Niccolo Paganini. houslové koncerty

Jean Sibelius
Houslový koncert d moll, Opus 47 (1903)

1. Allegro moderato
2. Adagio di molto
3. Allegro, ma non tanto

Emotivní, majestátní a vzrušující koncert je již dlouho oblíbeným publikem. Jeden kritik přirovnal hudbu koncertu k „malebným skandinávským zimním krajinám, ve kterých umělci dosahují vzácných, někdy hypnotických a silných efektů prostřednictvím jemné hry bílé na bílém“.

S. Prokofjev
Houslový koncert č. 2 g moll (1935)

1. Allegro moderato
2. Andante assai
3. Allegro, ben marcato

Druhý houslový koncert Prokofjeva je plný veselých melodických nálezů - jedná se o typicky prokofjevovskou tvorbu, a to jak z hlediska citového, tak figurativního zaměření - od nejjemnějších textů až po škodolibost, grotesku, sarkasmus a z hlediska použitých prostředků (charakteristický interval , nevyčerpatelná rytmická vynalézavost, témbrové a barevné inovace, harmonická svíravost, tvarová čistota). Hudba koncertu je vskutku divadelní – některé jeho momenty připomínají pozdní Prokofjevovy balety, zejména Popelku. Koncert začíná jednoduchou houslovou melodií spojenou s ruskou lidovou hudbou, druhou částí je nádherné Andante, ve finále jsou patrné Španělské motivy- hlavní téma ronda je doprovázeno praskáním kastanět pokaždé, když se objeví (Prokofjevova manželka je Španělka).

I. Stravinskij
Houslový koncert in D (1931)

Stravinského houslový koncert je neoklasická skladba napsaná s jasným zaměřením na Bacha. Jako ve většině děl neoklasicistního období i zde Stravinskij zachovává epický klid, lpění na hudební matematice a interpretům předepisuje suché a odtažité hraní. Sólový nástroj a v něm orchestr rovná práva, a poslech podivných zvuků orchestrálního doprovodu je neméně zajímavý než odměřených čar nakreslených houslemi, přesto to celé zní jako zcela ukázkový houslový koncert a v interpretaci současných interpretů docela expresivní.

A. Chačaturjan
Houslový koncert d moll (1940)

1. Allegro con fermezza
2. Andante sostenuto
3. Allegro vivace

Chačaturjanův houslový koncert využívá originálním způsobem řadu technik používaných v arménštině a gruzínštině lidová hudba(opakovaný důraz na jeden zvuk, ornamentika, chromatismus, náladový rytmus), rysy improvizace se blíží zpěvu ašugů, připomíná báječný východ Rimskij-Korsakov, Borodin, Balakirev.

M. Ravel "Cikán"
koncertní rapsodie pro housle a orchestr (1924)

Ravelova "Cikánka" je založena na melodiích stylu verbunkos (žánr maďarského taneční hudba, který se objevil v druhé polovině 18. století, stejně jako styl uher instrumentální hudba konec XVIII — začátek XIX století), respektive jejich stylizovaná podoba. Sólový part je napsán brilantním koncertním stylem, partitura se vyznačuje puncem čisté francouzské elegance, oplývá nádherně jemnými kombinacemi houslí a orchestru.

Alban Berg
Houslový koncert „Na památku anděla“ (1936)

1. Andante - Allegretto
2. Allegro - Adagio

Houslový koncert Albana Berga je věnován památce mladé talentované houslistky Anny Gropius, dceři vdovy po Gustavu Mahlerovi, která zemřela v sedmnácti letech (její jméno není ve věnování. Je na něm uvedeno pouze: „Dem Andenken eines Engels" - "Na památku anděla"). Koncert je založen na dodekafonickém tématu, stoupajícím od nejnižšího zvuku houslí až k hornímu rejstříku, kde visí na „fa“ třetí oktávy. Ve 2. sekci druhé, poslední věty Berg cituje Bachův chorál, který překvapivě organicky zapadá do dvanáctitónové látky Koncertu. V hudbě vládne osvícená kontemplace a odstup.

D. Šostakovič
Houslový koncert č. 1 a moll, op. 77 (1948)

I. Nokturno (Moderato)
II. Scherzo (Allegro)
III. Passacaglia (Andante)
IV. Burleska (Allegro con brio - Presto)

Šostakovič napsal svůj první houslový koncert v roce 1948. V koncertu je vyjádřena nálada té doby, „temnota 20. století“, s pronikavou ostrostí, která je vlastní pouze tomuto skladateli.

Béla Bartok
Houslový koncert č. 2 (1938)

I. Allegro non troppo
II. Andante tranquillo
III. Allegro molto

Druhý houslový koncert Bély Bartóka už dávno byl hudební klasiky XX století, díky čemuž se lidové maďarské rytmy ze dvorků východní Evropy staly majetkem světové klasiky. "Od temnoty, hrůzy a beznaděje našich dnů - k míru, světlu a radosti" - tak by se dal charakterizovat skrytý program tohoto koncertu.

Edward Elgar
Koncert pro housle a orchestr, op.61 (1910)

I. Allegro
II. Andante
III. Allegro molto

Elgarův koncert b moll, Opus 61, napsaný v roce 1910, je jedním z mála anglických "staromódních" koncertů, které zůstaly v repertoáru angličtiny, utkané ze známých romantických vzorců, zobrazující viktoriánskou nádheru a emocionální citlivost zároveň.

Karol Szymanowski
Houslový koncert č. 2, op. 61 (1933)

Druhý koncert Szymanowského spojuje francouzské rozjímání se slovanskou divočinou, starobylým huculským folklórem a moderní hudební jazyk. Partitura je naplněna duchem lidových rytmů, nadšením a lyrickou upřímností – skladatel proniká do těch hlubin, kde se nacházejí archaické předintonace polské hudby.

Housle mají lidový původ. Předchůdci houslí byli arabský rebab, španělský fidel, německá společnost, jejíž fúzí vznikla viola.

Tvary houslí nastaveny na XVI století. Do tohoto věku a začátek XVII století jsou známí výrobci houslí - rodina Amati. Jejich nástroje mají vynikající tvar a vynikající materiál. Obecně byla Itálie proslulá výrobou houslí, mezi nimiž jsou v současnosti velmi ceněny housle Stradivari a Guarneri.

Od 17. století byly housle sólovým nástrojem. První díla pro housle jsou: „Romanesca per violino solo e basso“ od Mariniho z Brescie (1620) a „Capriccio stravagante“ od jeho současníka Farina. Zakladatel umělecká hra housle jsou považovány za A. Corelliho; pak následují Torelli, Tartini, Pietro Locatelli (1693-1764), žák Corelliho, který vyvinul bravurní techniku ​​hry na housle.

Svou moderní podobu získaly housle v 16. století, rozšířily se v 17. století.

houslový přístroj

Housle mají čtyři struny laděné v kvintách: g, d, a, e (sůl malé oktávy, re, la první oktávy, mi druhé oktávy).

Rozsah houslí je od g (sůl malé oktávy) do a (la čtvrté oktávy) a výše.

Témbr houslí je tlustý v nízkém rejstříku, měkký ve středu a brilantní ve vysokých.

Tělo houslí má oválný tvar se zaoblenými zářezy po stranách, tvořící "pas". Kulatost vnějších obrysů a linie "pasu" zajišťují pohodlí při hře, zejména ve vysokých registrech.

Horní a spodní paluba trupu jsou navzájem spojeny granáty. Spodní paluba je vyrobena z javoru a horní paluba je vyrobena z tyrolského smrku. Oba mají konvexní tvar, tvoří "klenby". Geometrie oblouků, stejně jako jejich tloušťka, do té či oné míry určují sílu a barvu zvuku.

Další důležitým faktorem, ovlivňující zabarvení houslí - výšku mušlí.

V horní palubě jsou vytvořeny dva otvory pro rezonátor - efs (ve tvaru se podobají latinské písmeno F).

Uprostřed horní ozvučnice je stojánek, kterým procházejí struny upevněné na koncovce. Koncovka je pruh z ebenu, rozšiřující se směrem k uchycení strun. Jeho opačný konec je úzký, s tlustým žilním provázkem ve formě smyčky, je spojen s knoflíkem umístěným na mušli. Stojan také ovlivňuje zabarvení nástroje. Experimentálně bylo zjištěno, že i malý posun stojanu vede k výrazné změně témbru (při řazení dolů je zvuk utlumen, při pohybu nahoru je průraznější).

Uvnitř těla houslí, mezi horní a dolní palubou, je vložen kulatý čep rezonanční smrk- miláček (od slova "duše"). Tato část přenáší vibrace z horní paluby na spodní a zajišťuje rezonanci.

Krk houslí je dlouhá deska vyrobená z ebenu nebo plastu. Spodní část krk je připevněn k zaoblené a leštěné liště, tzv. krku. Také na síle a zabarvení zvuku smyčcové nástroje vykresluje velký vliv materiál, ze kterého jsou vyrobeny, a složení laku.

Technika hry na housle

Struny jsou přitisknuty čtyřmi prsty levé ruky k hmatníku ( palec vyloučeno). Struny jsou vedeny smyčcem v pravé ruce hráče.

Přitlačením prstu na hmatník se struna zkrátí, čímž se zvýší výška struny. Struny, které nejsou stisknuty prstem, se nazývají otevřené struny a označují se nulou.

Houslový part je psán v houslovém klíči.

Rozsah houslí je od soli malé oktávy po čtvrtou oktávu. Vyšší zvuky jsou obtížné.

Z polostisknutí struny v určitých místech se získávají harmonické. Některé harmonické zvuky přesahují výše uvedený rozsah houslí.

Aplikace prstů levé ruky se nazývá prstoklad. Ukazováček ruce se nazývají první, střední - druhá, bezejmenná - třetí, malý prst - čtvrtá. Pozice je prstoklad čtyř sousedních prstů vzdálených od sebe jeden tón nebo půltón. Každý řetězec může mít sedm nebo více pozic. Čím vyšší pozice, tím je to obtížnější. Na každé struně, vyjma kvint, jdou hlavně jen po pátou pozici včetně; ale na páté nebo první struně a někdy i na druhé se používají vyšší polohy - od šesté do dvanácté.

Způsoby vedení smyčce mají velký vliv na charakter, sílu, zabarvení zvuku a vlastně i na frázování.

Na houslích můžete běžně hrát dvě noty současně na sousední struny (dvojité struny), ve výjimečných případech - tři (je nutný silný tlak smyčce) a ne současně, ale velmi rychle - tři (trojité struny) a čtyři. Takové kombinace, většinou harmonické, jsou snadněji proveditelné s prázdnými strunami a obtížněji bez nich a obvykle se používají v sólových dílech.

Velmi častou technikou orchestrálního tremola je rychlé střídání dvou zvuků nebo opakování stejného zvuku, čímž vzniká efekt chvění, chvění, blikání.

Technika col legno, což znamená udeřit do tětivy násadou smyčce, způsobuje klepání, smrtící zvuk, který je také velký úspěch používané skladateli v symfonické hudbě.

Kromě hry s lukem se jedním z prstů dotýkají struny. pravá ruka- pizzicato.

K zeslabení nebo utlumení zvuku používají tlumič - kovovou, gumovou, gumovou, kostěnou nebo dřevěnou destičku s prohlubněmi ve spodní části pro struny, která se připevňuje na horní stranu stojanu nebo klisny.

Na housle se snáze hraje v těch tóninách, které umožňují největší využití prázdných strun. Nejvhodnější pasáže jsou ty, které jsou složeny ze stupnic nebo jejich částí, stejně jako arpeggií přirozených kláves.

Je těžké stát se houslistou v dospělosti (ale možné!), protože citlivost prstů a svalová paměť jsou pro tyto hudebníky velmi důležité. Citlivost prstů dospělého člověka je mnohem menší než u mladého člověka a svalová paměť se vyvíjí déle. Nejlépe je učit se hrát na housle od pěti, šesti, sedmi, možná i od dřívějšího věku.

Chceme-li jmenovat nejvíce tajemná osoba v dějinách umění obecně a hudby zvlášť bude bezpochyby jedním z prvních uchazečů. Někteří současníci ho považovali za „ďábelského houslistu“, jiní vyjadřovali lítost, že se potomci nikdy nedozví, jak hraje... Mnoho otázek týkajících se jeho života a díla zůstává dodnes nezodpovězeno a jednou z Paganiniho záhad zůstávají jeho houslové koncerty s orchestrem. Muzikologové nemají přesnou odpověď, kolik takových děl Paganini vytvořil, což znamená, že část jeho výtvorů nám možná zůstává skryta. S jistotou můžeme říci o šesti houslových koncertech - jejich partitury jsou v majetku skladatelových dědiců, některé byly poprvé vydány ještě za autorova života, jiné - ve 20. století; jsou zařazeny do repertoáru houslistů, i když některé koncerty jsou populární v více, ostatní v menší míře. Jeden ze skladatelových dopisů však zmiňuje koncert f moll a jeho autobiografie uvádí dva další, napsané v Parmě v roce 1796. Kromě toho Conestabile, skladatelův italský životopisec, zmiňuje dva koncerty psané v málo používaných tóninách, mi -sharp dur a b moll (možná vyžadovaly speciální ladění houslí). Několik Paganiniho koncertů tak zůstává dnes neznámých.

Ale můžeme-li litovat ztracených koncertů, pak můžeme jen obdivovat ty, které k nám přišly. Houslové koncerty samozřejmě vznikaly dávno před Niccolem Paganinim, ale vše, co předcházelo, se s velkolepostí jeho tvorby nedá srovnávat. Měřítko formy, jas kontrastů, melodická bohatost, patos, srovnatelný s dramatem operní představení, mnoho zajímavých koloristických efektů – to vše odlišuje tzv. velký koncert“, jehož začátek položil Paganini. Jak argumentoval, možnost mnoha „spektakulárních a vtipných“ technik, které se objevily v Paganiniho koncertech, houslisté nikdy předtím netušili, ale protože je objevil velký Ital, jejich popis by zabral celou knihu.

Princip „soutěže“, který je základem žánru instrumentální koncert, v dílech Paganiniho je dovedena na hranici možností, houslový part v nich je jako role v činoherním představení, ústřední herec který se stává romantickým umělcem. Taková koncentrace na osobnost tvůrce vede ke zvýšení role improvizačního principu – v Paganiniho koncertech je mnoho dramatických „výpovědí“, odbočky, volně se rozvíjející fantasy monology, které zpestřují strukturu formy. Například v první části Koncertu č. 1 D dur se objevuje zvláštní instrumentální lom intonací, který je charakteristický pro recitativy v operách. Kromě tohoto „monologu“ v první části práce nedochází k žádným zvláštním inovacím v oblasti hudební forma charakteristický rys romantického koncertu je však pociťován: ve figurativní struktuře sonátového allegra hraje vedlejší část výraznější roli než část hlavní, postavená na rejstříkových kontrastech v rámci stejné melodické linie. Druhá část připomíná inspirovanou, dramatickou operní árii. Stejně jako v první části jsou zde velmi široké melodické pohyby - v melodii je skok o decima, ale pokud byly v první části takové intonace vnímány jako integrální součást hrdinského obrazu, pak v Adagiu tvoří lyrický výpověď výraznější, nasytí ji emocionální intenzitou. Je pozoruhodné, že v rukopisu tohoto koncertu části orchestrální nástroje a sólové housle, skladatel napsal v různých tóninách: orchestr – Es dur, sólista – D dur, což zahrnuje naladění sólového nástroje o půltón výše a umožňuje některé efekty.

Nejznámější byl Koncert č. 2 h moll, přesněji jeho závěrečná věta - "Campanella" ("Zvon"). V tomto rondu je jedním z charakteristické vlastnosti styl Paganini - hojnost zdobení, která nemá nic společného s "dekorací". Melismatické dekorace a pasáže organicky zapadají do melodických kontur a dodávají jim buď oratorní patos, nebo vytříbenou eleganci. V hlavním tématu "Campanella" melismas reprodukují nejjemnější přelivy zvonění těch zvonů, které bylo možné slyšet na italských karnevalech. K tomuto dojmu přispívá rejstřík a ostrost „poskakujících“ tahů. Obraz je obohacen o koloristické techniky – například použití flažoletů. Často je „Campanella“ uváděna v transkripci, ale v tomto případě rondo dost ztrácí na svém kouzlu – jak kvůli „těžším“ harmoniím, tak kvůli vymizení Kreislerem vyloučené lyrické epizody.

Houslové koncerty Niccola Paganiniho hrálo a nadále hraje mnoho hudebníků. Jsou jedním z těch „odrazů“ umění velkého houslisty, jehož kouzlo ani časem neslábne.

Všechna práva vyhrazena. Kopírování je zakázáno.

Čajkovskij se nechal unést a rozhodl se pro svého přítele napsat houslový koncert. Nevyrovnané vztahy s Kotkem, neustálé změny nálad vedly k tomu, že Čajkovskij začal pochybovat, komu tento koncert věnovat a nabídnout k provedení. Skladatel dal přednost Kotkovi slavný houslista L. Auera.

V Evropě a poté v Rusku se interpretem a propagátorem koncertu stal houslista A. Brodsky. A skoro jako u Prvního klavírního koncertu došlo ke změně iniciace. I když i část prvního vydání koncertu dokázala vyjít s věnováním L. Auerovi. Později vyšly všechny publikace s věnováním A. Brodskému.

Koncert poprvé provedl s orchestrem 4. prosince 1881 ve Vídni Adolf Davidovič Brodskij, který se stal propagátorem koncertu v Evropě a poté v Rusku. Čajkovskij, který ocenil, že houslista hrál toto virtuózní dílo v Evropě, kde bylo Čajkovského dílo tehdy málo známé, změnil své předchozí věnování na věnování Adolfu Davidoviči Brodskému.

Koncert pro housle a orchestr - jeden z nejlepší práce ruština hudební umění. V současné době je tento koncert nezbytným kouskem pro vystoupení mezinárodní soutěž názevČajkovského.

Houslový koncert D dur, op. 35

Viktor Treťjakov, housle
Symfonický orchestr Moskevského rozhlasu
Dirigent - Vladimir Fedoseyev

Fragment sólového partu z koncertu

Čajkovského houslový koncert je dílem naplněným nejvyšší duchovní harmonií. Poetická hloubka hudby, brilantní využití možností houslí ji staví na úroveň příkladných děl tohoto žánru - koncertů Beethovena, Mendelssohna, Brahmse. Zároveň se vyznačuje puncem Čajkovského individuality: symfonický rozsah, virtuózní brilantnost se v ní překvapivě snoubí s dojemnou upřímností a skromnou grácií. Ukázkový příklad slouží jako část I (Allegro moderato). V něm se přirozeně a lehce nahrazují plynule zdrženlivá hudba orchestrálního úvodu, jednoduché a ušlechtilé hlavní téma a vedlejší téma písně.

Přirozeně a přirozeně se rozvíjejí témata podmanivá svou melodickou krásou a plasticitou, postupně se rozšiřují, rostou a „nabírají dech“, dvě témata prvního Allegra – jedno energičtější, odvážnější, rytmicky stíhané, základní hlavní strana, a druhá - lyrická, žensky měkká (boční část) - nekontrastují ani tak, jako spíše se doplňují. Oba mají světlou hlavní barvu a liší se pouze odstíny výrazu. Zvláště pozoruhodné svou melodickou šíři a plasticitou kresby je druhé téma, které lze přiřadit k Čajkovského nejkrásnějším lyrickým melodiím. Vyrůstá z jednoduchého motivu zpěvu, ve svém nepřetržitém napjatém vývoji dosahuje rozsáhlého rozsahu více než dvou oktáv a získává jasně expresivní zvuk.

Alpy kolem Clarens. Krásná v Clarence na dlouhou dobu Petr Iljič Čajkovskij žil. Zde napsal své opery Evžen Oněgin a Johanka z Arku, stejně jako své známé Koncert pro housle a orchestr d moll(březen 1878). Místo, kde Čajkovskij žil, je nyní hotel Royal Plaza.

Část II (Andante) - canzonetta - lyrické centrum koncertu. Jeho zbarvení je jemné, lehce matné - sólové housle a je to. smyčcové nástroje hrát s němým. Miniaturní canzonet, zahalený v oparu světla, mělká myšlenka (Je známo, že Čajkovskij nejprve napsal další střední část, tvarově detailnější a malovanou v elegických tónech. Skladatel však očividně cítil, že dostatečně neodpovídá obecná struktura díla a mohla by vyvolávat pocit otálení To byl důvod k jeho nahrazení jiným jednodušším a kratším. Původně psaná část byla zařazena do cyklu tří skladeb pro housle a klavír op.42 s názvem "Meditace" ( "Reflection"), napsaná jednoduchou třídílnou formou s písňovým hlavním tématem, ve kterém jsou slyšet ozvěny skladatelových italských dojmů, a živěji pohyblivým středem.

Panorama Ženevského jezera. V těchto místech žil P.I. Čajkovskij při psaní Koncertu

Jako přechod do finále (Allegro vivacissimo) slouží snová světelná hudba, rámující canzonettu. Jedním z jejích motivů se stává klíčová intonace. hlavní téma konečná - elastická a teplá. Čajkovskij navazuje na symfonický koncept již zavedený ve své tvorbě, odkazuje k obrazům sváteční lidové zábavy. Postranní part rondosonátové formy s rozmáchlým rytmicky ostře akcentovaným tématem, znějícím na pozadí „venkovských“ kvint violoncella a zarputilým, jakoby dráždivým opakováním jedné krátké melodické odbočky, má zvláště výrazný folk -žánrová postava. Další téma, ženské a smutné, jako by stavělo ostrov intimních textů uprostřed kypícího moře dovolené. Pocit sytosti vitalita ovládnout toto finále.