkoli plátna existovala dlouho před napsáním první učebnice.

Ikonografické tradice a zátiší

Ve starověké ruské ikonomalbě hrálo velkou roli těch pár věcí, které se umělec odvážil zavést do přísného lakonismu kanonických děl. Přispívají k projevu všeho bezprostředního a demonstrují vyjádření pocitů v práci věnované abstraktnímu nebo mytologickému tématu.

Typy zátiší v malbě existují odděleně od obrazů ikon, ačkoli přísný kánon nezakazuje zobrazení některých objektů, které jsou tomuto žánru vlastní.

Renesanční zátiší

Díla z 15.-16. století však hrají hlavní roli během renesance. Malíř nejprve upozornil na svět kolem sebe a snažil se určit význam každého prvku ve službě lidstvu.

Moderní malba a zátiší jako oblíbený a oblíbený žánr vznikly v období Tricenta. Předměty každodenní potřeby získaly určitou noblesu a význam majitele, kterému sloužily. Na velkých plátnech vypadá zátiší zpravidla velmi skromně a diskrétně - skleněná nádoba s vodou, stříbro v elegantní váze nebo jemné lilie na tenkých stonkách často schoulené v tmavém rohu obrazu, jako chudí a zapomenutí příbuzní. .

Přesto bylo v obraze krásných a blízkých věcí v poetické formě tolik lásky, že moderní malba, zátiší a jeho role v něm byly již nesměle patrné mezerami krajin a těžkými závěsy žánrových scén.

Zásadní moment

V 17. století – v době, kdy převládalo a dominovalo zátiší s květinami, získala témata v malbě skutečný prvek a nový význam. Obrazy tohoto druhu si získaly četné příznivce mezi šlechtou a duchovenstvem. Ve složitých skladbách s výraznou literárností příběhová linie scény dostaly své místo spolu s hlavními postavami. Při analýze dobových děl je snadné si všimnout, že důležitá role zátiší se podobně projevila v literatuře, divadle a sochařství. Věci v těchto dílech začaly „jednat“ a „žít“ - byli zobrazeni jako hlavní postavy, demonstrující nejlepší a nejvýhodnější aspekty předmětů.

Umělecké předměty vyrobené pracovitými a talentovanými řemeslníky nesou osobní otisk myšlenek, tužeb a sklonů konkrétního člověka. malování je nejlepší psychologické testy pomáhají sledovat psycho-emocionální stav a dosáhnout vnitřní harmonie a integrity.

Věci věrně slouží člověku, přebírají jeho potěšení z předmětů každodenní potřeby a inspirují své majitele k pořízení nových krásných, elegantních maličkostí.

vlámská renesance

Lidé hned nepřijali kvašovou malbu a zátiší jako žánr. Historie vzniku, vývoje a široké realizace různých myšlenek a principů slouží jako připomínka neustálého vývoje myšlení. Zátiší se stalo slavným a módním v polovině 17. století. Žánr začal v Nizozemsku, světlých a slavnostních Flandrech, kde příroda sama zve krásu a zábavu.

Kvašová malba a zátiší vzkvétaly v době obrovských změn, úplné změny politických, společenských a náboženských institucí.

Flanderský proud

Buržoazní směr vývoje ve Flandrech se stal novinkou a pokrokem pro celou Evropu. Změny v politický život vedlo k podobným inovacím v kultuře – obzory, které se umělcům otevíraly, již nebyly omezeny náboženskými zákazy a nebyly podporovány příslušnými tradicemi.

Zátiší se stalo vlajkovou lodí nového umění, které oslavovalo vše přirozené, světlé a krásné. Přísné kánony katolicismu již neomezovaly let fantazie a zvědavosti malířů, a proto se spolu s uměním začala rozvíjet věda a technika.

Obyčejné každodenní věci a předměty, dříve považované za základ a nehodné zmínky, se náhle zvedly na úroveň předmětů blízkého studia. Dekorativní malba, zátiší a krajiny se staly skutečným zrcadlem života - každodenní rutiny, stravy, kultury, představ o kráse.

Vlastnosti žánru

Právě odtud, z vědomého, hloubkového studia okolního světa, se vyvinul samostatný žánr malování domácnosti, krajina, zátiší.

Umění, které v 17. století získalo určité kánony, určovalo hlavní kvalitu žánru. Obraz věnovaný světu věcí popisuje základní vlastnosti věcí, které obklopují člověka, ukazuje postoj mistra a jeho hypotetického současníka k tomu, co je zobrazeno, vyjadřuje povahu a úplnost znalostí o realitě. Umělec nutně zprostředkoval hmotnou existenci věcí, jejich objem, váhu, textury, barvy, funkční účel předmětů pro domácnost a jejich zásadní spojení s lidskou činností.

Úkoly a problémy zátiší

Dekorativní malba, zátiší a každodenní výjevy absorbovaly nové trendy doby - odklon od kánonů a zároveň zachování konzervativního naturalismu obrazu.

Zátiší revoluční éry za úplného vítězství buržoazie odráží umělcovu úctu k novým formám národního života jeho krajanů, úctu k práci obyčejných řemeslníků, obdiv k krásné obrázky krása.

O problémech a úkolech žánru jako celku, formulovaného v 17. století, se v evropských školách hovořilo až v polovině 19. století. Mezitím si umělci neustále kladli nové a nové úkoly a nepokračovali v mechanické reprodukci hotových kompozičních řešení a barevných schémat.

Moderní plátna

Fotografie zátiší k malbě, připravené v moderních ateliérech, jasně demonstrují rozdíl mezi vnímáním světa současníkem a člověkem středověku. Dynamika objektů dnes překračuje všechny myslitelné meze a statika objektů byla v té době normou. Barevné kombinace 17. století se vyznačují jasem a čistotou barev. Bohaté odstíny harmonicky zapadají do kompozice a zdůrazňují záměry a nápady umělce. Absence jakýchkoli kánonů tím nejlepším možným způsobem ovlivnily zátiší 20. a 21. století, někdy zarážející představivost svou ošklivostí nebo záměrnou pestrostí.

Metody řešení problémů zátiší se každou dekádou rychle mění, metody a techniky nedrží krok s představivostí uznávaných i méně uznávaných mistrů.

Hodnota dnešních obrazů spočívá ve vyjádření reality očima současných umělců; prostřednictvím ztělesnění na plátně vznikají nové světy, které budou moci o svých tvůrcích hodně prozradit lidem budoucnosti.

Vliv impresionismu

Dalším milníkem v historii zátiší byl impresionismus. Celý vývoj směru se promítl do kompozic prostřednictvím barev, techniky a chápání prostoru. Poslední romantici tisíciletí přenesli život takový, jaký je, na plátno – rychlé, jasné tahy a výrazné detaily se staly základními kameny stylu.

Malování, zátiší současných umělců jistě nesou otisk své impresionistické inspirace prostřednictvím barev, metod a technik zobrazování.

Odklon od standardních kánonů klasicismu - tři plány, centrální kompozice a historickí hrdinové - umožnil umělcům rozvíjet vlastní vnímání barev a světla a také jasně a jasně demonstrovat volný let emocí publiku.

Hlavním úkolem impresionistů je změnit techniku ​​malby a psychologický obsah obrazu. A dnes, i když známe tehdejší situaci, je těžké najít správnou odpověď na otázku, proč impresionistické krajiny, tak radostné a důmyslné jako poezie, vyvolávaly ostré odmítnutí a hrubý výsměch u vybíravých kritiků a osvícené veřejnosti.

Impresionistická malba nezapadala do obecně přijímaného rámce, takže zátiší a krajiny byly vnímány jako něco vulgárního, nehodného uznání spolu s dalším odpadem vysokého umění.

Umělecká výstava, která se stala jakousi misijní činností slavných umělců té doby, dokázala oslovit srdce a ukázat krásu a půvab. Obrazy předmětů a předmětů všemi dostupnými prostředky se staly samozřejmostí i ve zdech impozantních institucí vyznávajících pouze principy. klasické umění. Triumfální průvod obrazů zátiší se od konce 19. století nezastavil a žánrová a technika dnes umožňuje nebát se žádných experimentů s barvou, texturami a materiály.

Je to zvláštní malba - zátiší: nutí vás obdivovat kopii
věci, jejichž originály neobdivujete.

„Umění se buď rozpadlo do samostatných žánrů, pak je spojilo dohromady a vytvořilo jakousi všezahrnující slitinu, a v různých obdobích historie se objevil portrét, nyní krajina, nyní historický obraz, nyní obraz každodenního života. Ale pokud byl proveden velký obrazový experiment, pokud by řeč byla o analýze světa, o jeho rozkladu na složky - a o syntéze těchto složek, pak ještě předtím, než byly učiněny konečné závěry a zavedená nová systém zahájil svůj triumfální pochod světem, byl „testován zátiším.“ „Mrtvá příroda“ ukázala schopnost napadnout „živé“ – a to nejen ukázat, ale také vysvětlit. život, masivní zájem o něj ze strany umělců, a co je nejdůležitější - schopnost tohoto žánru zobecnit v sobě vše, co umění v tuto chvíli vyžaduje, zbytek dělat jakoby nepotřebný, se objevila až za hrou „podvod ” bylo objeveno tajemství jiného druhu, jehož opatrovníky byly věci. Na rozdíl od doslovného překladu jeho názvu se v tomto případě ukázalo zátiší jako nejschůdnější ze žánrů."

Co je příroda morte? fr. nature morte, doslova - „mrtvá příroda“, s přírodou „příroda, příroda; přirozenost; podstata, vlastnost“ a morte „smrt“; holandský stilleven, německy Stilleben, anglicky zátiší, doslova - tichý nebo nehybný život, se stále „nehybný, klidný; tichý“ (stále jako hrob „tichý jako hrob“) a život „život, existence“ (tento život, přirozený život související s „pozemskou existencí“ ); v malbě "příroda" (obraz převzatý ze života "obraz z přírody").

(hlavně malba na stojanu), který se věnuje zobrazování věcí umístěných v jediném prostředí a organizovaných do skupiny.

Zvláštní organizace motivu(tzv inscenování) - jedna z hlavních součástí obrazový systémžánr zátiší.

Kromě neživých předmětů (například předmětů pro domácnost) zobrazuje zátiší předměty živé přírody, izolované od svých přirozených vazeb, a tím proměněné ve věc - ryby na stole, květiny v kytici atd.

Obraz živých, pohybujících se tvorů - hmyzu, ptáků, zvířat, dokonce i lidí - může být někdy zahrnut do zátiší, ale pouze doplňuje jeho hlavní motiv.

Oproti jiným žánrům se v zátiší zvyšuje význam drobných předmětů izolovaných z kontextu každodenního života.

Žánrová specifika určuje zvýšenou pozornost umělce (a diváka) na strukturu a detaily objemů, povrchovou texturu a problémy s obrazem.

Cíle Zátiší jako žánr se neomezuje na vyjádření symboliky, na řešení dekorativních problémů nebo na vědecky přesné zaznamenávání objektivního světa, i když tyto úkoly do značné míry přispěly k formování zátiší a jejich obrazy jsou často rozlišovány bohatstvím asociací, jasnou dekorativností a iluzorní přesností přenosu přírody.

Zobrazení věcí v zátiší má samostatný umělecký význam; umělec může vytvořit prostorný, mnohovrstevný obraz v zátiší, který má složité sémantické důsledky.

V historický vývoj zátiší, v jeho proměně různé éry Obsah konkrétně odráží sociální podmíněnost umění jako celku.

Ve výtvarném umění zátiší (z francouzského natur morte - „mrtvá příroda“) se obvykle nazývá obraz neživých předmětů spojených do jedné kompoziční skupiny.

Zátiší může mít jak samostatný význam, tak i nedílnou součást kompozice žánrového obrazu.

Zátiší vyjadřuje postoj člověka k okolnímu světu. Odhaluje chápání krásy, které je umělci jako člověku své doby vlastní.

Umění věcí bylo dlouho, dlouho předtím, než se stalo samostatným oborem umělecké tvořivosti, nedílnou součástí jakéhokoli významného díla.

Role zátiší v malbě nikdy nebyla omezena na prosté informace, náhodné doplnění hlavního obsahu.

V závislosti na historických podmínkách a společenských požadavcích se na tvorbě obrazu více či méně podílely předměty, které zvýrazňovaly ten či onen aspekt designu. Než se zátiší vyvinulo v samostatný žánr, věci obklopující člověka každodenní život, jen do té či oné míry byly zahrnuty jako atribut do maleb starověku. Někdy takový detail získal nečekaně hluboký význam a získal svůj vlastní význam.

Historie zátiší jako žánru.

Motivy zátiší jako detaily kompozic, dekorativní a symbolické obrazy věcí se nacházejí již v starověké orientální, starověké a středověké umění. Prvky zátiší, v nichž lze vidět kompoziční a tematické předobrazy jeho rozvinutých typů, jsou obsaženy ve starořímských freskách a mozaikách od 1. století. Ve vztahu ke klasickému orientálnímu, zejména čínskému a japonskému umění je těžké hovořit o zátiší samotném: podoba uměleckého vidění a systém žánrů se zde výrazně lišily od evropských. Částečně srovnatelné s žánrem zátiší jsou díla tzv. žánru „květiny a ptáci“ i jednotlivé obrazy ovoce (Tsui Bo, 2. polovina 11. století, Mu-qi, 13. století – v Číně; Ogata Korin, 2. polovina 17. – začátek 18. století v Japonsku).

Zrod zátiší jako samostatného žánru je spojen s obecným vývojem evropské umění moderní doba, identifikace malířského stojanu a formování rozsáhlého systému žánrů. Již v dílech italských a zejména nizozemských mistrů renesance se projevuje nebývalá pozornost k materiálnímu světu, lpění na konkrétní smyslové kráse věcí, jejichž obrazy si zároveň někdy zachovávají symbolický význam často vlastní zobrazování předmětů ve středověkém umění. Dějiny zátiší jako žánru malířského stojanu, a zejména jeho typu „trompel“ oeil („faux pas“), otevírá „Zátiší“ od italského umělce Jacopo de Barbari (1504), ve kterém hlavní pozornost je věnována iluzionisticko-přesnému ztvárnění předmětů.Rozšíření žánrového zátiší však spadá až do 2. poloviny 16. - počátku 17. století, k čemuž přispěly přírodovědné sklony charakteristické pro tuto dobu, zájem umění v každodenním životě a Soukromíčlověka, stejně jako samotný vývoj metod uměleckého zkoumání světa. V obrazech Nizozemce Petera Aertsena a jeho následovníků, někdy i nábožensky zaměřených, je velký prostor věnován zobrazení kuchyní a obchodů s hromadou jídla a nádobí. Botanická přesnost reprodukce různých květin, krása a rozmanitost jejich tvarů a barev zaměstnává vlámský samet J. Bruegel neméně než jejich symbolika. 17. století - rozkvět zátiší. Rozmanitost jeho typů a forem v této době souvisí s rozvojem národních malířských škol. Utváření italského zátiší je do značné míry určováno reformami Caravaggia, které vedly umělce k jednoduchým, „nízkým“ motivům a určovaly stylistické rysy malby italských malířů zátiší. Oblíbená témata mistrů italské N. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, G. Recco, G. B. Ruoppolo, E. Baskenis aj.) - květiny, zelenina a ovoce, mořské plody, kuchyňské náčiní, hudební nástroje a knihy. Obecně se italské zátiší vyznačuje rytmickou rozmanitostí kompozic, bohatostí a jasem barev a plastickou expresivitou při zprostředkování objektivního světa. Tradice caravaggismu jsou patrné i ve španělském zátiší s jeho láskou k vytříbené plasticitě formy, kterou odhalují kontrasty šerosvitu. Obrazy věcí (často obyčejných) ve španělském zátiší. se vyznačují vznešenou přísností a zvláštním významem, jakoby odtržením od každodenního života (J. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda aj.). V holandském zátiší se zřetelně projevoval zájem o všední věci, intimitu a často i demokratické obrazy.

Vyznačuje se důrazem na malebný vývoj světelného prostředí, na rozmanitost textur různých materiálů, jemnost tónových vztahů a barevnou strukturu - od nádherně skromné ​​barevnosti „monochromních snídaní“ V. Hedy a P. Klas k intenzivně kontrastním, koloristicky účinným skladbám V. Kalfy („Dezert“). Holandské zátiší vyznačuje se množstvím mistrů, kteří v tomto žánru pracovali, a rozmanitostí typů: kromě „snídaní“ a „dezertů“ „ryby“ (A. Beyeren), „květiny a ovoce“ (J. D. de Heem), „zabité hra“ (J. Venicke, M. Hondekoeter), alegorické zátiší „vanitas“ („marnost marností“) atd. Nizozemská verze výrazu „Zátiší“ – „stilleven“ (původní význam byl „stacionární model ") - vznikl teprve na konci 17. století a sjednotil všechny tyto odrůdy. Vlámské zátiší (hlavně „trhy“, „obchody“, „květiny a ovoce“) se vyznačuje rozsahem svých kompozic: jsou vícesložkové, majestátní a dynamické; to jsou chvalozpěvy na plodnost a hojnost (F. Snyders, J. Veit). V 17. stol Rozvíjelo se i německé (G. Flegel, K. Paudis) a francouzské (L. Vozhen) zátiší. Od konce 17. stol. dekorativní tendence dvorského umění triumfovaly ve francouzském zátiší. Vedle květinového zátiší (J.B. Monnoyer a jeho škola), loveckého N. (A.F. Deporte a J.B. Oudry) se ukázky každodenního zátiší objevují jen občas. Ale v 18. stol. Ve Francii jeden z nejvýznamnějších mistrů zátiší - J. B. S. Chardin, jehož díla vynikají zvláštní hloubkou obsahu, svobodou kompozice a bohatostí barevných řešení. Jeho obrazy světa všedních věcí jsou ve své podstatě demokratické, intimní a humánní, jakoby zahřáté poezií krbu. V polovině 18. stol. vznikl pojem „nature morte“, který odrážel přezíravý postoj k zátiší ze strany akademických kruhů, které upřednostňovaly žánry, jejichž oblastí byla „živá příroda“ ( historický žánr, portrét atd.). Ale pokročilé umění zničilo akademickou hierarchii žánrů, což brzdilo rozvoj zátiší. Byla eliminována kompoziční klišé zátiší a byly přehodnoceny vzory této malířské formy. V 19. stol Osud zátiší určují přední mistři malby, pracující v mnoha žánrech a zapojení zátiší do zápasu mezi estetickým a umělecké nápady(F. Goya ve Španělsku, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet a impresionisté ve Francii, kteří se občas obraceli k zátiší). Ve stejné době 19. stol. Dlouho jsem v zátiší nevyzdvihoval významné mistry specializující se na tento žánr. Na pozadí rutinního salonního zátiší 2. poloviny 19. století. Obecně vynikají tradiční díla Francouze A. Fantina-Latoura a Američana W. Harnetta, kteří jedinečně oživili typ oeil „trompel.“ Vzestup zátiší je spojen s vystoupením mistrů postimpresionismu. , pro kterého se svět věcí stal jedním z hlavních témat Koncem 19. století .výrazové možnosti zátiší až po vyhroceně dramatické vyjádření umělcova společenského a mravního postavení ztělesňuje dílo Holanďana W. .. van Gogh. Plastickou dokonalost malby, věrnou přírodě i vysokým ideálům obrazu, oživuje v zátiší Francouz P. Cezanne.Tento žánr se stává základem jeho tvůrčího konceptu, který měl velký vliv na vývoj zátiší (ale i malby obecně) v umění 20. století Od počátku 20. století je zátiší jakousi tvůrčí laboratoří malby. Ve Francii mistři fauvismu (A. Matisse a další) jdou cestou vyhroceného identifikace emocionálních a dekorativně-expresivních schopností barvy a textury a představitelů kubismu (J. Braque, P. Picasso, H. Gris aj.), využívající analytické schopnosti vlastní specifika zátiší, usilovat o nastolení nových způsobů zprostředkování prostoru a formy. Problémy (či motivy) zátiší přitahují i ​​mistry pozdějších směrů – od umělců, kteří v různé míře spojují orientaci na klasické dědictví s novými objevy v malbě (Picasso ve Francii, A. Kanoldt v Německu, G. Morandi v Itálii), představitelům surrealismu a „pop-artu“, jejichž díla obecně přesahují historicky ustálený žánr nonsensu, realistické tradice nonsensu (často se zdůrazněnou společenskou tendencí) ve 20. století. zastoupena díly D. Rivery a D. Siqueirose v Mexiku, R. Guttusa v Itálii.

Zátiší se v ruském umění objevilo v 18. století. spolu s etablováním sekulární malby, odrážející kognitivní patos doby a touhu pravdivě a přesně zprostředkovat objektivní svět („triky“ G. N. Teplova, P. G. Bogomolova, T. Uljanova aj.). Další vývoj ruského zátiší je epizodický. K mírnému vzestupu došlo v 1. polovině 19. století. (F. P. Tolstoj, škola A. G. Venetsianova, I. T. Khrutsky) je spojena s touhou vidět krásu v malém a obyčejném. Ve 2. pol. 19. stol. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan se jen občas obrací k zátiší skicového charakteru; podobná poloha zátiší v umělecký systém Wanderers vycházeli z jejich představy o dominantní roli zápletky a tematického obrazu. Samostatný význam skici zátiší narůstá na přelomu 19. a 20. století. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Rozkvět ruského zátiší nastal na počátku 20. století. K jeho nejlepší příklady patří: svým původem impresionistická, ale jinak obohacená o nové umělecké směry, díla K. A. Korovina, I. E. Grabara, M. F. Larionova; díla umělců „Světa umění“ (A. Ya. Golovin a další): romantizované, povýšené a ostře dekorativní obrazy P. V. Kuzněcova, N. N. Sapunova, S. Yu Sudeikin, M. S. Saryan a další malíři z okruhu Modrá růže; světlí, plastickí N. mistři „Jack of Diamonds“ (P. P. Končalovskij, I. I. Maškov, A. V. Kuprin, V. V. Rožděstvenskij, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Gončarová) se svým kultem jednoty barvy a formy a patosu samotný proces interpretace přírody[...] 2.

V 17.-18. stol. PROTI Severní Evropa zátiší obsazeno důležité místo. Prostor domu byl kolem něj uspořádán, „řešili“ ho, „hráli“ si s ním. Zátiší se aktivně zapojovalo do vytříbené každodenní kultury baroka, rokoka a klasicismu. A teprve s odezněním „galantního věku“ se role zátiší v každodenním životě stává stále více okrasnou a dekorativní.

Ve vztahu k malbě sehrály jakousi roli slovníku četné emblémové knihy, z nichž se hojně čerpaly symboly. Po emblematickém umění tak vzniká umění zobrazovat jednoduché, každodenní věci obdařené jiným, vznešeným významem. Objevuje se umění zátiší. Nejextrémnější realismus se zde přirozeně snoubí s nejextrémnější alegorií, alegorií. A čím realističtěji jsou předměty zobrazeny, tím zajímavější je jejich sémantická tajemnost pro diváka. Občas můžete slyšet názory na jakékoli „špinavosti“, které do svých obrazů „zatáhli“ holandští mistři zátiší 17.-18. století. Ale to vůbec není „odpad“. Symbolické vidění každodenních předmětů, které nejsou vůbec náhodně shromážděné, nás nutí mluvit vysoká kultura porozumění životu v Nizozemsku, zmítaném náboženskými a ideologickými spory.

V 17. století bylo v Nizozemsku mnoho malířů zátiší. Ale pokud na samém počátku století malby holandských a vlámští mistři měly více společných rysů, pak se koncem století začala objevovat jejich originalita. Díla nizozemských umělců jsou střídmější, barevně vyvážená a je v nich věnována velká pozornost detailu, každé jednotlivé věci. Vlámská díla jsou dynamičtější, jasnější a objekty v nich tvoří komplexní kompozici. A to vůbec není „mrtvá příroda“, ale kypící život.

Různá centra malby zátiší vznikla také v Nizozemsku. V podnikání, buržoazním Haarlemu, se zrodily „snídaně“, v aristokratickém Utrechtu, který je již dlouho známý pěstováním květin, - květinové kytice, v přístavu Haag - bohaté rybí kompozice, v Leidenu (univerzitní město) - „vědecké “ zátiší (tzv. „Vanitas“, věnované křehkosti života).

Na těchto podivné obrázky objekty vyjmuté z reálného okolního prostoru tvořily svůj vlastní neobvyklý a silně symbolizovaný svět. A v tom světě nejsou žádné náhodné předměty. Ještě ve druhé polovině 16. století v Praze na dvoře císaře Rudolfa II., který vášnivě miloval umění, vznikl spolek zvaný „Rudolfinský kruh“. Zahrnoval vědce a astrology, alchymisty, umělce a básníky. Za nejvyšší cíl zde bylo považováno poznání Vesmíru, jeho základních zákonů a věčných spojení mezi světem a člověkem. Velmi brzy se tato společnost stává centrem nového uměleckého hnutí - „manýrismu“. Pro „rudolfinisty“ neexistují žádné „bezvýznamné“ předměty nebo jevy. Důležitý je pohyb planet, let ptáka, pohyb bakterií pod mikroskopem (pouze v té době otevřený) a růst jednoduché polní trávy. A je to umělec, kdo to vše musí na svém plátně sloučit do jediné harmonie.

Ale protože předmět sám, jeho forma a rysy obsahují svůj význam, je nutné přenášet předmět na plátno s velkou opatrností. Tak přirozeně vstupuje do malby „podvod“ – pravdivý obraz předmětu až iluze (nejčastěji hmyz nebo kapky vody), který se koncem 18. století zvrhl v prostý trik.

Přitom ani přesný obraz objektu nebyl vůbec jasně čitelný. Naopak věci, záměrně odpojené od svého obvyklého prostředí, vykazovaly zcela jiný a často opačný význam. Například zátiší s drahocenným nádobím a znamenitým nádobím, která současníci klasifikovali jako „luxusní“, jimi častěji „četli“ jako výzvu, aby se zřekli excesů.

Srovnáme-li symbolické umění zátiší, naplněné rozmarnými významy, s literaturou, pak ze všech literární žánry Nejvhodnější je snad lyrika. Ne nadarmo je poezie již spojována s emblematikou. A ne nadarmo paralelně s rozkvětem zátiší zažívá v Nizozemí 17. století svůj vzestup i lyrická poezie (obzvlášť patrné při srovnání zátiší s tzv. „poezií pro příležitost“, “, který je podrobně popsán malé části každodenní život). A stejně jako nelze zcela racionálně popsat lyrickou báseň, tak není o jednu více ani méně Detailní popis symbolika konkrétního zátiší. Divák je vyzván ke hře – na základě skutečných vlastností předmětu hádat jeho symbolický význam v kompozici sestavené umělcem.

Občas však výtvarník divákovi pomohl. Na Artsenově obraze „Řeznictví“ (1551) je tedy v popředí stůl naložený různými druhy masa, ryb a klobás. V pozadí, v samotných hloubkách, je scéna útěku do Egypta – útěk před vším tím bohatstvím, které přináší nevyhnutelnou smrt.

Často umělec přímo vložil text do obrazu. To se jistě dělo v učených leidenských zátiších „Vanitas“ (latinsky „prázdnota, marnost, zbytečnost, faleš, nesmyslnost“). Citáty z Bible nebo antických autorů se zde staly běžnými, věnované tématu„marnost nad marnostmi“: „Všechno tělo je tráva a všechna jeho krása je jako polní květ“ (z Knihy proroka Izaiáše), „Dny člověka jsou jako tráva, jako polní květ, tak kvete“ (z žaltáře), „Kdo prošel kolem růží, už ji nehledej“ (z Horatia). Text byl umístěn buď v krásné kartuši, nebo byl pečlivě napsán na opotřebovaný list papíru (starověk se stal synonymem autenticity), nebo byl umístěn na otevřenou stránku starověkého svazku, nebo tvořil název knihy, která měla byl hozen náhodou.

A každý předmět na obrázku pak odpovídá textu: růže, divoké květiny, hmyz jsou tradičním symbolem krátké lidské existence a motýli a vážky jsou symbolem spásy duše. Postupně byly pro takováto zátiší vybírány zvláště významné předměty. Přesýpací hodiny připomínaly pomíjivost života, kytice květin - blednutí a pomíjivosti, kouřící lampy, dýmky - krátkého trvání a královské klenoty - všechno bohatství, které si nemůžete vzít s sebou do jiného života. Obzvláště výrazná byla lidská lebka - živý symbol křehkých, prázdných (nebo napůl vypitých) sklenic, označujících křehkost lidské existence, a pahýl svíčky - symbol vyhaslého života.

V zátiších „Vanitas“ jsou často „nahodilé“ rozptýlení starých knih (minulé éry), měřicích přístrojů (již nepotřebných), fléten a houslí („jejich zvuk je tak krásný a pomíjivý“). Ve francouzských zátiších se objevují postavy vyfukující mýdlové bubliny – lidský život je přirovnáván k nejtenčím a nejnevěrnějším bublinám. A v Anglii se po roce 1649 v mnoha „Vanitas“ objevily portréty popraveného Karla I. Stuarta - smrt tohoto krále jen potvrdila myšlenku křehkosti pozemského štěstí a vratkosti pozemské moci.

Květiny a bylinky velmi často slouží jako symbol smrtelnosti. Zvláště pokud jsou květiny a bylinky divoké. Umístěny na pozadí prázdného okenního otvoru ještě více zdůrazňují beznaděj. Někdy jsou listy květů sežrány hmyzem a poblíž jsou rozptýleny prázdné skořápky nebo ořechy.

Ve skutečnosti byla květinová zátiší rozdělena na „věnce“ a „kytice“. "Girlandy" jsou obzvláště obtížné pochopit. Slavní mistři psali v žánru „věnce“ - J. Bruegel Velvetny, D. Segers, J.D. de Hem. Zvláštní slávu v tomto oboru získal mnich jezuitského řádu otec D. Seghers. Na znamení obdivu k jeho umění mu korunované evropské hlavy věnovaly drahé dary - zlatý kříž s alegorickými postavami ze smaltu, zlaté kosti a zlatou paletu atd. Básníci věnovali básně květinám, které maloval.

Věnec obtočený kolem centrálního obrazu (a mohl být velmi odlišný, nejčastěji to byl portrét jiných mistrů) připomínal slavný symbol Věčnosti - hada propleteného kolem okřídlených hodin. Proto měly takové skladby oslavný význam. Do samotné girlandy byly vetkány bílé lilie a klasy chleba, tradičně spojované s Kristem nebo Marií a hovořící o čistotě oslavovaného. Kromě toho zde mnoho věcí symbolizovalo roční období: květiny - jaro, klasy a ovoce - léto, hrozny a zelenina - podzim, citrony - zima („všechno se mění, jen dobrá paměť zůstává nezměněna“).

Řeč květin, kterou si renesance vypůjčila ze středověké symboliky, byla v 17. století srozumitelná téměř každému vzdělanému aristokratovi. A proto byly girlandy snadno „čtené“ publikem. Sněženky, pomeranče, růže a kosatce byly zasvěceny Matce Boží; její odvolání ke Kristu bylo symbolizováno tulipány; větev bodláku - umučení Kristovo; triumf nebeské lásky často vyjadřoval narcista.

Girlandy se neomotávají pouze kolem portrétů. Často jsou to hodiny, eucharistický pohár, sklenice vína a dokonce kartuše s textem. Někdy je malý věnec umístěn přímo v poháru. Tato kompozice sahá až k jednomu ze slavných emblémů: číši s širokou mísou naplněnou vínem, ve které se vznáší květinový věnec. Nápis zněl: "Proč nepřemýšlíš o osudu smrtelníků?" Slavnostní girlanda je tedy ve svém významu spojena s „Vanitas“.

Zátiší v podobě kytic (ve váze, džbánu nebo prostě na stole) byla většinou složena ze tří druhů. A hlavní důraz na obrázku padl na různé předměty. V radiální kompozici (stonky květu se vějířovitě rozevírají z jednoho bodu) je hlavním obrazem květ umístěný v místě, kde se stonky sbíhají. Kompozice druhého typu, jako koberec, vyplňují celý prostor plátna. Poté se buduje vertikální hierarchie barev a jejich významů. Třetí varieta je kompozičně zabudována do figury trojúhelníku. Zde nejvýznamnější květina slouží jako centrální osa a zbývající květiny jsou symetricky seskupeny kolem ní. Přísná symetrie je však brzy narušena a ta, kterou vyvinul Ya.D., se stává oblíbenou. de Hem Kytice ve tvaru písmene S s půvabnými kadeřemi, předvídající rokokový styl.

Nechybí dokonce ani unikátní ikonografické schéma s jasným rozdělením do prostorových zón. Dole v blízkosti vázy jsou obvykle známky křehkosti - rozbité nebo uschlé květiny, rozpadající se okvětní lístky, prázdné skořápky, housenky, mouchy; ve středu - symboly skromnosti a čistoty (průměrná umírněnost), obklopené svěžími krátkodobými květinami (konvalinky, fialky, pomněnky, brambořík obklopený růžemi, karafiáty, sasanky atd.); Kompozice je korunována velkým květem, který má často pozitivní význam, jakousi korunou ctnosti (a dokonce obklopenou motýly a vážkami). Samotná váza byla přirovnávána ke křehké nádobě, ale mohla mít také výklad těla jako „nádobu ohavnosti a hříchu“.

Četné skleněné, křišťálové a hliněné nádoby s květinami i bez nich byly vnímány jako něco křehkého, nevěrného, ​​připraveného k rozbití. Drahé lodě tento pocit jen zdůrazňovaly a nesly další význam marnosti bohatství. Obsah nádob byl interpretován různě. Voda je tématem křtu, očisty, víno je tématem přijímání. Víno, zvláště nedopité, však mohlo symbolizovat jak život ne zcela prožitý, tak i pozůstatek zbytečného luxusu.

Téměř vždy květinová zátiší doplňovaly předměty rozházené na stole. Nejčastěji se jedná o prázdné skořápky - znamení prázdných tělesných potěšení. Plod citronu, který je zvenku krásný, ale uvnitř kyselý. Vejce je tradičním znamením vzkříšení. Trhavý plod granátového jablka je symbolem plodnosti, Krista a jeho smírné oběti. Jahody jsou znamením světského potěšení a pokušení. A to vše dohromady (květiny, nádoby, předměty) sloužilo jedinému nápadu.

V polovině 17. století se rozšířila zejména zátiší s vyobrazením plazů a obojživelníků. Jejich přítomnost v zátiší vyvrací jeho význam jako „mrtvá přirozenost“. Spíše se sem hodí jeho holandský název – „stilleven“ („tichý, nehybný život“).

Nejčastěji je tvořili italští malíři. Holanďané mají ale také ještěrky a hady lezoucí v hrubé trávě. To vůbec není malířova záliba v plazech. Je to tak, že had je již dlouho symbolem klamu a zla a tráva - křehká lidská existence. Často byly do trávy umístěny atraktivní bobule - „potěšení je plné zla“. Myši, žáby a ježci byli také považováni za ďábelská zvířata a často byli zobrazováni místo hadů. Oblíbeným zvířecím tématem byl obrázek hada, který chytal motýla. Tak zlo pohltí veškerou naději na spasení.

Většinu zástupců fauny zátiší tvoří hmyz. Důležité zde existuje tradiční představa o třech fázích existence (pozemská existence, smrt, posmrtný život duše). Nejvýraznějším ztělesněním těchto myšlenek v zátiších byl obraz housenky, kukly a motýla. Obraz motýla připraveného vyletět ze své ulity byl tedy jasně „čten“ jako „duše opouštějící smrtelné tělo“. Stejnou antinomii života a smrti zobrazoval motýl vedle housenky nebo hlemýždě. Moucha nebo pavouk byli považováni za symbol zla, smrti, hříchu a lakomosti. Proto je muška sedící na jablku nebo broskvi tradičně spojena s tématem Pádu.

Z větších zvířat symbolizovala například veverka tvrdou práci, bez níž se neobejde pozemská požehnání. Ale někdy mohla také představovat lehkovážnost. Zajíc je „připomenutím sluchu, citlivosti, hojnosti, bázlivosti, bázlivosti, strachu“. Raci nebo humři jsou peripetiemi světa, ale také moudrostí, rozvážností a pomalostí. Často se vyskytuje obraz papouška. Na rozdíl od všeobecného přesvědčení byl tento pták ve středověku přirovnáván ke spravedlivému a symbolizoval výmluvnost, vděčnost nebo představoval věřícího. Opice byla vnímána jako zvíře, které napodobovalo lidské jednání a symbolizovalo různé neřesti, hříšníka a dokonce i samotného ďábla. Ona, svázaná nebo připoutaná, je závislá na neřestech a světských záležitostech. Pokud se opice podívala do zrcadla, bylo to vnímáno jako obraz marnosti.

Často kočka vstupuje do světa zátiší. Za pozitivní vlastnosti Toto zvíře - mrštnost a touha po svobodě - bylo často zasvěceno Matce Boží (zejména s pruhem v podobě kříže na zádech). Ale obvykle bylo toto zvíře spojováno s temnými silami a magií. Již ve středověku kočka symbolizovala ďábla a myš zase duši, neustále vystavenou nebezpečí. V moderní době byla kočka, zvláště ta, která svými drápy sebrala velký kus masa, neustálou připomínkou tělesných potěšení. Proto jsou tak charakteristické (zejména pro Snyderse a jeho školu) obrázky koček, rozrušený při pohledu na stůl plný ryb a zvěřiny. Pes je naopak jako protiklad kočky – věrný strážce, který se snaží zahnat zlodějské zvíře od bohatého stolu.

Do okruhu smrti v zátiších bezesporu patří četné zlaté a stříbrné předměty (vázy, poháry, ozdobné předměty), ale i symboly moci (královské koruny, žezla). Umělcův upřímný obdiv k nádherným raritám se dokonale snoubí s moralizováním. Někdy, zejména v pozdějších zátiších, se do malířova zorného pole dostávají i drobné plastiky. To je nepochybně pole mytologických postav. Satyr skloněný pod tíhou hodin je čas, porážející v člověku ďábelský, tělesný princip; Merkur zouvá boty - klid od marných pozemských starostí atd. 3.

Jako specifický druh či žánr malby zná zátiší svůj vzestup a pád v dějinách umění.

Drsné, intenzivně asketické umění Byzance, vytvářející nesmrtelné, monumentálně zobecněné, vznešeně hrdinské obrazy, využívalo obrazy jednotlivých předmětů s mimořádnou expresivitou.

Ve starověké ruské ikonomalbě sehrálo velkou roli i těch pár předmětů, které umělec zavedl do svých přísně kanonických děl. Přinášely spontánnost, vitalitu a někdy působily jako otevřené vyjádření citu v díle věnovaném abstraktní mytologické zápletce.

Ještě větší roli hrálo zátiší na obrazech umělců 15. - 16. století v období renesance. Malíř, který poprvé bedlivě sledoval svět kolem sebe, se snažil naznačit místo a určit hodnotu každé věci, která slouží člověku. Domácí potřeby získaly vznešenost a hrdý význam svého majitele, toho, komu sloužily. Na velkých plátnech zaujímalo zátiší obvykle velmi skromné ​​místo: skleněná nádoba s vodou, elegantní stříbrná váza nebo jemné bílé lilie na tenkých stoncích často schoulené v rohu obrazu. V zobrazení těchto věcí však bylo tolik poetické lásky k přírodě, jejich význam byl tak vysoce zduchovněn, že již zde jsou vidět všechny rysy, které později určovaly samostatný vývoj celého žánru.

Předměty a hmotné prvky dostaly v malbě nový význam v 17. století - v éře rozvinutého žánru zátiší. Ve složitých skladbách s literární zápletkou zaujali své místo spolu s dalšími hrdiny díla. Při analýze děl této doby je vidět, jakou důležitou roli v malbě začalo hrát zátiší. Věci se v těchto dílech začaly objevovat jako hlavní postavy, ukazující, čeho může umělec dosáhnout, když věnuje své dovednosti tomuto druhu umění.

Předměty vyrobené zručnými, pracovitými a moudrými rukama nesou otisk myšlenek, tužeb a sklonů člověka. Slouží mu, těší ho a inspirují ho oprávněným pocitem hrdosti. Ne nadarmo se o epochách, které už dávno zmizely z povrchu zemského, dozvídáme z těch úlomků nádobí, domácího náčiní a rituálních předmětů, které se pro archeology stávají roztroušenými stránkami lidské historie.

Nahlížení do svět, pronikající zvídavou myslí do jeho zákonitostí, odhalující fascinující tajemství života, umělec jej plněji a komplexněji odráží ve svém umění. Nejen, že zobrazuje svět kolem sebe, ale také vyjadřuje své porozumění, svůj postoj k realitě.

Dějiny utváření a vývoje různých žánrů malby jsou živým dokladem neúnavné práce lidského vědomí, snažícího se obsáhnout nekonečnou rozmanitost činností a esteticky je pojmout.

Zátiší je poměrně mladý žánr. Samostatný význam v Evropě získal až v 17. století. Historie vývoje zátiší je zajímavá a poučná.

Obzvláště plně a jasně vzkvétalo zátiší ve Flandrech a Nizozemsku. Jeho vznik souvisí s těmi revolučními historickými událostmi, v jejichž důsledku tyto země po získání nezávislosti vstoupily počátkem 17. století na cestu buržoazního rozvoje. Pro Evropu to byl v té době významný a progresivní jev. Umění se otevřely nové obzory. Historické podmínky, nové vztahy s veřejností usměrněné a určené tvůrčí požadavky, změny v řešení problémů, kterým malíř čelí. Bez přímého znázornění historické události, umělci nový pohled na svět, našli nové hodnoty v člověku. Život, každodennost, se před nimi objevil s dosud neznámým významem a úplností. Přitahovaly je vlastnosti národní život, původní příroda, věci, které nesou otisk děl a dnů obyčejných lidí. Právě odtud, z vědomého, hloubkového zájmu o život lidí, podníceného samotným systémem, vznikly samostatné a nezávislé žánry každodenní malby, krajiny a zátiší.

Umění zátiší, které se rozvinulo v 17. století, určilo hlavní kvality tohoto žánru. Obraz, věnovaný světu věcí, vyprávěl o základních vlastnostech předmětů obklopujících člověka, odhaloval postoj umělce a jeho současníka k tomu, co je zobrazeno, a vyjadřoval povahu a úplnost poznání reality. Malíř zprostředkoval hmotnou existenci věcí, jejich objem, váhu, texturu, barvu, funkční hodnotu předmětů v domácnosti, jejich živou souvislost s lidskou činností.

Krásu a dokonalost domácích potřeb určovala nejen jejich nutnost, ale také zručnost jejich tvůrce. Zátiší revoluční éry vítězné buržoazie odráželo umělcovu úctu k novým formám národního života jeho krajanů a úctu k práci.

Formulováno v 17. století, úkoly žánru v obecný obrys existovala v evropské škole až do poloviny 19. století. To však neznamená, že si umělci nekladli nové úkoly a mechanicky opakovali hotová řešení.

V průběhu epoch se měnily nejen metody a metody malby zátiší, ale hromadila se umělecká zkušenost a v procesu utváření se vyvinul komplexnější a neustále obohacující pohled na svět. Předmětem reinkarnace se stal ne jeden předmět jako takový, ale jeho různé vlastnosti a prostřednictvím odhalení nově pochopených kvalit věcí se projevil vlastní, moderní postoj k realitě, přehodnocení hodnot, míra chápání reality.

Renesanční zátiší

Na konci renesance v severní Evropě se zátiší změnilo z dekorativního žánru na filozofický výrok v barvách

XVI-XVIII století - Zlatý čas v dějinách evropského zátiší. V těch letech bylo dvě hlavní umělecké školy, který se specializoval na zobrazování květin, ovoce a předmětů - vlámský a holandský, - kterými se řídili mistři z jiných zemí. Navzdory skutečnosti, že Flandry (Belgie) a Holandsko byly sousední státy, jejich malíři investovali jiný význam v zobrazení „mrtvé přírody“ (jak se zátiší nazývalo ve Flandrech), nebo „ Tichý život"(tak tomu říkali v Nizozemsku).

hlavním cílem nizozemští mistři- vyjádřit myšlenku „marnosti marností“, křehkosti všech věcí, blízkosti smrti. Tato témata nejvíce znepokojovala protestantské teology. Proto v zátiších holandských umělců často vidíme lebku, zhaslou svíčku a zastavené hodiny. To vše rámují vlčí máky – symboly věčný spánek, narcisy - symboly pomíjivosti života, fialky - symboly křehkosti krásy ad.

Ve Flandrech všechno bylo naopak. Na rozdíl od protestantského Nizozemska zažívala Belgie katolické probuzení a úkolem důstojným umělce nebylo popření, ale potvrzení a oslava Božího stvoření. Jak řekl německý mystik Paracelsus: "Slovy, rostlinami a kameny je Bůh všude." Proto je vlámské zátiší oslavou života, triumfem dokonalé přírody. Frans Snyders, kolega a soudruh Rubens, je považován za virtuosa tohoto žánru. V letech 1618–1621 namaloval čtyři plátna pod obecným názvem „Obchody“: „Obchod s rybami“, „Obchod s hrami“ (zabitá drůbež), „Obchod se zeleninou“ a „Obchod s ovocem“, která jsou nyní uložena v Ermitáži. Podle Olgy Prokhorové, pracovnice muzea, kandidátky dějin umění, jde o encyklopedii vlámského zátiší s hlavními alegorickými tématy - „Roční období“, „Pět smyslů“ (chuť, sluch, čich, hmat, zrak) a „Čtyři živly“ (vzduch, voda, oheň, země). „Ovocný obchod“ je nejbohatší na symboly. „Around the World“ je dešifruje.

Foto zátiší

Zátiší, žánr výtvarného umění

Zátiší ( francouzsky nature morte , italsky natura morta , doslova - mrtvá příroda ; holandsky stilleven , německy Stilleben , anglicky still life , doslovně - tichý nebo nehybný život ), žánr výtvarného umění (hlavně stojanová malba), který se věnuje zobrazování věcí obklopujících člověka, umístěných zpravidla v reálném každodenním prostředí a kompozičně organizovaných do jediné skupiny. Zvláštní organizace motivu (tzv. inscenace) je jednou z hlavních součástí figurativního systému žánru zátiší.

Kromě neživých předmětů (např. domácích potřeb) zobrazuje zátiší předměty živé přírody, izolované od přírodních souvislostí, a tím proměněné ve věc - ryby na stole, květiny v kytici apod. Hlavní motiv doplňuje tzv. zátiší může obsahovat obrazy lidí, zvířat, ptáků, hmyzu. Zobrazování věcí v zátiší má samostatný výtvarný význam, i když v procesu vývoje často sloužilo k vyjádření symbolického obsahu, řešení dekorativních problémů nebo přesného zachycení objektivního světa v přírodopisu apod. Přitom zátiší život může charakterizovat nejen věci samy o sobě, ale také sociální status, obsah a životní styl jejich majitele dávají vzniknout četným asociacím a společenským analogiím.

Zátiší (freska z Pompejí). 63-79, Neapol. Národní galerie Capodimonte

Divadelní masky. II století Mozaika z Hadriánovy vily v TIVOLI. Uchováváno v Kapitolském muzeu v Římě.

Motivy zátiší jako detaily kompozic nacházíme již v umění starověkého východu a antiky, některé jevy ve středověkém umění jsou částečně srovnatelné se zátiším Dálný východ(např. žánr tzv. „flowers-birds“), ale ke zrodu zátiší jako samostatného žánru dochází až v moderní době, kdy se v dílech italských a zejména holandských mistrů renesance začala věnovat pozornost materiálnímu světu. , ke svému konkrétnímu, smyslovému obrazu se rozvíjí Historie zátiší jako žánru malířského malířského stojanu, a zejména jeho typu "trompe l"oeil" (tzv. trompe l'oeil), se otevírá iluzionisticky přesně obnova předmětů „Zátiší“ od Itala Jacopa de Barbariho (1504) K rozšíření žánru zátiší dochází ve 2. polovině 16. století – začátek XVII století, což bylo usnadněno přírodovědnými sklony charakteristickými pro tuto dobu, zájmem o umění o každodenní život a soukromý život člověka, jakož i samotným rozvojem metod uměleckého zkoumání světa (díla Holanďana P. Aertsen, Vlámský J. Bruegel Velvetny atd.).

Doba rozkvětu zátiší - 17. století. Rozmanitost jeho typů a forem v této době souvisí s rozvojem národních realistických malířských škol. V Itálii a Španělsku byl vzestup malby zátiší značně usnadněn dílem Caravaggia a jeho následovníků (viz caravaggismus). Oblíbenými náměty zátiší byly květiny, zelenina a ovoce, mořské plody, kuchyňské náčiní aj. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, G. Recco, G. B. Ruoppolo, E. Baskenis aj.). Španělské zátiší se vyznačuje vznešenou přísností a zvláštním významem v zobrazování věcí (X. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda aj.). V holandském zátiší se zřetelně projevoval zájem o všední věci, intimitu a často i demokratické obrazy. Vyznačuje se mimořádnou pozorností k přenosu světelného prostředí, pestrou texturou materiálů, jemností tonálních vztahů a barevnou strukturou - od nádherně střídmé barevnosti „monochromatických snídaní“ V. Khedy a P. Klase až po intenzivně kontrastní, koloristicky efektní kompozice V. Kalfa („dezerty“)“. holandský stálý život vyznačuje se množstvím různých typů tohoto žánru: „ryby“ (A. Beyeren), „květiny a ovoce“ (J. D. de Heem), „mrtvá hra“ (J. Wenicke, M. Hondekoeter), alegorické zátiší „vanitas “ („marnost marností“) atd. Vlámská zátiší (hlavně „trhy“, „obchody“, „květiny a ovoce“) se vyznačují rozsahem a zároveň dekorativností kompozic: jsou to hymny na plodnost a hojnosti (F. Snyders, J. Veit), V XVII století Rozvíjelo se také německé (G. Flegel, K. Paudis) a francouzské (L. Bozhen) zátiší. S konec XVII PROTI. ve francouzském zátiší triumfovaly dekorativní tendence dvorského umění („květiny“ J. B. Monnoyera a jeho školy, lovecké zátiší A. F. Deporte a J. B. Oudry). Na tomto pozadí vynikají díla jednoho z nejvýznamnějších mistrů francouzského zátiší J. B. S. Chardina nefalšovanou lidskostí a demokracií, vyznačující se přísností a svobodou kompozic a jemností koloristických řešení. V polovině 18. stol. V období definitivního formování akademické hierarchie žánrů vznikl pojem „nature morte“, který odrážel přezíravý postoj k tomuto žánru příznivců akademismu, kteří upřednostňovali žánry, jejichž oblastí byla „živá příroda“ (historický žánr , portrét atd.).

V 19. stol Osud zátiší určovali přední mistři malby, kteří pracovali v mnoha žánrech a zapojili zátiší do boje estetické názory a umělecké myšlenky (F. Goya ve Španělsku, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet ve Francii). Mezi mistry 19. století, kteří se na tento žánr specializovali, vynikají také A. Fantin-Latour (Francie) a W. Harnett (USA). Nový vzestup malby zátiší byl spojen s vystoupením mistrů postimpresionismu, pro které se svět věcí stal jedním z hlavních témat (P. Cezanne, V. van Gogh). Od počátku 20. stol. stálý život je jakousi laboratoří kreativní malby. Ve Francii jdou mistři fauvismu (A. Matisse a další) cestou zvýšené identifikace emocionálních a dekorativně-výrazových možností barvy a textury a představitelé G. Morandi v Itálii, S. Lucian v Rumunsku, B. Kubista a E. Filla v ČR atd.). Sociální trendy v zátiší 20. století reprezentují díla D. Rivery a D. Siqueirose v Mexiku, R. Guttusa v Itálii.

V ruském umění stálý život se objevil v 18. století. spolu s etablováním sekulární malby, odrážející kognitivní patos doby a touhu pravdivě a přesně zprostředkovat objektivní svět („triky“ G. N. Teplova, P. G. Bogomolova, T. Uljanova aj.). Další vývoj ruského zátiší po značnou dobu byl epizodický. Její mírný vzestup v první polovině 19. století. (F. P. Tolstoj, škola A. G. Venetsianova, I. T. Khrutsky) je spojena s touhou vidět krásu v malém a obyčejném. V druhé polovině 19. stol. ke skice zátiší, malba V.D. Samostatný význam náčrtu zátiší se zvyšuje přelomu 19. století a 20. století (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Rozkvět ruského zátiší nastal na počátku 20. století. Mezi jeho nejlepší příklady patří impresionistická díla K. A. Korovina, I. E. Grabara; díla umělců ze „světa umění“ (A. Ya. Golovin a další) nenápadně rozehrávající historickou a každodenní povahu věcí; ostře dekorativní obrazy P. V. Kuzněcova, N. N. Sapunova, S. Ju. Sudeikina, M. S. Sarjana a dalších, I. I. Maškova, A. V. Kuprina, V. V. Rožděstvenského, A. V. Lentulova, R. R. Falka, N. S. Gončarové). Sovětské zátiší, rozvíjející se v souladu s uměním socialistického realismu, je obohaceno o nový obsah. Ve 20-30 letech. zahrnuje filozofické chápání moderny v kompozičně vyhrocených dílech (K. S. Petrov-Vodkin), tematických „revolučních“ zátiších (F. S. Bogorodskij a další) a pokusy znovu hmatatelně nalézt „věc“, kterou odmítli tzv. -bezobjektoví lidé. prostřednictvím experimentů v oblasti barev a textur (D. P. Shterenberg, N. I. Altman) a plnokrevným oživením barevného bohatství a rozmanitosti objektivního světa (A. M. Gerasimov, Končalovskij, Maškov, Kuprin. Lentulov, Saryan , A. A . Osmerkin aj.), stejně jako hledání jemné koloristické harmonie, poetizace světa věcí (V.V. Lebeděv, N.A. Tyrsa aj.). Ve 40-50 letech. Stylově výrazně různorodá zátiší odrážející podstatné rysy moderní doby vytvořili P. V. Kuzněcov, Ju. I. Pimenov aj. V 60.-70. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich aktivně pracují v zátiší. Mezi mistry zátiší ve svazových republikách vynikají A. Akopyan v Arménii, T. F. Narimanbekov v Ázerbájdžánu, L. Svemp a L. Endzelina v Lotyšsku, N. I. Kormashov v Estonsku. Tendence ke zvýšené „objektivitě“ obrazu, estetizace světa věcí kolem člověka vedla u mladých umělců 70. a počátku 80. let k zájmu o zátiší. (Ya. G. Anmanis, A. I. Achalcev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis aj.).

Lit.: B. R. Vipper, Problém a vývoj zátiší. (Život věcí), Kazaň, 1922; Yu.I. Kuzněcov, Západoevropské zátiší, L.-M., 1966; M. M. Rakova, ruské zátiší konec XIX- počátek 20. století, M., 1970; I. N. Pružan, V. A. Pushkarev, Zátiší v ruském a sovětském malířství. L.,; Yu, Ya Gerchuk, Living Things, M., 1977; Zátiší v evropském malířství 16. - počátku 20. století. Katalog, M., 1984; Sterling Ch., La nature morte de l'antiquité a nos jours, P., 1952; Dorf B., Úvod do malby zátiší a květin, L., 1976; Ryan A., Techniky malby zátiší, L. , 1978.

Renesance (renesance). Itálie. XV-XVI století. Raný kapitalismus. Zemi vládnou bohatí bankéři. Zajímají se o umění a vědu.

Bohatí a mocní kolem sebe shromažďují talentované a moudré. Básníci, filozofové, umělci a sochaři vedou denně rozhovory se svými patrony. V určitém okamžiku se zdálo, že lidem vládnou moudří muži, jak chtěl Platón.

Vzpomněli jsme si na staré Římany a Řeky. Vybudovali také společnost svobodných občanů, kde hlavní hodnotou jsou lidé (samozřejmě nepočítaje otroky).

Renesance není jen kopírováním umění starověkých civilizací. Toto je směs. Mytologie a křesťanství. Realismus přírody a upřímnost obrazů. Krása fyzická i duchovní.

Byl to jen záblesk. Doba vrcholné renesance je přibližně 30 let! Od roku 1490 do roku 1527 Od počátku rozkvětu Leonardovy kreativity. Před vypleněním Říma.

Přelud ideálního světa rychle zmizel. Itálie se ukázala jako příliš křehká. Brzy ji zotročil jiný diktátor.

Těchto 30 let však určilo hlavní rysy evropského malířství na 500 let dopředu! Až do .

Realismus obrazu. Antropocentrismus (kdy středem světa je člověk). Lineární perspektiva. Olejové barvy. Portrét. Scenérie…

Je neuvěřitelné, že za těchto 30 let jich vytvořili několik brilantní mistři. Jindy se rodí jednou za 1000 let.

Leonardo, Michelangelo, Raphael a Tizian jsou titáni renesance. Nemůžeme ale nezmínit jejich dva předchůdce: Giotta a Masaccia. Bez kterých by nebyla renesance.

1. Giotto (1267-1337)

století XIV. protorenesance. Jeho hlavní postavou je Giotto. Toto je mistr, který sám o sobě způsobil revoluci v umění. 200 let před vrcholnou renesancí. Kdyby nebylo jeho, sotva by přišla éra, na kterou je lidstvo tak hrdé.

Před Giottem tam byly ikony a fresky. Byly vytvořeny podle byzantských kánonů. Tváře místo tváří. Ploché postavy. Nedodržení proporcí. Místo krajiny je zlaté pozadí. Jako například na této ikoně.

A najednou se objeví fresky od Giotta. Na ně objemové údaje. Tváře vznešených lidí. Starý a Mladý. Smutný. Truchlivý. Překvapený. Odlišný.

Fresky od Giotta v kostele Scrovegni v Padově (1302-1305). Vlevo: Oplakávání Krista. Uprostřed: Jidášův polibek (fragment). Vpravo: Zvěstování svaté Anně (Matce Marii), fragment.

Giottovým hlavním dílem je cyklus jeho fresek v kapli Scrovegni v Padově. Když se tento kostel otevřel farníkům, proudily do něj davy lidí. Nikdy nic takového neviděli.

Giotto totiž dokázal něco nevídaného. Překládal biblické příběhy do jednoduchého, srozumitelného jazyka. A staly se mnohem dostupnějšími obyčejní lidé.

To je přesně to, co bude charakteristické pro mnoho mistrů renesance. Lakonické obrázky. Živé emoce postav. Realismus.

Přečtěte si více o mistrových freskách v článku.

Giotto byl obdivován. Jeho inovace se ale dále nerozvíjela. Móda pro mezinárodní gotiku přišla do Itálie.

Teprve po 100 letech se objeví důstojný nástupce Giotta.

2. Masaccio (1401-1428)

Počátek 15. stol. Takzvaný Raná renesance. Na scénu vstupuje další inovátor.

Masaccio byl prvním umělcem, který použil lineární perspektivu. Navrhl jej jeho přítel, architekt Brunelleschi. Nyní se zobrazovaný svět stal podobným tomu skutečnému. Architektura hraček je minulostí.

Přijal Giottův realismus. Na rozdíl od svého předchůdce však již dobře znal anatomii.

Místo hranatých postav má Giotto krásně postavené lidi. Stejně jako staří Řekové.

Masaccio nežil dlouhý život. Zemřel, stejně jako jeho otec, nečekaně. Ve 27 letech.

Měl však mnoho následovníků. Mistři další generacešel do kaple Brancacci studovat z jeho fresek.

Masacciovu inovaci tedy převzali všichni velcí umělci vrcholné renesance.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci je jedním z titánů renesance. Měl obrovský vliv na vývoj malířství.

Byl to da Vinci, kdo pozvedl postavení samotného umělce. Díky němu už zástupci této profese nejsou jen řemeslníci. Jsou to tvůrci a aristokraté ducha.

Leonardo udělal průlom především v portrétování.

Věřil, že nic by nemělo odvádět pozornost od hlavního obrazu. Pohled by neměl bloudit od jednoho detailu k druhému. Tak se objevily jeho slavné portréty. Lakonický. Harmonický.

Leonardova hlavní inovace spočívá v tom, že našel způsob, jak udělat obrazy... živé.

Před ním vypadaly postavy na portrétech jako figuríny. Linky byly jasné. Všechny detaily jsou pečlivě nakresleny. Malovaná kresba nemohla být živá.

Leonardo vynalezl metodu sfumato. Zastínil čáry. Udělal přechod ze světla do stínu velmi jemný. Zdá se, že jeho postavy jsou pokryty sotva znatelným oparem. Postavy ožily.

Sfumato bude zahrnuto do aktivního slovníku všech velkých umělců budoucnosti.

Často existuje názor, že Leonardo je samozřejmě génius, ale nevěděl, jak nic dokončit. A často jsem obrazy nedokončil. A mnoho jeho projektů zůstalo na papíře (mimochodem ve 24 svazcích). A obecně byl vržen buď do medicíny, nebo do hudby. Jeden čas jsem se dokonce zajímal o umění sloužit.

Myslete však sami. 19 obrazů - a je to největší umělec všech dob. A někdo se velikostí ani nepřibližuje, přesto za svůj život namaloval 6000 pláten. Je zřejmé, kdo má vyšší účinnost.

O sobě slavný obraz přečtěte si mistra v článku.

4. Michelangelo (1475-1564)

Michelangelo se považoval za sochaře. Ale byl univerzálním mistrem. Stejně jako jeho další renesanční kolegové. Proto jeho obrazové dědictví není o nic méně grandiózní.

Je rozpoznatelný především podle fyzicky vyvinutých postav. Ztvárnil dokonalého muže, v němž fyzická krása znamená krásu duchovní.

Proto jsou všichni jeho hrdinové tak svalnatí a odolní. Dokonce i ženy a staří lidé.

Michelangelo. Fragmenty fresky “ Poslední soud“ v Sixtinské kapli ve Vatikánu.

Michelangelo často maloval postavu nahou. A pak navrch přidal oblečení. Tak, aby tělo bylo co nejvíce vytvarované.

Strop Sixtinské kaple maloval sám. I když jde o několik stovek čísel! Nikomu nedovolil ani otírat barvu. Ano, byl nespolečenský. Měl tvrdou a hádavou povahu. Ale hlavně byl nespokojený... sám se sebou.

Michelangelo žil dlouhý život. Přežil úpadek renesance. Pro něj to byla osobní tragédie. Jeho pozdější díla jsou plná smutku a smutku.

Michelangelova tvůrčí cesta je obecně jedinečná. Jeho raná díla jsou oslavou lidského hrdiny. Svobodní a odvážní. V nejlepších tradicích starověkého Řecka. Jak se jmenuje David?

V posledních letech života jsou to tragické obrazy. Záměrně hrubě opracovaný kámen. Jako bychom se dívali na pomníky obětem fašismu 20. století. Podívejte se na jeho Pietu.

Michelangelovy sochy na Akademii výtvarných umění ve Florencii. Vlevo: David. 1504 Vpravo: Palestrinova Pietà. 1555

Jak je tohle možné? Jeden umělec za jeden život prošel všemi etapami umění od renesance až po 20. století. Co by měly dělat následující generace? Jděte svou vlastní cestou. Uvědomění si, že laťka je nastavena hodně vysoko.

5. Rafael (1483-1520)

Raphael nebyl nikdy zapomenut. Jeho genialita byla vždy uznávána: za života i po smrti.

Jeho postavy jsou obdařeny smyslnou, lyrickou krásou. Je to on, kdo je právem považován za nejkrásnější ženské obrázky kdy byly vytvořeny. Vnější krása také odráží duchovní krásu hrdinek. Jejich mírnost. Jejich oběť.

Fjodor Dostojevskij řekl slavná slova „Krása zachrání svět“. Tohle byl jeho oblíbený obraz.

Smyslové obrazy však nejsou jediné silný bod Raphael. Velmi pečlivě promýšlel kompozice svých obrazů. V malířství byl nepřekonatelným architektem. Navíc vždy našel to nejjednodušší a nejharmoničtější řešení v uspořádání prostoru. Zdá se, že to ani jinak nejde.

Raphael žil pouhých 37 let. Zemřel náhle. Z nachlazení a lékařské chyby. Jeho odkaz je ale těžké přeceňovat. Mnoho umělců zbožňovalo tohoto mistra. A znásobili jeho smyslné obrazy v tisících svých pláten..

Tizian byl nepřekonatelný kolorista. Hodně experimentoval i s kompozicí. Obecně byl odvážným inovátorem.

Všichni ho milovali pro takovou brilantnost jeho talentu. Říká se mu „král malířů a malíř králů“.

Když už mluvíme o Tizianovi, chci za každou větou dát vykřičník. Ostatně právě on vnesl do malby dynamiku. Patos. Nadšení. Světlá barva. Lesk barev.

Ke konci života vyvinul neobvyklou techniku ​​psaní. Tahy jsou rychlé a husté. Barvu jsem nanášela buď štětcem nebo prsty. Díky tomu jsou obrazy ještě živější a dýchají. A zápletky jsou ještě dynamičtější a dramatičtější.

Připomíná vám to něco? To je samozřejmě technologie. A technologie umělci XIX století: Barbizoni a. Tizian by stejně jako Michelangelo prošel 500 lety malby za jeden život. Proto je génius.

O slavné mistrovské dílo Přečtěte si mistra v článku.

Renesanční umělci jsou vlastníky velkých znalostí. Chcete-li zanechat takový odkaz, bylo se hodně co učit. V oblasti historie, astrologie, fyziky a tak dále.

Každý jejich obraz nás proto nutí přemýšlet. Proč je to zobrazeno? Jaká je zde zašifrovaná zpráva?

Téměř nikdy se nemýlili. Protože si svou budoucí práci důkladně promysleli. Využili jsme všech našich znalostí.

Byli víc než umělci. Byli to filozofové. Malováním nám vysvětlili svět.

Proto pro nás budou vždy hluboce zajímavé.

Spoustě lidem se to tehdy líbilo a mně se díla umělců také zdají skvělá vizuální pomůcka v procesu studia barevných kombinací. Vlastně proč znovu vynalézat kolo, když velcí mistři dlouho studovali principy harmonie, kombinace odstínů a aktivně je používali při malování. Plánuji na toto téma napsat sérii příspěvků a budu čerpat z Ittenovy knihy "Umění barev".

Problém s barevnými kombinacemi často pramení z toho, že nám chybí postřeh a oko není vycvičené k vidění zdařilých kombinací, jsou vnuceny určité stereotypy a kvůli neznalosti nám chybí odvaha a sebevědomí při výběru barev. Budeme s tím bojovat :)

Itten nás ve své práci o barvě provede nejvýznamnějšími obdobími ve vývoji umění a práce s barvou a jako příklady uvádí velké umělce. A dnes začneme s umělci renesance. Jan van Eyck, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci, Titian, Grunewald.

"Jan van Eyck začal vytvářet obrazy, jejichž kompoziční základ určovaly skutečné barvy zobrazovaných osob a předmětů. Prostřednictvím blednutí a čistoty, světlosti a temnoty těchto barev se zvuk obrazu stále více podobal realističnosti. Barva se stala prostředkem k vyjádření přirozenosti věcí.“

"Portrét manželů Arnolfiniových" je vyroben v tlumených teplých tónech tmavého podzimu

„Ghentský oltář“ je vymalován teplými barvami, ale barvy jsou již jasnější a čistší, blíž k jaru

"Piero della Francesca Maloval lidi, figury ostře obkresloval výraznými výraznými barvami, přičemž používal další barvy, které dodávaly obrazům obrazovou rovnováhu.“

"Portrét Federiga da Montefeltro a Battista Sforza" je také vyroben v teplých barvách, v barvách podzimu

"Altar of Montefeltro": velmi krásná kombinace barev, jemné odstíny, rozsah jaro-léto.

Výsledkem je kombinace tří základních tónů a dvou přízvukových tónů:

"Leonardo da Vinci opuštěné světlé barvy. Své obrazy postavil na nekonečně jemných tónových přechodech.“

"Mona Lisa"

"Klanění tří králů"

"Tizian začal usilovat o malebné modulace chladu a tepla, vybledlé a bohaté."

"Nádherný"

„Jeho barevné vlastnosti pozdní malby byla jím vytvořena na základě různých tmavých a světlých odstínů stejné barvy.“

"Korunovace trnovou korunou." Jedná se o veselý obrázek jak tématem, tak barvami. Nejlepší je v listopadu :))

Ale barevné přechody ve stejné barvě jsou velmi jasně viditelné.

"Grunewald kontrastoval jednu barvu s druhou. Z takzvané objektivně existující barevné substance věděl, jak najít svou vlastní barvu pro každý motiv obrazu.“

"Isenheimský oltář"

V rámci jednoho díla použil Grunewald různé barevná schémata a obětoval všeobecnou harmonii kvůli předání smyslu jednotlivé díly funguje.

Zbývá uzavřít, že pokud jste Podzim, pak byste se měli podívat na další díla renesančních umělců :)